Camino al Rock

Covers: I Fought The Law

2011-07-19T16:19:00.000+02:00

Retomo hoy una sección que tenía medio abandonada, a pesar de lo interesante que puede llegar a ser.
Vuelvo con uno de los primeros temas de la historia del rock and roll, fechada del '59 y confeccionada por The Crickets ya sin Buddy Holly, liderados en ese momento por Sonny Curtis otra figura esencial para la música, aunque por desgracia quedará escondido tras monstruos como Chuck Berry, Eddie Cochran o el propio Buddy Holly. El tema en cuestión es I Fought The Law, que con su pegadiza melodía ha seducido y a la vez influido a muchos de nuestros iconos de la música.

El encargado de lanzar este tema a la fama fue Bobby Fuller, quien sin dar muchos cambios al original lo hizo aún más directo y rígido, y ya de paso le añadió un poco de miel con unos magistrales coros.

Y qué mejor grupo que The Clash para poner música a una letra sobre la lucha sin fruto contra la ley. Joe Strummer se encarga de darle a I Fought The Law la furia que necesita y hacer de un tema dulce y alegre un himno punk al instante.

Otra de mis versiones preferidas es la que hicieron Los Coronas junto con Arizona Baby en su famosa gira Dos Bandas y un Destino. Si mezclamos el surf rock de Los Coronas y el rock acústico de Arizona Baby solo puede salir algo bueno. Juntos han hecho covers de Pink Floyd, Black Sabbath, Neil Young y muchos más.
El de I Fought The Law es uno de los que mejor les ha quedado.

Roy Orbinson, Stray Cats, Stiff Little Fingers, Mike Ness y otros tantos han hecho excelentes versiones de este intemporal tema, pero yo me quedo con esos tres. Quizás algún día suba una segunda parte.
Saludos!!

Born To Run - Bruce Springsteen (1975)

2011-06-27T21:48:00.000+02:00

Artista: Bruce Springsteen
Publicación: 1975
Discográfica: Columbia
Calificación: 10

Mejor canción: Jungleland/2º Puesto: Thunder Road.
Canciones: 1.Thunder Road/2.Tenth Avenue Freeze-Out/3.Night/4.Backstreets/5.Born To Run/6.She's The One/7.Meeting Across The River/8.Jungleland.

Bueno, como imagino, ya se habrán enterado de que el pasado sábado 18 el gran Clarence Clemons nos dejó para siempre, y por ello, he decidido escribir sobre un disco que sin su presencia no habría sido tan genial y explosivo, me refiero, por supuesto, a Born To Run, tercer álbum de estudio de Bruce Springsteen y su E Street Band, por muchos considerados el mejor de su carrera y por otros como todo lo contrario, y siento diferir con estos últimos, pero Born To Run es una maldita obra maestra, no se si mejor que Darkness Of The Edge Of Town, pero un diez de todas formas.
"El Jefe" ya nos había dejado claro que el no se lo tomaba a chiste en sus dos primeros álbumes (Greetings From Asbury Park, NJ y The Wild, The Innocent & E Street Shuffle), que su habilidad para componer crecía y crecía, y además siempre se encontraba en buena compañía, pues la calidad de los miembros de la E Street Band es innegable, los cuales aportaron mucho a Bruce, especialmente en directo, porque es sabido que los conciertos de el Boss son impresionantes.
Cuando Springsteen comenzó la grabación de Born To Run tenía muchas ideas e influencias en la cabeza (Roy Orbinson, Dylan...) y su objetivo era conseguir un sonido parecido al de sus idolos, pero lo que consiguió fue un estilo único y reconocible en cualquier lugar del mundo.
La producción del álbum, a manos de Mike Apple, Jon Landau y el propio Springsteen es impecable, al más puro estilo Phil Spector y su "Wall Of Sound", que es algo así como agotar hasta el último recurso posible y pulir cualquier aspereza.
Rock americano al más puro estilo Springsteen, marcado por el saxo de Clarence Clemons, instrumento clave en la carrera del Boss, y por música negra, la cual Bruce admiraba...es decir: Born To Run.

Abre Thunder Road, con un piano y una armónica que van creando ambiente hasta que aparece la rota pero sentida voz de Bruce con una melodía deliciosa. A la par que van apareciendo instrumentos, el tema va cogiendo ritmo, convirtiéndose en un tema muy animado con un loco (y no por ello malo) piano a manos del genial Roy Bittan. Al final del tema, Clemons irrumpe con un estupendo riff de saxo que da fin a una de las mejores canciones del jefe...¿cómo?¿Que ya se ha acabado?
Sigue otro de los puntos claves del álbum: Tenth Avenue Freeze-Out, donde Bruce y su E Street Band experimentan con el soul y, por supuesto, consiguen lo que se proponen. De fondo se oye la guitarra de Bruce que sirve como un brillante acompañamiento, pero pasa desapercibida, pues los focos iluminan esta vez a Clarence, que pocas veces sonó tan convincente como en esta canción. La melodía es pegajosa como nunca, ya se sabe la habilidad de Bruce para las lineas vocales.
Night es el tema más corto del álbum, pero son tres minutos de pura emoción: power chords, un saxo esplendido, rock, rock y rock. Como viene siendo usual los temas más breves son siempre los más intensos, y hay mucha gente que puede expresar en dos minutos lo que otros no pueden en 40. Night es, además, uno de los rockers más potentes del álbum.
Sigue Backstreets que comienza lento con Roy Bittan y su piano liderando, hasta que aparecen un hammond y una guitarra dándole un empujón al tema, que se ve sometido a un estupendo crescendo que lo convierte en un tema casi épico, con Springsteen desvivido y gritando como un descosido al final "Hidin' on the backstreets" (por mucho que se le odie como cantante, a mi me parece que tiene todo un vozarrón).
Continuamos con Born To Run, que aunque esté todo dicho acerca de él, algo habrá que decir al respecto. Para empezar, decir que este tema fue el que salvó la carrera del Boss, pues estaba a punto de caer despedido, y no me extraña porque, además de ser uno de los más temas más comerciales de la primera época de Springsteen, está cuidado hasta el más mínimo detalle. Ahora los protagonistas son la guitarra y el saxo (Clarence, ya se te echa de menos), pero, por otro lado, hay todo un arsenal de instrumentos: hammond, piano, gockenspiel...A pesar de su pomposidad, es uno de los temas más directos e impactantes a primera oída de este jefe del rock.
She's the One es uno de los más curiosos del disco. La batuta la lleva un movido y pegadizo riff de organo del también difunto Danny Federici sobre el que Bruce ejecuta una casi robótica melodía. Entonces aparece una guitarra realmente explosiva, nunca pensé que Springsteen pudiera meter semejante caña a las seis cuerdas. Impresionante.
Sigue Meeting Across The River, que es un cambio drástico de estilo, la E Street Band prueba ahora con el jazz con nada más que piano, saxo y voz. El resultado es una dulce canción, que aunque hay que escucharla varias veces, acaba gustando.
Para cerrar tenemos una de las mayores burradas que haya hecho este señor en su carrera, una épica de 9 minutos y medio llamada Jungleland. Toda una pasada. Born to Run y Backstreets sonaban pomposas, pero esto, esto es superior. Todas aquellas influencias que Bruce había acumulado las vuelca en este temazo. ¡Pasen y vean! Guitarrazos por doquier, melodías exquisitas, furia rocker, y por supuesto, a la mitad de la canción, el conocido y respetado solo de saxofón del maestro Clarence Clemons, simplemente fabuloso, algo fuera de este mundo.
Pocos discos hay a este nivel. No hay mucho más que decir, bueno, en realidad sí: D.E.P Clarence Clemons.

Senderos de Traición - Héroes del Silencio (1990)

2011-06-13T21:04:00.000+02:00

Artista: Héroes del Silencio
Publicación: 1990
Discográfica: EMI
Calificación: 10

Mejor Canción: Entre Dos Tierras o Maldito Duende
Canciones: 1.Entre Dos Tierras/2.Maldito Duende/3.La Carta/4.Malas Intenciones/5.Sal/6.Senda/7.Hechizo/8.Oración/9.Despertar/10.Decadencia/11.Con Nombre de Guerra/12.El Cuadro II/

Y si de rock español nos ponemos a hablar, no podíamos saltarnos a la banda más internacional que hemos tenido en España. Pocas por no decir ninguna han conseguido ser tan reconocidas en países como Alemania, Estados Unidos y prácticamente toda Sudamérica. Hablamos, por supuesto, de Héroes del Silencio.
Empezaron a sonar con ese Heroe de Leyenda, perteneciente al disco El Mar No Cesa, pero alcanzarían la fama gracias a este maravilloso Senderos de Traición. He de decir que debut de la banda es un disco que no me acaba de convencer, demasiado ochentero para mi gusto, aunque tiene algún buen tema. Pues bien, todos los defectos de El Mar No Cesa desparecieron en su segundo trabajo, adquirieron más potencia rockera, Juan perfeccionó su técnica y Bunbury consiguió hacer que su voz sonará convincente pero sin abusar de ella como haría posteriormente en solitario.
En mi opinión el principal responsable de la rápida madurez de Héroes de Silencio fue Phil Manzanera (exRoxy Music), un hombre muy formado tanto como músico como productor. La producción de Senderos de Traición es impecable, Phil supo como poner las cosas en su sitio, pues había muchas cosas que no cuadraban en su anterior álbum. La mejor época de la banda la pasaron con Phil Manzanera, y eso tiene que decir algo.
Héroes acaban de formar un estilo único y reconocible por fin en este álbum, un estilo complejo, ecléctico, capaces de rockear con dureza solo con arpegios y chorus, todo debido a la gran capacidad de los miembros del grupo. Hay quien incluso los clasificó dentro del rock gótico.

Abre Entre Dos Tierras con ese inconfundible delay de Juan Valdivia, una intro perfecta, en la que poco a poco se va desprendiendo del efecto y pasa a un riff excelente marca de la casa. Bunbury aparece entonces con su potente voz "Te puedes vender, cualquier oferta es buena".El estribillo es todo un desparrame de energía, toda esa oscuridad creada por Juan y Enrique toca el cielo con ese "Dejameeee, si yo no tengo la culpa de verte caer". El solo del minuto 4:09 arrasa con todo, con una guitarra cargada de furia y una banda revolucionada.
En Maldito Duende, Héroes construyen una balada sometida a un potente crescendo. La melodía del tema es sublime "He oído que la noche es toda magia y que un duende te invita a soñar", Enrique la canta modulando su voz con una delicadeza exquisita, ayudando a crear una atmósfera que, como el propio tema dice, te invita a soñar. La batería de Pedro Andreu agrega potencia al tema, evitando que el tema caiga en la sosería.
Sigue La Carta, que tras esos dos temazos puede parecer más floja, pero créanme, es otra joya. Es uno de los temas más sentidos del álbum, hecho desde lo más profundo. Esa melancolía que refleja es pura magia. A muchos les puede sonar a monótona, peor hay que saber apreciarla.
Continúa Malas Intenciones con genial y veloz riff, que da un juego tremendo con esos azotes a la batería de Pedro. De nuevo Bunbury suena muy convincente con su vozarrón, que le venía al pelo a la banda, ¿se imaginan a Héroes sin Enrique?. El estribillo es muy pegadizo "No quisiera utilizar tus intenciones y quisiera no pensar más de un segundo en ti".
Sal sirve como un enlace de veinte segundos entre el anterior tema y Senda, este se muestra oscuro y misterioso, con un riff que pega como un latigazo y que crea un ambiente cargado de tensión, tensión que se ve desatada en el coro "Por una vez lo que siempre soñé hacer, prométeme contruir una senda".
Hechizo es un tema muy rápido, pero con unos cuantos factores que no me acaban de convencer, entre otros el repetitivo verso. Sin embargo me encanta su pegadizo estribillo "Vamonos de esta habitación al espacio exterior" me parece glorioso, por lo que se hace un tema muy irregular e incoherente.
Sigue Oración, otro de mis preferidos. De nuevo Juan Valdivia tiene un importante papel con sus característicos arpegios que dibujan poco a poco el tema. Bunbury se muestra mucho más tranquilote a la hora de cantar, aunque en los coros vuelve su inconfundible voz "No hay oración capaz de decidir por ti ¡oh señor! no queda otra opción y jamás me vuelvo a arrepentir". Pero el tema toma un giro hacia el 2:20 y se vuelve rabioso y mucho más rockero.
Despertar es un tema mucho más espiritual, con una atmósfera mucho más cristalina e intima, que suena más a El Mar No Cesa que a Senderos de Traición, pero tiene sus cosas buenas, lo cual es una de las virtudes de este disco, que no hay ningún tema realmente malo.
Continúa Decadencia, el tema más rockero del disco. Tras los imprescindibles arpegios, Valdivia se suma en duro riff cargado de distorsión. Por otro lado, Bunbury se muestra más potente que en otras ocasiones, mostrando registros vocales nuevos para nuestros oídos, acercandose más al heavy de los siguientes discos "nunca podré saber si la cruz es salvacióooon!", incluso por momentos intenta emular a el gran Robert Plant.
Sigue Con Nombre De Guerra, con más influencia pop, aunque con intro de guitarra maravilloso. La melodía es muy buena de nuevo, con ese genial toque que Enrique le da para hacerla más intima "Entra despacio, que nadie oiga tus pasos". Juan realiza unos solos claros como el agua de muy buen gusto, como nos tiene acostumbrados.
Cierra el tema más curioso del álbum: El Cuadro II, donde el instrumento principal es un clavicordio, perfectamente acoplado a la usual formación de la banda. El tema se muestra mucho más oscuro y delirante que los anteriores, con una sección de acordes un tanto agobiante y extraña.

Senderos de Traición es un disco imprescindible en la colección de cualquier aficionado a la música, tanto española como internacional. Este y su sucesor, El Espíritu del Vino (y Avalancha también tiene lo suyo), forman un par de discos sensacionales, aunque bajo estilos bastante diferentes, ambos dos bajo la producción del gran Phil Manzanera.

Material Defectuoso - Extremoduro (2011)

2011-06-02T22:01:00.000+02:00

Artista: Extremoduro
Publicación: 2011
Discográfica: Warner Music
Calificación: 8

Mejor canción: cualquiera de las tres en rojo.
Canciones: 1.Desarraigo/2.Mi Espíritu Imperecedero/3.Otra Inútil Canción Para la Paz/4.Si te vas.../5.Tango Suicida/6.Calle Esperanza s/n.

Extremoduro ha llegado a un punto evolutivo que va dar lugar a muchas diferencias entre sus fans. Material Defectuoso se presenta como un álbum distinto en la carrera de los extremeños, por muchas reminiscencias que muestre de su anterior álbum, La Ley Innata, Extremoduro ha "ablandado" su sonido; ya no son aquella banda de rock duro y loco que eran en sus inicios, en nada se parece Material Defectuoso a Somos Unos Animales, Deltoya o Agila.
En mi opinión, hay que saber apreciar la evolución musical de Extremoduro y no quedarse anclado en sus 6 primeros discos, como muchos fans radicales de su primera etapa. Han tomado caminos distintos y han salido airosos, y yo creo que todos los discos posteriores a Agila han sido buenos, unos más que otros pero cada uno tenía lo suyo. Y Material Defectuoso también.
En primer lugar, decir que no es un disco que entre a la primera: si hubiera hecho la reseña tras escucharlo por primera vez, no habría pasado del 6, sin embargo, conforme las escuchas aumentan te vas dando cuenta de la calidad del álbum.
Consiguen en su último álbum un sonido mucho más intimo y relajado, pero con sus momentos de furia. Suena sincero, y en temas como Si te Vas... conmovedor. Mas no olvida ese "rock transgresivo" de sus inicios, y líricamente sigue al más puro estilo Extremoduro.
Pero hay algo que empiezo a notar en estos chicos: cada vez explotan y abusan más de la formula de temas como Salir, Standby o Cuarto Movimiento: La Realidad, tres temazos en toda regla, pero ahora oyes Desarraigo y Mi Espiritu Imperecedero y dices: "ya lo he oido" y es el principal defecto que le encuentro al disco, no veo mal que hayan "ablandado" su sonido, sino que se repitan.

Abre de forma magistral Desarraigo, un tema perfecto para abrir el disco y darnos una idea de que va. Comienza a ritmo de congas, a las que se les van sumando distintos instrumentos dando forma al tema y cogiendo volumen y entonces entra Robe con una melodía sublime que fluye por si sola: "voy perdidito y me he encontrado a una princesa, me he encontrado entre sus labios cuando besa, besa, besa y besa...", el tema se va acelerando y se van incorporando más y más instrumentos...cuando te das cuenta el tema ha acabado. Destaco una estupenda voz femenina que da ambiente a la canción.
Sigue Mi Espíritu Imperecedero, canción que me recuerda mucho a Standby. De nuevo la guitarra, inconfundible, suena limpia, tranquila y gentil, hasta que el tema coge ritmo y fuerza "regalé mi alma imperecedera, ¿para qué? para que nunca más me duela". Un tema fácil y obvio, pero se disfruta.
Llega una de las pistas principales: Otra Inútil Canción para la Paz, una balada con tintes bluseros e incluso progresivo. El riff principal corre a cargo del saxo de Mikel Piris, pero el que más se luce en este tema es sin duda el Uoho, que realiza unos solos bestiales. El estribillo está lleno de rabia: "Pide un deseo: quiero que el odio me salga de dentro ummmmm, pide un deseo: quiero que cambie este mundo tan feo" y realmente le sacia a uno. El tema va creciendo y al final es ya muy grande la fuerza que ha cogido, con todos los miembros a tope y un Uoho saliendose de cualquier esquema.
Si te Vas... puede ser sin ningún problema la balada perfecta, al menos del disco. Uno de los puntos fuertes del tema, es la atmósfera creada por las guitarras de Robe y Uoho. Pero la sinceridad de la pista conmueve: "Ojalá que me despierte y no busque razones, ojalá que empezara de cero y poder decirle que pasado la vida sin saber que la espero, no". Por momentos Uoho irrumpe con potentes y arrebatadores guitarrazos, haciendo que esta preciosa balada roce por momentos la perfección.
Tango Suicida fue el primer tema en salir a la luz y se ganó el reconocimiento en pocos días. El tema comienza tranquilo, con una tierna guitarra, un pianito juguetón y un Robe cantando con el alma: "Sangre negra de esta herida brota, no dejo de pensar que te dejé marchar" todo con cierta influencia del género argentino. Pero pronto aparece Uoho con un riff rompedor y allá donde el Robe dice "Tu deja que te clave un arpón, justo en el corazón, así lo mismo te contesta!" la canción da un completo giro y se convierte en uno de los temas más devastadores del repertorio de los extremeños.
Cierra el místico Calle Esperanza s/n, un corte muy lento y melódico. Cuesta pillarle la esencia a este tema y fue el que más tardó en gustarme. Comienza con un ritmo mutado y un Robe no muy convincente pero pronto la canción se convierte en un despliegue de instrumentos de cuerda y coros muy tranquilotes: "¿tu casa dónde está? Entre viento y nieve".

Resumiendo: un disco mucho más tranquilo, el más intimo que hayan hecho hasta el momento, pero no por ello peor, su principal defecto es que parece que empiezan a abusar de la "formula Standby". Los miembros se mantienten en forma, la instrumentación es sublime.
Por otro lado, Extremoduro ha decidido no hacer ningún tipo de publicidad: ni vídeo, ni fotos, ni gira, ni entrevista, ni nada, pues dicen que están muy ocupados y hasta que en 2012 no caiga su decimotercer disco no habrá nada. Y aún así, se han colocado primeros en las listas de ventas, por delante de ~~Lady CaCa~~ Lady Gaga.
Un saludo!

Keep On Rockin' In The Free World!: 1 año de Camino Al Rock

2011-05-04T15:34:00.001+02:00

Hoy, miércoles 4 de mayo, Camino Al Rock cumple un añito y 50 entradas!
Muchas gracias a todos por su apoyo, sin lectores como ustedes, no creo que hubiera seguido con el blog.
Cuando comencé este proyecto, jamás pensé que Camino Al Rock pasaría de un entretenimiento de dos días, porque, admitámoslo, esto engancha. A pesar de todos los defectos de blogger. Cada comentario que recibes, cada voto de confianza, cada descubrimiento que haces en otro blog: todo eso engancha.
Sigamos compartiendo música, sigamos promocionando esa cultura no reconocida que es el rock: Keep On Rockin' In The Free World!

PD: Miguel, te robo la imagen del post con tu permiso.
Ah! Se me olvidaba, esta semana estaré ausente en el mundo blogger, me voy a tierras británicas!!

Ok Computer - Radiohead (1997)

2011-04-18T17:21:00.000+02:00

Artista: Radiohead
Publicación: 1997
Discográfica: Parlophone
Calificación:10

Mejor canción: Paranoid Android/2º Puesto: pufff... seguramente, Lucky
Canciones: 1.Airbag/2.Paranoid Android/3.Subterranean Homesick Alien/4.Exit Music(For A Film)/5.Let Down/6.Karma Police/7.Fitter Happier/8.Electioneering/9.Climbing Up The Walls/10.No Suprises/11.Lucky/12.The Tourist/

Las nuevas tecnologíasn y un odioso sistema acaparan el mundo y a Thom le aterra esa idea, toda esa autodestrucción parece ser inminente y el mundo no hace nada, y Yorke, no más puede hacer que transportar la deshumanización a la música.
Pero como todo tiene una cara y un reverso, la banda consigue sacarle algo bueno a las tecnologías, para hacer, el que es para muchos el mejor disco de los 90s y sus posteriores obras.
Radiohead alcanza su máximo punto de creatividad en Ok Computer, con unos miembros perfectamente compenetrados y llenos de ideas.
The Bends vacilaba entre la simplicidad y falta de inspiración de Pablo Honey y la experimentación y la incursión de nuevos sonidos de Ok Computer. Afortunadamente supieron escoger.
En una época donde, la música brit de Oasis y el grunge de Nirvana, controlaba el mundo, Ok Computer fue una ruptura con toda esa monotonía, mostrando diferentes formas de ver la música, mezclando influencias tan dispares como la electrónica, el art-rock, o el rock progresivo de gente como Pink Floyd. También reconocen que querían conseguir algo parecido a Bitches Brew. Ok Computer es un álbum que crea texturas y atmósferas, que realmente parecen espaciales, cada canción tiene su mensaje y es perfectamente transliterado al lenguaje musical.
Tampoco olvida esa vena lúgubre/depre que predomina en cada canción de Radiohead y que les hace tan característicos.
Otro aspecto que destaco es el trabajo de Jonny Greenwood a la guitarra, a mucha gente no le gusta la técnica de este hombre. Yo le adoro.

Abre Airbag, un denso tema con unas guitarras espectaculares, bastante más rockeras de lo que nos tienen acostumbrados y una batería sintetizada consiguiendo un efecto casi electrónico, al estilo de DJ Shadow, y tras esa base, cientos de instrumentos, inflando el tema, y alejándolo por momentos de la Tierra, sensación que Thom tiene después de que un airbag le salvase la vida, como volviendo a nacer.
Sigue Paranoid Android, "la gran suite de los '90s", y su apodo no es para menos. Dividida en varias partes, comienza con una enfermiza sección, entre guitarras acústicas, gemidos y extrañas percusiones, culminados en un sollozo "What's Thaaaaaaat" mientras una voz de fondo se oye decir "I may be paranoid, but not an android", más todo eso se va al garete cuando la potente guitarra de Jonny aparece con un riff no apto para abuelitas sobre el que Thom grita con rencor "You don't remember, you don't remember, why don't you remember my name?" que cae en una solemne "procesión" bajo la lluvia: "Rain down, Rain down", dando un giro completo a lo que el tema era en un principio. La canción trata principalmente sobre la inestabilidad mental y cambios de estado de animo.
Continúa con Subterranean Homesick Alien...¿Alienígenas? Quién sabe si los habrá, pero si los hay están escondidos en las cuerdas de las guitarras de este tema, capaz de crear una atmósfera realmente espacial con cien arreglos que te hacen olvidarte de tu existencia...y la de otros.
Sigue Exit Music (For a Film), uno de los temas más abrumadores de Radiohead y también uno de mis preferidos. El final de Romeo y Julieta dejó impactado a Yorke, y de eso va el tema, lo que debería haber ocurrido. Comienza con Thom solo frente a las luces, con una acústica acompañándole, y cantando una melodía capaz de bajarle a cualquier persona la moral "Wake from your sleeps". Un teclado parece imitar a un coro eclesiástico, y mientras canta "You can laugh, a spineless laugh" un bajo altamente saturado crea un ambiente oscuro y negro.
Let Down es de lo más lindo que Radiohead haya hecho jamás, pero su onda habitual. Se acerca más al pop que a nada, con un bajo predominante, que no se nota bajo todas esas capas y capas de arpegios guitarreros, creando un ambiente muy agradable, pero lo mejor es su estribillo, excesivamente pegadizo: "Let down and hanging around". La letra va sobre la sensación de que las cosas no van para bien y tu no puedes hacer nada por arreglarlo, o al menos así la veo yo.
Sigue el highlight Karma Police. "Tus actos serán los culpables de tu destino", más o menos de eso trata el karma, y Yorke lo metaforiza con el "policía del karma". Una de las canciones más conocidas y sonadas de la historia del rock. La melodía es muy amena y se te queda con facilidad: "Karma police, arrest this man, he talks in maths", acompañada siempre de la incesante guitarra acústica de Thom, y del precioso, PRECIOSO piano a manos de Jonny.
Fitter Happier, es un experimento, en la que un robot cuenta la rutina de cada día, mientras un piano y diferentes sintetizadores crean un fondo realmente paranoico. Funciona como enlace entre Karma Police y Electioneering.
Un tema que no me gusta mucho es Electioneering, el verso y el riff son aceptables, llenos de furia y arremetiendo con todo pero el estribillo es realmente feo, la voz suena fatigada e intenta cantar con potencia, para lo cual no le da. Se salva por el genial verso.
Climbing Up the Walls es lo más perturbador que haya podido oír, Street Spirit es nada al lado de esto. Marcan el ritmo unos porrazos a un bombo y una genial linea de bajo. La voz distorsionada se muestra solitaria, como si un psicópata cantase. Los arreglos de guitarra son insanos, vuelven a uno más loco de lo que el tema está.
Sigue No Suprises, una de sus mejores baladas. El riff inicial de metalófono (o algo por el estilo) es bellísimo y no menos es la melodía, que fluye por si sola. La letra es abrumadora y apática, diciendo resumidamente, que como todo lo que hagas no valdrá para nada, lo mejor es dejarse caer...
Lucky es otro de los mejores momentos de Ok Computer. Sigue la linea de otros temas del álbum como Exit Music o Karma Police, pero este es mucho más corpulento y con gran influencia de Pink Floyd, en especial esa aguda guitarra por parte de Jonny Greenwood, que realiza un genial trabajo aquí, con arreglos de wah-wah. La guitarra de Thom, suena muy sincera en este tema, siendo un perfecto acompañamiento para esa irónica melodía, todo un anti-himno al optimismo.
Cierra The Tourist, tema idóneo para ello, funcionando casi como coda. La melodía es más pobre, pero tiene un deje delirante que la hace majestuosa, especialmente en esos coros "Hey man slowdown, slowdown!". Sin duda el papel más importante aquí lo tiene Jonny realizando un par de solos para ensueño.

Quizá algún día la deshumanización sea total. Mientras tanto, ¡disfrutemos de Ok Computer!

Ragged Glory - Neil Young & Crazy Horse(1990)

2011-04-09T18:05:00.001+02:00

Artista: Neil Young & Crazy Horse
Publicación: 1990
Discográfica: Reprise
Calificación: 10

Mejor canción: F*!#in Up/2º puesto: imposible.
Canciones: 1.Country Home/2.White Line/F*!#in Up/4.Over And Over/5.Love To Burn/ 6.Farmer John/7.Mansion on the Hill/ 8. Days I Used To Be/9.Love And Only Love/10. Mother Earth (Natural Anthem).

En la imposible tarea de escoger un mejor disco de Neil Young, hablaré hoy del que más puntos tiene para ello.
A lo largo de toda su carrera (que no es corta), Neil fue probando nuevos sonidos sin olvidar nunca sus raíces country, siendo él una gran influencia para los grupos grunge, especialmente para Pearl Jam, los cuales estuvieron muy vinculados al maestro en la década de los noventa, llegando Young a hacer un álbum con la colaboración de PJ, Mirror Ball, que os recomiendo a todos los fans de la música de los noventa. Pero fue especialmente este Ragged Glory el impulso que necesitó todo es movimiento.
No se preocupen, Ragged Glory no es un álbum emo ni mucho menos, si hay algo que tiene Neil Young es humor. Tampoco es un álbum grunge, amigos, solo una gran influencia. RG es la obra más visceral de toda su carrera, en todas la guitarra suena saturada y son pocas las que no terminan con feedbacks o acoples, canciones de 10 minutos en las que medio tema es un solo de guitarra imposible. Pero Neil lo tenía todo controlado, y no por dar cuatro guitarrazos se iba a olvidar de componer aquellas melodías que tanto le caracterizaban en álbumes como Rust Never Sleeps, Everybody Knows this is Nowhere o Zuma, aunque con la voz mucho más quebrada y dañada, no flojea en el carácter compositivo.
En mi opinión, tampoco hubiera sido nada sin el apoyo de Crazy Horse, la banda que le acompaña en prácticamente toda su discografía, que si bien en Everybody Knows This Is Nowhere o American Stars n Bars servían de gran ayuda, aquí son imprescindibles.
Hard rock, garage, canciones de jam...todo lo que hizo pero pasado de vueltas.

Abre el fantástico Country Home, un tema country pero con una guitarra solista por parte del maestro que te toca lo más hondo. La pegajosa melodía se sucede veces y veces sobre ese maravilloso y fresco fondo guitarrero, que por momentos dejan que el foco gire hacia Neil que en ningún momento para de hacer impresionantes licks y punteos cargando la canción de virtuosismo pero sin olvidar su aire campestre.
Sigue White Line, con el mismo aire que su tema predecesor, mas no tan alegre. Posee una base monótona pero que en ningún momento pierde su magia. Por desgracia se hace demasiado corta.
F*!#in Up es mi preferido, no solo del álbum, sino de toda su carrera. Tras un poco consistente riff, la canción vuelca en un verso con una melodía sublime, siempre terminada en ese coro "Why do I?", con un par de guitarras poderosas de fondo, entre ellas la de Frank Sampedro que coge mucha importancia en este tema, pues pide a voces potencia y furia, terminando con los músicos rabiosos asestando auténticos rabotazos con sus instrumentos. A menudo era versioneado por Pearl Jam en directo.
Continua Over And Over, que revive la vena country y alegre que predominaba en Country Home, pero alargándola hasta los 8 minutos. La melodía inicial de guitarra es especialmente pegadiza, que pocos instantes después se convertiría en un solo basado en ella. El verso literalmente berreado por Neil desemboca en un maravilloso coro, con todos cantando "Ooover and over again, my love".
Love to Burn llega a los 10 minutos de puro jam. La canción es entretenida en todo momento, el estribillo es el acabose: "You got love to burn, you better take a chance on love". Las secciones de pura guitarra son tan impresionantes como se espera, toda técnica esta aquí resumida, efectos inexplicables y en todo momento empapado del sentimiento que Young le pone a todo.
Sigue el gracioso Farmer John, cover de un tema blues clásico. Es bastante simple, las guitarras suenan secas dejando a la corta voz de Young sola ante el peligro, de vez en cuando se oyen unos "wooooh" garantizando el buen humor.
Mansion On The Hill me gusta aunque se hace enana ante los demás temas del álbum. La instrumentación está totalmente equilibrada aquí sin sobredosis de guitarras pero con solos garantizados. A menudo la canción es llamada a ser psicodélica debido a las voces que se oyen de fondo...
Days That Used To Be, es Dylan electrificado, sin más, incluso Young llegó a confesar que la melodía está basada en My Back Pages. Poco más que decir, es preciosa.
Sigue Love And Only Love, que parece ser una segunda parte de Love To Burn, sigue una estructura parecida, 10 minutos de tema, verso oscuro y misterioso, coros que solo se definen como pura pasión e improvisación con multitud de técnicas. Toda una oda al amor, con frases como "Love was winner there, overcoming hate" o "Love and only love will break it down".
Cierra Mother Earth (Natural Anthem), un himno ecologista, con una guitarra saturada hasta la saciedad como único acompañamiento, ni batería, ni bajo. La melodía tiene un deje de melancolía, de cuando la naturaleza no era dañada por el hombre...

Recomendado para todos los fanes de los grandes guitarristas, de la experimentación, del rock duro...recomendado para cualquiera que le guste la música.
Y para otras acepciones...

Led Zeppelin II - Led Zeppelin (1969)

2011-04-01T22:33:00.000+02:00

Artista: Led Zeppelin
Publicación: 1969
Discográfica: Atlantic
Calificación:10

Mejor canción: Heartbreaker o Whole Lotta Love
Canciones: 1.Whole Lotta Love/2.What Is And What Should Never Be/ 3.The Lemon Song/ 4.Thank You/ 5.Heartbreaker/ 6.Livin' Lovin' Maid (She's Just a Woman)/ 7.Ramble On/ 8.Moby DIck/ 9.Bring It On Home/

Estamos ante la obra maestra de los Zep. ¿Por qué?
En el debut nos encontrábamos ante unos Led Zeppelin que intentaban rockear pero que a la vez estaban levemente influidos por el flower power de aquel entonces, haciéndolo más pomposo de lo necesario y eso los alejaba de lo que ellos son: una banda de hard rock, cruda, feroz, llena de rabia y blues. Sus experimentos"místicos" son otro historia.
Page y sus compañeros crean aquí un álbum en torno a una ruda base de blues, no hay más que oír por ejemplo The Lemon Song. Esto llevó a que mucha gente considerase que algunas de sus canciones fueran plagios de algunos de los mayores clásicos del blues, a mi por una me entra y por otra me sale esa acusación.
LZ II nos muestra a unos Led Zep sinceros, haciendo lo que mejor se les daba: rockear, asesinar a sangre fría con solos electrizantes y riffs no aptos para abuelitas. Nunca le dieron tan fuerte al mazo como aquí, parecen soltar toda su saña en estas 9 canciones; 9 temazos impresionantes donde Zeppelin están más sueltos que nunca, y lo mejor: saben y les gusta lo que hacen; no hay más que ver la voz de Plant, que anteriormente estaba metida a calzador, por fin encaja. Es una opinión muy subjetiva, pero a mi no me gusta como canta Robert en algunos de los temas del debut, pero para gustos colores, al mismo Plant le defraudaba lo que estaba haciendo y estuvo a punto de irse...¿cómo habría sido LZ sin Robert?
También, como dije en mi anterior post, encontramos en Led Zeppelin II los primeros indicios de heavy metal, ya en canciones anteriores a la fecha como You Really Got Me o Helter Skelter el rock probaba nuevos sonidos, pero este álbum esta lleno de detalles que valdrían para que muy poco después Black Sabbath hiciera un álbum heavy en su totalidad.
Sin más rollos vamos al tema:

Abre Whole Lotta Love y...SU RIFF, uno de los más sencillos jamás hechos explotado hasta la saciedad y sin resultar cansino en ningún momento, uno de los riffs de cabecera para cualquier guitarrista. Pero no solo de él vive el tema, tras el incesante ritmo de la canción, de repente da un parón inesperado donde Robert empieza a gemir con siniestros guitarrazos de fondo, hasta que aparece Jimmy de nuevo con un solo ultra veloz y burlón para retomar la fuerza del tema. ¿En serio qué no lo has escuchado?¿EN SERIO?
Sigue What Is And What Should Never Be, una balada simple y que poco parece decir, pero en el momento menos esperado Page nos sorprende con una violenta guitarra dejando a cualquier beatle escondido en un rincón, como lo oyen. Más allá de los cambios de ritmo, se esconde una buena melodía excelentemente cantada.
The Lemon Song es también de mis preferidos. El riff inicial es de lo más sucio y callejero que he escuchado jamás, pero vamos al grano: lo que hace aquí John Paul Jones no es normal, amigos, pocas lineas de bajo hay así, más luego todos los jams al final. Otro que se sale en este tema es Plant, aquí demuestra que el también podía ser un buen bluesman, no sobreexplota su voz pero la lleva al limite.
Thank You suena más forzada, aunque está bien como intento. Demasiada miel y mucho arreglo que a poco lleva, mas es interesante por momentos.
Sigue la gran Heartbreaker. De nuevo estamos ante otro gran riff, en este caso más melódico. El verso lleva un ritmo trepidante con un bajo sencillamente ardiente sobre el que Robert dice "Hey Fellas have you read the news?". La guitarra se bate en un duelo con JPJ durante todo el tema y al final acaban totalmente revolucionados, dándolo todo. Sin hablar del alucinante solo del final, en el que todos los miembros de la banda se rinden ante él dejándolo solo ante el peligro.
Living Loving Maid (She's Just a Woman) tiene un deje rocknrollero y country por momentos, es mucho más rápido. La melodía es super pegadiza, siempre terminada con ese guitarrazo que sencillamente te revienta la cabeza. Un caramelo pues es la más corta del álbum.
Ramble On es un total experimento por parte de los Zep, en primer lugar una sección semi-folk, con una guitarra acústica que me pone de los nervios y una parte vocal que no suena sincera, pero todo eso se va a la papelera cuando aparece el verdadero Page dando a todos una patada en el trasero con su guitarra, lo que a Plant le lleva a las de gritar el estribillo con todas sus fuerzas dando la vuelta a la canción pero por desgracia el tema no se mantiene así a lo largo de su duración si no que vuelve a sus tramos lentos con arreglos un tanto ridículos. Sin ser mala es lo más flojo del álbum.
Moby Dick es un tema instrumental con su muy buen riff al inicio, pero rápidamente el foco gira hasta dar con Bonham ahí atrás escondido. Es de las pocas canciones que ruedan alrededor de un solo de batería que me gusten, pues no es un solo virtuoso sino una demostración de que se puede aporrear la batería sin aburrir.
Cierra el excelente Bring It on Home, uno de los mejores covers de blues que haya escuchado. Durante el primer minuto el tema es un curioso experimento blues, tranquilo hasta que explota con un tremendo riff (de nuevo) de guitarra, la cual en este tema no para, NO PARA, virguerías en todo momento, sobresaliendo por encima de los otros músicos entonces presentes. Maravilloso cierre.
En mi opinión el mejor disco de LZ, el más rockero y el más sincero, sin desmerecer todo lo que hicieron posteriormente, por supuesto.

Mis 7 Discos Preferidos

2011-03-20T11:39:00.001+01:00

Pues llevaba tiempo queriendo hacer esta lista, pero si supieran lo difícil que es poner mis discos preferidos en orden, es un tema que me parte la cabeza, dilemas como "¿qué disco me gusta más?" me hicieron alargar la fecha de este post y hacerlo solo de 7, los que me salieron, prometo que cuando me haya organizado subiré una la lista con 10. Pero para ahora esta bien, como veis son 7 clásicos obvios, pero es Mi lista, así que ahí les va:

1.A Night At The Opera - Queen (1975). Sin duda alguna, el mejor disco de toda la carrera de la Reina del rock, y en mi humilde opinión el mejor de todos los tiempos. Un disco con una producción excelente, cabe decir que para su grabación cada miembro del grupo tenía un estudio para el solo y así poder trabajar libremente en sus canciones sin nadie "molestando". Uno de los discos más ambiciosos que jamas se hayan visto, no era poco lo que los músicos se exigían así mismos, no quisieron hacer un álbum tan pomposo como en Queen II, pero no tan..."simple" como en el debut, los arreglos se cuentan por cientos en este álbum. Por fin forman un disco coherente, sin rellenos, mezclando todo lo que habían trabajado anteriormente, rockers, suites, glam y ante todo la fusión con opera (no confundir con opera rock, son cosas diferentes). Es notoria la influencia glam del álbum de gente como Bolan o Bowie, pero ellos hicieron un álbum propio y con carnet de identidad.

2.Animals - Pink Floyd (1977). La obra cumbre del rock progresivo, no es tan extraña, compleja y virtuosa como pueden ser ELP, sencillamente es creativo, los miembros del grupo no querían notas a punta pala, querían ser innovadores. Curiosamente este álbum decepcionó al público en su día, no se que le encontrarían, quizá que era más oscuro que sus dos álbumes anteriores, quién sabe. Al igual que en The Dark Side Of The Moon, se trata de un disco conceptual, la Rebelión en la Granja se hace música, y honrosamente. Cada detalle esta perfectamente musicalizado, la soberbia de los cerdos, la arrogancia de los perros y la sublevación de las ovejas. Aquí Roger Waters cogería el timón de la banda, y en The Wall no lo soltaría...

3.The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spider From Mars - David Bowie (1972). Si no consideráramos al ANATO de Queen como un disco glam, este sería la obra cumbre de dicho género. Lo que hace tan grande a este disco es el como se mete Bowie en el papel de Ziggy Stardust, un extraterrestre que llega a salvar la Tierra y para ello se convierte en rockero, cayendo en toda tentación y como era de esperar termina suicidándose, el caso es que David clava el personaje en todo momento, y no solo eso, retrata toda la historia en 11 maravillosas canciones, en la que podemos encontrar de todo: desde preciosas baladas como Lady Stardust hasta fuertes rockers como Suffragette City, ¿en serio que quieren más?

4.Beggars Banquet - The Rolling Stones (1968). Los Stones también sabían coger la guitarra acústica y deleitarnos con números country, delta-blues o folk. El disco es adictivo, en cuanto entiendes su dinámica no lo puedes soltar, parece que lo hicieron a mala idea para engancharte a él. El último disco que grabó Brian Jones, y en el cual aportó unos slides memorables, no hay más que escuchar Jigsaw Puzzle. Además pocos álbumes pueden presumir de abrir con un temazo como es Sympathy For The Devil, idóneo para comenzar una juerga a manos de sus Satánicas Majestades.

5.Axis: Bold As Love - The Jimi Hendrix Exprience (1967). Conserva el toque psicodélico del Are You Experienced?, pero AYE? era bastante rockero, la guitarra de Hendrix parecía una auténtica ametralladora, mas en Axis la guitarra suena más limpia y sincera, las melodías no son tan forzadas por momentos. Parece un disco mucho más trabajado, de esos que lleva sus años producirlo, pero fue lanzado el mismo año que su predecesor. Va en gustos a mi me gusta más que sus otras dos obras, su único defecto es que no es recomendable para escuchar 5 veces seguidas, hay que llevarlo con paciencia.

6.Thick As A Brick - Jethro Tull (1972). Nunca Jethro Tull fueron tan innovadores, ni en sus discos más rockeros ni en el experimento que sería A Passion Play, pues aquí hacen un disco totalmente suyo, todos los robustos temas de Aqualung, con ciertos toques folky y algo de psicodelia se mezclan esta auténtica obra maestra. Una suite de 40 minutos dividida en dos partes, la mejor que jamás haya oído; partes divertidas y agradables, secciones guitarreras con fuertes riffs, pasajes con un teclado descontrolado...Toda la esencia del rock progresivo esta aquí, escúchalo!

7.Led Zeppelin II - Led Zeppelin (1969). El primer disco de heavy metal de la historia, por supuesto no es metal como el de hoy, eran los inicios, sabían darle a la maquina pero les faltaba un empujón. Aun así este disco es capaz de tirar catedrales abajo solo con el riff de Whole Lotta Love o Heartbreaker, todo ello con una innegable base de blues. El bajo de JPJ está en su mejor momento aquí y también la voz de Plant, no tan incomoda como en el debut ni tan insoportable como haría posteriormente.

Disfruten!

The Brew, Sala Nuncajamás (11/03/11)

2011-03-13T16:43:00.000+01:00

¡Por fin!
¡Las ganas que yo tenía por ver a esta banda en directo! En cuanto me entere de que se iban a pasar por aquí, me quedo claro que iba a ir. Y por supuesto no me arrepiento, ¡conciertazo el que nos dejaron!
Para los que no los conozcan, The Brew son una banda inglesa, con influencias del rock de los setenta, tales como Led Zeppelin o The Who. La formación es curiosa: al bajo Tim Smith, padre de Kurtis Smith, batería y a la guitarra el joven Jason Barwick, y no me corto un pelo si digo que es uno de los mejores guitarristas de la actualidad. Si Stevie Ray Vaughan fue el nuevo Hendrix, Jason es el nuevo Stevie, no hay duda.
La sala Nuncajamás estaba petada, y la gente ansiaba ver al trío inglés, en especial a la promesa de la guitarra. No defraudaron, aparecieron bastante puntuales sobre el escenario y comenzaron con el trallazo que es Every Gig Has A Neighbour. Jason no paró de dar saltos y botes en toda la velada, cuiroso, pues el escenario no era precisamente grande, pero aprovechó hasta el más mínimo hueco. Tocaron de por medio Wrong Tunes y Surrender It All bastante airosos, pero el público enloqueció cuando Tim anunció Little Wing, de Hendrix, donde Barwick se lució hasta el alma, con cincuenta florituras, solos con la guitarra a la espalda, slides con el soporte del micro...Parecía irle la vida en ametrallar a la gente con ráfagas de notas. Change In The Air también estuvo en el recital, y la famosa KAM, con una emotiva presentación de dicho tema. Como no, tampoco faltó el solo de Jason con el arco de violín al más puro estilo Page, ni el de batería a manos (nunca mejor dicho) de Kurtis, aporreo las cajas con todas sus fuerzas hasta que se cansó de las baquetas y le dio con las manos. No me cansaré de decirlo, yo ahí veía a Keith Moon, tanto en técnica como en feeling y humor. El bajista, Tim, padre de la banda, parecía disfrutar como el que más ante semejante espectáculo.
Acto seguido vinieron los bises con A Million Dead Stars y todo el público cantándola: "Million dead staaaaaaaars, DEAD STARS!!!" y tras esto una alucinante versión de Voodoo Child (Slight Return), en el que llegó un momento en el que te perdías ante tanto virtuosismo y dominio del wah-wah de Jason. Cerraron la velada con Dazed & Confused de los Zep excelente tema para terminar.
Los tíos estuvieron de buen humor anteanoche, y no decepcionaron al público ovetense. Había tiempo que no disfrutaba tanto.

La banda se las trae, especialmente en directo, no son el futuro, sino el presente, así que no les pierdan la pista, merecen mucha más fama de la que tienen.
No tuve con que sacar fotos o vídeos, así que os dejo algún temazo para los que no los conozcáis:

Tattoo - Rory Gallagher (1973)

2011-02-27T17:46:00.001+01:00

Artista: Rory Gallagher
Publicación: 1973
Discográfica: Polydor
Calificación: 10

Mejor canción: A Million Miles Away/ 2º Puesto: Tattoo'd Lady
Canciones: 1.Tattoo'd Lady/2. Cradle Rock/3. 20:20 Vision/4.They Don't Make Them Like You Anymore/5.Livin' Like A Trucker/6.Sleep On A Clothes-Line/7.Who's That Coming?/8.A Million Miles Away/9.Admit It/
BONUS TRACKS: 10.Tucson Arizona/ 11.Just A Little Bit/

Melena ondeando al viento, campestre camisa de cuadros, voz empapada en alcohol y una guitarra soñadora...otros lo llaman Rory Gallagher, un honesto hombre, que dedicó su vida a la guitarra. Infravalorado hasta el hartazgo: ciertamente son pocos los que saben de su obra, pero los que lo conocen es mucho el aprecio que sienten por él.
Ha sido eclipsado por otros artistas de la talla de Eric Clapton o Stevie Ray Vaughan, quedando oculto entre las tinieblas a la espera de que algún melómano se dignara escucharlo.
Así que aquí estamos para dar a conocer su carrera, aunque veo que entre los bloggers tiene bastante fama.
¿Querían buen blues-rock?Aquí lo tienen, la desgastada Stratocaster de Rory parece tocar sola. En este disco, Tattoo, Gallagher se adentra en el mundo de los "roots" saliendo airoso en cada tema. rock agresivo en Cradle Rock, jazz rock acelerado en They Don't Make Them Like You Any More, baladas infinitas en A Million Miles Away, fuertes rock con acento blusero en Sleep On A Clothes-Line y Who's That Coming?, folk en 20:20 Vision, eléctricos jams en Just A Little Bit...busquen y escuchen, este disco es una hora de completo sentimiento repercutido en una guitarra...hablando de guitarra, si no saben lo que es tocar bien un instrumento escuchen el dominio que Rory muestra a lo largo de todo el álbum.
También quiero hacer hincapié en Lou Martin, teclista en este disco y en Gerry McAvoy, un bajista no muy virtuoso pero que tocaba muy bien, o por lo menos Rory le daba su papelito en cada canción. El batería Rod de'Ath, también hizo un buen trabajo, aunque por momentos sus baqueteos me pongan de los nervios (Cradle Rock).
Personalmente este es su mejor disco (de estudio). Que lo escuche todo aquel que piense que los "guitar heroes" solo tocan bien en directo.

Abre con Tattoo'd Lady, su tema más famoso. Esta canción me encandiló desde el primer momento, y fue la que me hizo comprar este disco, arriesgándome a que el resto fuera bazofia, pero hubo suerte. La melodía inicial es sin duda alguna la mejor del disco y posiblemente de la carrera del irlandés, "Tattoo'd lady, bearded baby, they're my family", que sorprendente torna a un estribillo que parece otra canción. La canción termina con un solo espectacular, de mis preferidos.
Sigue el abrasante rocker Cradle Rock. El riff es asesino; te tira al suelo y te destroza el esqueleto, hueso a hueso. Y el resto de la canción sigue la misma linea, con el ritmo por las nubes, Rory vociferando y Lou haciendo cabriolas con su órgano. Una bofetada con toda la furia posible.
20:20 Vision es más discreto, un tema folky, lento y con Gallagher pasándoselo bien mientras toca. La melodía es buena, un tanto tímida, a juego con el pianito de fondo.
They Don't Make Them Like You Anymore es un paso hacia un jazz forzado y acelerado. La guitarra repite un lick a lo largo de la canción que resulta familiar. El tema muestra a un Rory despiadado, tanto en la voz como en la guitarra, que aquí hace del tema una joya, aunque cuando lo da todo es en la parte de "Where would I go? What would I do if you should run from me?"
Sigue Livin' Like A Trucker, bastante diferente al resto del disco. El foco gira hacia la guitarra cargada de wah-wah, ejerciendo de instrumento rítmico hasta que un breve pero intenso solo desvela a Rory en estado puro.
Sleep On A Clothes-Line hace mover el cuerpo con ese clandestino riff que hiela la sangre, pero la música no se relaja, y Rory nos deleita con maravillosos pasajes siempre con la guitarra ardiendo, dispuesta a matar.
Sigue uno de los picos cumbres: Who's That Coming?Para el intro se van sumando poco a poco guitarras hasta que la acústica del principio queda obsoleta y Gallagher empieza a meter caña con es pegadiza melodía "Tell me who's that coming, not walking, but running"con slides, armónicas y wah-wahs de fondo consolidando una estupenda base sobre la que el maestro realiza multitud de florituras e improvisaciones.
Llegamos a la cima en A Million Miles Away, la balada perfecta. La guitarra suena limpia, sincera, cargada de sentimiento hasta el alma, penetrando en uno hasta que no le queda la de cerrar los ojos. La melodía es triste y melancólica, y Rory la hace lo más sensible posible con su voz rota. Cada pasaje te transporta a otro lugar, pierdes el sentido cuando repentinamente dice "Why ask how I feel, well how does it look to you" con saxo y otros arreglos de metal para más inri. Cuando toda la banda parece agotada, se introducen en un apoteosis final, con todos los miembros a máxima potencia.
Cierra el disco original Admit It, que sabe a poco después de los otros números. El riff de bajo es consistente, y también lo son el piano y la oxidada guitarra de fondo, pero ya no es lo mismo de los otros temas.
Los dos bonus tracks están bastante bien, uno es Tucson, Arizona una balada country endulzada y solemne, que recuerda a los Eagles.
El otro es Just A Little Bit, un jam de 8 minutos escasos, que abre con la pegadiza melodía "I don't want it all, I just want a little bit", y tras ello se funde en largos solos todos excelentes por supuesto.
Pues este es un disco obligatorio para todo melómano, la guitarra vibra aquí como en pocos otros álbumes.
Saludos.

Beggars Banquet - The Rolling Stones (1968)

2011-02-05T16:56:00.000+01:00

Artista: The Rolling Stones
Publicación: 1968
Discográfica: Decca Records
Calificación: 10

Mejor canción: Sympathy For The Devil/ 2º Puesto: Stray Cat Blues o Jigsaw puzzle
Canciones: 1.Sympathy For The Devil/ 2.No Expectations/ 3. Dear Doctor/ 4.Parachute Woman/ 5.Jigsaw Puzzle/ 6.Street Fighting Man/7.Prodigal Son/ 8. Stray Cat Blues/ 9.Factory Girl/ 10. Salt Of The Earth/

Se que es saltarse gran parte de la discografía de la banda, pero no he podido resistir la tentación. ¿Quién no es capaz de resistirse a este álbum?
Para empezar, no crean que este álbum es un bestialidad de riffs y rock n roll en estado puro como pudo ser Sticky Fingers, este disco es salvaje pero a la vez delicado, ¿cómo puede ser eso? Pues fácil queridos lectores, el ambiente Rollinga y todo lo que este conlleva esta presente a lo largo de toda la obra, pero en este disco los Stones deciden rockear sin necesidad de mucha guitarra eléctrica. Blues, country, delta-blues...reminiscencias a gente como Robert Johnson o Leadbelly pero sin falta de empapar el álbum de covers. Su primera etapa queda aquí perfeccionada pero sin tanta electricidad. Interesante ¿no creen?
Cada escucha te atrapa más que la anterior y, lo que al principio parecía un disco chatarrero y mendigo se convierte en la perfección a manos de los Jagger/Richards. Estos, se han olvidado de la experimentación y de la psicodelia que Brian había aportado al grupo un año atrás.
Hablando del rey de Roma, Brian Jones parece pasar desapercibido aquí, poco más aporta que los slides y algún instrumento raro. La relación que Jones mantenía con los demás miembros iba a pique, pues les resultaba un estorbo, andaba bajo vigilancia de la policía por posesión de drogas, y sus giras ya no eran lo mismo. El que en un principio valía por miles paso a ser un cero a la izquierda.
Entretenido, adictivo, descarado...UN DISCO DE LOS STONES. Este disco es uno de los de cabecera para la propia banda, fíjense en la estructura de Beggars Banquet con respecto a Let It Bleed (pensaba que eran paranoias mías, pero el señor Federico me lo confirmó).
Seguramente sea mi preferido del grupo, solo Let It Bleed parece hacerle la competencia xD

Abre la GIGANTESCA Sympathy For The Devil, MI canción de los Stones, ninguna como esta. Congas y bongos dan inicio al álbum al que pronto se le suma un piano espectacular, que va acelerando él solo la canción. La melodía es perfecta "Please allow me to introduce myself, I'm a man of wealth and taste" mientras el bajo hace virguerías. Entre hooo-hooos Jagger va encabronando su voz, hasta que llega un momento en que solo le queda las de aullar, y justo ahí PUM aparece Keith con un solo electrizantemente sucio, que al final de tema se las juega con la voz de Mick, ya a grito pelado. No conoces el rock si nunca la has escuchado.
Sigue la linda balada country/blues No Expectations con la slide-guitar de Brian Jones armonizando el tema, el piano agrega belleza y el bajo profundidad, y la voz...como retrata lo que el tema simboliza (ya sabrán que uno de los temas mas comunes en el country son las vidas desgraciadas, dejadas al destino), todo ello en conjunto conforma una de las más lindas baladas de los Rolling.
Dear Doctor es uno de mis preferidos, sobre ese ritmo de vals, la banda parece pasar un rato estupendo, la melodía es pegadiza hasta la médula, Jagger y Richards cantan en dueto, aportando cada uno lo que su voz da. Esos armoniqueos sobre los que, hacia el 2:25, Mick parece berrar no bajan de maravillosos. "So help me, please doctor, I'm heavy"
Sigue Parachute Woman un blues sucio, descuidado y oscuro, que parece un adelanto de Midnight Rambler. La guitarra eléctrica haciendo la melodía de semejante manera: borrosa y difuminada.
Jigsaw Puzzle es otro de los puntos más altos. Linda, bella, suave al tacto y...a la escucha. Al inicio parece aburrida, pero poco a poco se van sumando y sumando instrumentos bajo esa perfecta y delicada melodía hasta que...lo que parecía un aburrido tema pop/folky se convierte en uno de los mejores. Las guitarras acústicas que llevan el ritmo parecen ir aumentando y aumentando, hasta llegar a la apoteosis, para la cual el bajo ya nos había deleitado con lineas y lineas redondas, que parecen girar sobre si mismas.
Sigue el archiconocidísimo Street Fighting Man, un tema que rockea y patea culos hasta la saciedad con unas guitarras acústicas distorsionadas, que producen el ambiente más sucio de la obra. La melodía es también muy sencilla pero preocupantemente pegajosa.
Sigue Prodigal Son un tema folk-blues con unos platillos chisporroteantes sobre los que Keith nos muestra sus habilidades sobre la guitarra acústica.
Stray Cat Blues es lo más parecido a lo que los Rolling harían posteriormente. Mick Jagger se muestra vacilón y pervertido, con la voz especialmente pasota. Los riffs y el más puro rock n roll aparecen aquí a manos de Keith, que suelta notas y notas con su guitarra taladrando las neuronas. Pero, paradójicamente, en el tema más Stone del álbum aparece de nuevo el infravalorado Nicky Hopkins con su piano, con su veloz piano.
Facotry Girl aporta poco más que una sensible mandolina, pues no es un tema que me atraiga mucho, parece un relleno, pero pasa desapercibido ante tanto monstruo.
Cierra Salt Of The Earth, con su bella melodía que, al aparecer Mick se suma un piano para hacer las funciones. Los slides de Brian Jones no son tan perfectos como en Jigsaw Puzzle pero cumple.Tema perfecto para acabar semejante álbum. Y excelente trabajo del coro femenino de L.A.
Gran álbum, aunque de nada te vale si aún no has escuchado nada de la banda. Te atrapa, te atrapa y no te suelta.
Saludos!

Truth - Jeff Beck (1968)

2011-01-29T17:20:00.000+01:00

Artista: Jeff Beck Group (aunque fue lanzado como disco de Jeff Beck)
Publicación: 1968
Discográfica: EMI Columbia/Epic
Calificación: 9.5

Mejor canción: Blues De Luxe/2º Puesto: I Ain't Superstitious
Canciones: 1. Shape Of Things/ 2. Let Me Love You/ 3. Morning Dew/ 4. You Shook Me/ 5. Ol' Man River/ 6. Greensleeves/7. Rock My Plimsoul/ 8. Beck's Bolero/ 9. Blues De Luxe/ 10. I Ain't Superstitious/

De los Yardbirds salieron tres de los mejores guitarristas conocidos: Eric Clapton, Jimmy Page y Jeff Beck. Tres iconos del blues rock, tres innovadores de la época. Pero hoy solo hablare de Jeff Beck.
Tras dejar los antes nombrados Yardbirds, formaría un grupo con una alineación épica. Rod Stewart ejercía de vocalista y Ron Wood le daba al bajo. Hoy día puede sonar chocante ver a estas tres personalidades juntas, pero cabe decir que por aquel entonces no los conocían ni en su casa. Nicky Hopkins se encargaba del piano, para el que no tenga idea de quien este señor, realizó un excelente trabajo en el Beggars Banquet de los Rolling Stones. Un tal Micky Waller tocaba la batería, excepto en dos temas, en los que le cedía el puesto a...¡KEITH MOON! También estuvo Jimmy Page durante esas sesiones, y dejo plasmada su guitarra de doce cuerdas en Beck's Bolero. ¿Quieren que siga? Pues bien, un joven John Paul Jones, que por aquel entonces se dedicaba a los arreglos en diversas bandas, no dejo pasar a Jeff Beck y toco en un par de temas el bajo y el hammond.
Cualquier purista del más clásico rock y del blues rock debería tenerlo entre sus filas, o por lo menos, haberlo escuchado en alguna ocasión.
Estamos ante una de las obras más perfectas hechas jamas en la historia del rock n' roll, y sin duda de los 5 o 10 mejores discos forjados en el blues.
Beck agrega oscuridad, tristeza y melancolía con su depurada técnica, la guitarra llora, ¿alguien lo niega? Simplemente sublime, y Stewart parece dejarse la piel en cada tema, igualando por momentos a los mejores bluesmans blancos, como Joe Cocker.
El más fuerte blues, con uno de los mayores guitar heroes apoyado por una de las mejores voces de blues blanco, con tintes de arena rock y principios del uso del pedal wah-wah, ¿qué más quieren?

Abre con Shape of Things, cover de un antiguo tema suyo con los Yardbirds, digan ustedes pero a mi me gusta más esta versión que la original, es otro tema distinto. Las lineas de bajo de Wood son el punto fuerte de la canción, la guitarra hace de las suyas soltando notas cuando lo ve oportuno, no dando tiempo a respirar a Rod y su fabulosa melodía: "Shape of things before my eyes".
Sigue un potente blues llamado Let Me Love You, dejando todo el protagonismo a Jeff, ametrallando con riffs mortales a los que Ronnie se acopla dando vuletas y vueltas a su bajo. Largos solos entre gemidos de Stewart, la esencia de la banda.
Morning Dew, una balada en la que Jeff comienza a usar el wah-wah, por momentos parece no adaptarse, pero el dominio que tiene sobre el pedal consigue meterlo en cualquier momento de la canción, escuchen esas ráfagas y ráfagas de notas en los pegadizos coros que sin darse cuenta caen al verso y la tranquilidad. Maravilloso.
You Shook Me tiene un gancho especial, aunque no tan buena como la versión de los Zepp, es mucho más glamurosa y arreglada. Beck y Stewart realizan la misma melodía a la vez mientras Nicky Hopkins hace vibrar el piano con estupendos arreglos, dejando casi en ridículo a Jeff (exagerando, claro esta).
Ol' Man River es serio candidato a tema más flojo del álbum. Keith Moon da su primera aparición en el álbum, aporreando un timbal, y aquí Beck decide tocar el bajo, con alguna buena linea, pero poco más, le falta carisma y echarle ganas.
Greensleeves es un tema instrumental, solamente una guitarra acústica, que suena a gloria, enseñándonos otro de los fuertes de Jeff.
Sigue Rock My Plimsoul, con un bastante buen riff, que nada es al lado del posterior solo, por desgracia la canción cae en el aburrimiento por exceso de minutos.
Beck's Bolero recoge la psicodelia que un año antes se había apoderado del mundo. Un ritmo trepidante de batería, a la que Page imita con su ampulosa guitarra mientras Jeff realiza una apasionante e hipnótica melodía guitarrera, y entonces un grito seco da paso a un espectacular riff rockero hasta atrás. Por desgracia la canción es demasiado previsible.
Blues De Luxe, puro sentimiento, por cada parte; ritmo lento, lento, lento con un largo vacío entre frase y frase, en el que el oyente echa a andar la imaginación, con esas teclas resonando, apartándote del mundo de los vivos mientras suenen..."I don't know too much about love, people" nos cuenta Stewart, dando por sentado que es una de las mejores voces que jamas se hayan visto en el "white-blues". Finalmente Jeff decide saltar a escena y decir "Ahí estoy yo". Vuelvo a decir, ¿de veras quieren más?
Cierra otro cover, I Ain't Superstitious, seguramente no sea tan buena como la de Howlin' Wolf, pero le roza los talones. Riff rompecabezas que da paso a la pegadiza melodía, y esos cambios de ritmo en los que Jeff nos muestra de nuevo como se hace hablar a una guitarra. Sin duda el mejor blues (a parte de Blues De Luxe) del álbum.
Es díficil ser un amante del género y no haber oído el disco, en ese caso; no pierdan el tiempo y consíganlo como sea. Hoy día esto es una superbanda, con algunos de los músicos más virtuosos del rock.
Cordiales saludos.

This Was - Jethro Tull(1968)

2011-01-22T16:10:00.000+01:00

Artista: Jethro Tull
Publicación: 1968
Discográfica: Chrysalis Records
Calificación: 7.5

Mejor Canción: A Song For Jeffrey/ 2º Puesto: Beggar's Farm o It's Breaking Me Up.
Canciones: 1.My Sunday Feeling/ 2. Some Day The Sun Won't Shine For You/ 3.Beggar's Farm/ 4.Move On Alone/ 5.Serenade To A Cuckoo/ 6.Dharma For One/ 7.It's Breaking Me Up/ 8.Cat's Squirrel/ 9. A Song For Jeffrey/ 10. Round/

Perdonen mi tardanza durante estos días, pero entre que estoy falto de inspiración y que el ordenador anda tonto, ya son casi tres semanas sin subir nada.
Hoy les presento un olvidado álbum que se hace llamar This Was. Se trata de un semi-rutinario disco de blues de la época. No es tan aburrido y monótono por dos razones.
En primer lugar está él cuidado que Mick Abrahams (Ovación) pone en su guitarra. Es un placer escuchar cada sección que Mick realiza en este disco, véase It's Breaking Me Up o Some Day The Sun Won't Shine For You.
La segunda razón por la que este debut se salva es la creatividad que Ian Anderson arrastraba ya desde el primer día (y eso que en la encuesta solo obtuvo 4 votos). Era original hasta para el más genérico blues; metía su mítica flauta en cualquier tema y encajaba a la perfección. Cada armoniqueo del disco es una delicia, y ya resaltaba su vena rockera y progresiva (Beggar's Farm)
Pero el álbum no se iba a llevar un 7.5 así como así. Como principal error veo los temas instrumentales, los cuales alargaban demasiado y resultaban muy pesadas. Peor lo ponemos conociendo la situación, 4 de los 10 temas del álbum son instrumentales, de los cuales uno es fabuloso (Serenade To A Cucko), otro demencial (Dharma For One), otro aburrido (Cat's Squirrel) y otro que no da para nada (Round).
Por suerte Anderson supo compensar la otra parte del disco, la cual sale airosa de la prueba.
Pues lo dicho el blues más limpio e interno que Jethro Tull hizo nunca anda por estas fechas.
Para los que nunca hayan escuchado a los Tull, no les recomiendo empezar por aquí; en todo caso por Stand Up, Aqualung o Too Old Too Rock N' Roll: Too Young o Die!, y tras estas obras escuchar el magnus opus: Thick As A Brick.

Abre My Sunday Feeling, un hard rock con un magnífico riff guitarra/flauta. La canción tiene ritmo y actitud, pero le falta agresividad a Anderson en la voz, tranquilos, Aqualung no tardaría mucho en llegar.
Sigue uno de mis preferidos: Some Day The Sun Won't Shine For You un estupendo blues en el que la guitarra y la armónica suenan paralelos, mientras la voz de Ian (doblada) suena convincente y portadora de emoción.
Beggar's Farm es un adelanto de lo que años adelante llegaría. Rock Progresivo discreto, dando mucha importancia a los arpegios de Mick que se acoplan al perfecto riff de flauta a manos de Anderson. Suena aburrido por el verso pero quien no se viene arriba (en lo musicalmente hablando) cuando Ian dice "You Don't Fool Me" o en ese cañero final. Fantástico tema para iniciarse con Jethro.
La siguiente es un music-hall llamado Move On Alone, nostálgico pero optimista. La melodía es sublime, y nada menos es la fabulosa sección de viento que acompaña.
Sigue el más aclamado tema del álbum: Serenade To A Cuckoo, donde Ian demuestra otra vez que es el mejor flautista del rock, escuchen cuanto sentimiento lleva cada nota de esta canción. Y no podía pasar sin dar un aplauso al trabajo que Mick hace en este tema, desde los más simples acordes el perfecto solo.
Todo se viene abajo con Dharma For One, lo siento pero no soporto los solos de batería, y menos un tema exclusivo para ello.
Revivimos con It's Breaking Me Up y el mejor riff del disco, puntiagudo y blusero hasta el alma, y ¡fijense como la armónica lo imita! Y para alcanzar la perfección tenemos la impresionante performance de Ian Anderson a la voz.
Cat's Squirrel se hace demasiado larga, salva la calidad del solo.
El mejor tema para mi es A Song For Jeffrey, la cual empieza con lentamente con la flauta y el bajo, sonando progresivos, pero enseguida se anima la cosa con la armónica luciéndose y unos slides de guitarra esplendidos, dando ese ambiente blues country que reina en este álbum. La melodía es muy pegadiza, y le da un toque negro distorsionando la voz, aunque aquí Anderson cante muy de nariz.
Cierra el efímero Round que, como ya antes dije; no da para nada.
Buen debut, aunque no es más que un momento por el que Anderson quiso pasar, como hizo a lo largo de su carrera.
Les dejo el mítico vídeo de A Song For Jeffrey en el Rock n' Roll Circus con Tommy Iommy a la guitarra.
Disfrútenlo
Mis saludos.

Broken Boy Soldiers - The Raconteurs (2006)

2011-01-03T17:28:00.002+01:00

Artista: The Raconteurs
Publicación: 2006
Discográfica: Third Man Records
Calificación: 10

Mejor canción: Level/ 2º Puesto: Together...o incluso Blue Veins
Canciones: 1. Steady As She Goes/ 2. Hands/ 3. Broken Boy Soldier/4. Intimate Secretary/ 5. Together/ 6. Level/ 7. Store Bought Bones/ 8. Yellow Sun/ 9. Call it a Day/ 10. Blue Veins/

NOTA: Querido lector o lectora de Camino Al Rock, los que ya hayáis leído la entrada os habreis fijado de que la nota del disco era un 9+ y ahora es un 10. ¿Razones? Simplemente el escucharlo un día más me ha hecho darme cuenta de que una sola canción no puede hacer del álbum bazofia. Perdón por las molestias (lo dicho, parece que lleve toda la vida en esto XD)

Jack White es una de las mas importantes personalidades musicales del milenio, estamos ante un genio a la altura de los grandes del siglo pasado, nada les tiene que envidiar, y si además recordamos a todos esos grupos dosmileros tipo Linkin' Park, la genialidad de Jack aumenta, demostrándonos que es uno de los 5 mejores músicos de la actualidad.
Pero ¿que pasaría si a él le sumamos a alguien como Brendan Benson? Conseguiríamos una de las más curiosas y efectivas mezclas de la música contemporánea, o dicho de otra forma: The Raconteurs.
Benson y White tienen estilos un tanto diferentes, Brendan va a tonos más clásicos, a los orígenes, mientras que Jack tiende al rock más crudo y duro, y es la diversidad musical de sus miembros la que crea un sonido único e inconfundible; esa mezcla entre blues, flok, rock duro y por momentos progresivo, pero siempre con melodías dignas de un grupo pop. Es la armonía contra la experimentación, la sencillez contra lo complejo,la luz contra la oscuridad...
Escucharlo es toda una experiencia, al principio uno no sabe donde se ha metido ni lo que ocurre, la cabeza te da vueltas y no comprendes NADA, la falta de coherencia entre los temas; unos raruños y otros de lo más poppy...mas con el tiempo se vuelve adictivo incluso sus canciones más extrañas (Broken Boy Soldier).
Jack White vuelve a demostrar todo su potencial en esta banda, replicando que él no suele fallar. La gran capacidad de Brendan Benson consigue equilibrar el álbum, pero sin hacerlo regular; más bien sería lúdico por decirlo de alguna manera, hasta sus puntos más flojos tienen un algo que les hace no caer en la aberración y ser un tanto entretenidos.
Para los amantes de White Stripes: la cosa ha cambiado mucho y posiblemente no os guste si lo que buscáis es una banda sencilla e instantánea.

Abre con Steady As She Goes, el tema más exitoso del álbum. El bajo de Jack Lawrence lleva la batuta con un riff excelente sobre el que las guitarras rasguean acordes simplistas, pero suficientes para acompañar. La melodía, especialmente la del estribillo, es muy pegadiza, mientras la del verso parece dar vueltas sobre si misma.
Sigue Hands una canción mucho más rockera, con Jack y Brenda dándole fuerte a las cuerdas en un gran riff que se desvanece para dejar paso al verso en el que la parte vocal arruina el tema, digamos que es una voz "sin sustancia".
Continuamos con Broken Boy Soldier, el tema más raro, experimental y oscuro del álbum. La batería consigue un sonido chatarrero, mientras la guitarra practica deslizantes agudos que pasan desapercibidos detrás de una linea de sintetizador continua y suspendida en el tostado y ensangrentado ambiente culminado por la desgarradora y distorsionada voz de Jack.
Intimate Secretary es mucho más flojo que los tres anteriores, básicamente porque es un desorden, distintas secciones con melodías muy vagas que intentan protegerse de un medianamente buen riff...
Together realza la vista, con dulces ganchos melódicos de la mano de Brendan, que canta tranquilo como si problemas no hubiera en el mundo, todo ello sobre una base bien cimentada por discretas guitarras acústicas, profundos bajo y un hipnótico órgano.
Level es incluso mejor, aún siendo una extraña canción. Tras su fantasmal intro desemboca en una parte más "seria", con mucha más caña y guitarrazos dignos de los Sabbath, pausados pero contundentes, como tiene que ser! En el último verso White funciona de lorito de repetición (para bien) de Brendan actuando de eco.
Store Bought Bones es un tema cañero aunque más flojo que el anterior. El riff y dominio del tema lo lleva un eclesiástico órgano, con Patrick Keeler haciendo sonar los platillos y Lawrence remarcando su bajo.
Le sigue Yellow Sun con la batería saliéndose del papel y un duelo entre acústica y teclado a ver cual sale más airoso.
Call It a Day es otro tema acústico muy lindo, que no sería nada sin esa enganchadiza melodía culminada siempre en coros con guitarros eléctricos.
Cierra Blue Veins un umbrío blues, lleno de feeling por parte de Jack White, tanto en la voz como en las seis cuerdas, dejando a Benson un papel secundario. Transmite tantas cosas...está a la altura de Together y de Level, y lo encuentro infravalorado.

Unplugged - Eric Clapton (1992)

2010-12-27T21:49:00.000+01:00

Artista - Eric Clapton
Publicación - 1992
Discográfica - Reprise Records
Calificación: 9-

Momento cumbre: Nobody Knows You When You're Down and Out/ 2º Puesto: Rollin' and Tamblin'
Canciones: 1. Signe/ 2. Before You Accuse Me/ 3. Hey Hey/4. Tear In Heaven/5. Lonely Stranger/ 6. Nobody Knows You When You're Down And Out/ 7. Layla/ 8. Running On Faith/ 9. Walkin' Blues/ 10. Alberta/ 11. San Francisco Bay Blues/ 12. Malted Milk/ 13. Old Love/ 14. Rollin' and Tumblin'/

Sé que hay mucha gente por el mundo que tiene ciertos perjuicios en contra de Clapton, y esta vez les daré la razón. Lo que piensan es lo siguiente; Eric vive del cuento. Ahí queda dicho. Recuerden cuando este señor era un rey de la música, piensen en Cream, en John Mayal, en los Dominos e incluso en sus setentas en solitario, era impresionante, y a la gente le encantaba, recuerden Clapton Is God, pero entonces pensó: "funciono, tengo fama e incluso soy bueno, voy a seguir publicando y me saco unas pelas". Así fue como acabo Mr. Mano-lenta. Siguió sacando discos al mercado pero componía a toda prisa, y si se le acababa la imaginación se iba a los covers, y así luego hacía lo que hacía (cof cof Pilgrim cof cof), aunque cuando el quería sacaba álbumes excelentes, escuchen From The Cradle, de los mejores trabajos para guitarra que escuchado nunca. Digamos que le pasó lo mismo que a Santana.
Pues bien, siguiendo esa formula llegó al '92 y se fue a la MTV y grabó un disco Unplugged, ya saben; acústico. Y realmente fue bueno, tan bueno que lo llevó a ganar premios Grammy, aunque todo sea dicho, ¿ustedes creen que esos supuestos "críticos" se fijaron en más canciones que Tears In Heaven? Jojo, esos si que viven del cuento. Y para colmo, tras este trabajo saco el impresionante From The Cradle, parecía que había resucitado, pero tras esto, se desplomó en la nada con el absurdo Pilgrim...
Ya saben el aprecio que tengo hacia este señor, especialmente a su forma de tocar, y es que el se deja la piel en el mástil sin apenas enterarse de lo que está haciendo, es como si las notas le salieran del alma, no como Satriani o Vai.
A lo que vamos, el Unplugged es un álbum mítico hoy en día, y aunque este muy sobrevalorado, no dejará de ser una joya, y no me falta confianza para decir que es el mejor concierto acústico de la historia (por lo menos de la MTV). Todo el directo sigue la misma linea, mucho blues, la mayoría covers de canciones de dicho estilo, que se han convertido en clásicos, como Rollin' And Tumblin', además de algunos de sus temas más conocidos, por ejemplo Layla, y el famosísimo Tears In Heaven que presentó por primera vez aquel día, y que dejó al público conmocionado.
Ciertamente es un gran guitarrista dentro del ambiente acústico, sabe como hacerla sonar.

Abre con Signe, un tema instrumental con una buena melodía de guitarra, y una perfecta coordinación entre Clapton y el acompañante.
Sigue Before You Accuse, me que me gusta mucho más esta versión que la del disco Journeyman. Un blues muy marcado y con mucho ritmo, sin batería, dejando a los guitarros toda la magia.
Hey Hey, es un tema para lucirse con las seis cuerdas, ya que parte vocal no tiene mucha " Hey hey, hey hey baby hey".
La siguiente es Tears In Heaven. La dulce balada que causó empatía hacia Eric y la muerte de su hijo, la canción es un clásico en sus conciertos, nunca falta. Es lenta, con unos bongos acompañando a la triste voz de Clapton, que produce un fuerte pesar en la parte de " I must be strong, and carry on". También mete un órgano para darle ambiente, y le queda que ni pintado.
Lonely Stranger es otro tema pausado, con ciertas raíces negras. El piano que ayuda es simplemente bello, como el tema.
Nobody Knows You When You're Down And Out, es mi preferido del álbum. Es un blues de Jimmy Cox, con un cierto toque modernista para la época de Cox. Clapton canta con una voz sentimental hasta el alma, y de nuevo el piano suena a gloria, escuchenlo bien, es un grande de las teclas ese tal Chuck Leavell. ¿Y que me dicen de esos agudos acordes que Eric pellizca al más puro estilo negro?
Otra que tubo muy buena aceptación fue Layla, a la cual le cambiaron el inicial riff, por otro menos efectivo, pero perfecto para guitarra acústica.Por lo demás es como la original, mas fue uno de los puntazos del concierto.
Le sigue Running On Faith, un tema pop, arreglado con lindos slides sobre la dulce sección de acordes que la hacen deliciosa.
Luego Eric tocaría el clásico de Robert Johnson: Walkin' Blues, imitando a la perfección el estilo de este, que no me voy a poner a explicar, porque es único.
Continúa el recital con Alberta, un tema folk de toda la vida, con una melodía muy pegadiza "Alberta, Alberta, where you stay last night?", y vuelve a la carga Chuck con sus rafagas de notas, e impresionantes licks.
San Francisco Bay Blues aporta diversión al concierto, con innumerables tipos de percusión y guitarras de 12 cuerdas. Un tema muy alegre y bucólico, ya mítico por los solos de kazoos.
Malted Milk es otro de Johnson semejante a Walkin' Blues, que Eric vuelve a interpretar de forma excelente.
Sigue Old Love, al que también le cambiaron el riff por uno parecido al de Layla. No es la versión que mas me guste de este tema, pero se merece estar en rojo aunque solo sea por los solos del final.
Y terminamos con Rollin' and Tamblin', de Muddy Waters, con todo el público dando palmas como cosacos y Clapton contetandose así mismo con ese maravilloso riff. Perfecto para cerrar.
Si les gusta el blues clásico denle una oída, no les disgustará.

Queen II - Queen (1974)

2010-12-19T13:27:00.002+01:00

Artista - Queen

Publicación - 1974

Discográfica - E.M.I./Parlophone (Europa) Elektra/Hollywood (US

Calificación: 9

Mejor Canción: Father To Son/ 2º Puesto: March Of The Black Queen u Ogre Battle.

Canciones: 1.Procession/2.Father To Son/ 3.White Queen (As It Began)/ 4.Some Day One Day/ 5. The Loser In The End/ 6. Ogre Battle/ 7. The Fairy Feller's Master Stroke/ 8. Nevermore/ 9. The March Of The Black Queen/ 10. Funny How Love Is/ 11. Seven Seas Of Rye/

Oscuro, pomposo, extravagante, barroco, grandioso...Más o menos así describiría el disco de forma rápida. Si quisiera profundizar y meterme en detalles, sería daros mucho la vara, es tan amplía su composición...Es muy variado y diverso, aunque en el fondo todo sigue la misma línea.
Caracterizado principalmente por su ampulosidad, el estar lleno de arreglos hasta el fondo es el problema que todo el mundo le atribuye, mas en el fondo yo creo que es lo que le hace un disco tan gigantesco, intenten imaginar cualquiera de sus temas con solamente una guitarra, una batería, un bajo y un piano, sería horrendo, asqueroso a cualquier oreja.
En Queen II deciden probar con sonidos más complejos, pistas multi track, coros en todos los lados...todo ello para conseguir un estilo semejante al progresivo, más bien al sinfónico.
Brian May, si bien en su debut rockeaba con riffs impresionantes, en este segundo trabajo se dedica más bien a solos imposibles (The March Of The Black Queen) y orquestaciones de guitarras, que no necesariamente tiene que ser al estilo Procession.
En otros temas como Ogre Battle o Father To Son se decanta por romper las cuerdas, aporrear su guitarra y hacer vibrar las seis cuerdas alcanzando un punto único en toda su carrera, que solo igualaría en Live Killers y algún directillo más.
En ocasiones toda esa pomposidad que predomina en todo el álbum, llega a ser excesiva, lo cual es raro, pues Queen se las arregla muy bien para equilibrar sus instrumentaciones (bueno, siempre no, casi siempre), muchas veces los coros son empalagosos, y las canciones piden a gritos que se les quite partes.
Pero yo a este disco le tengo mucho aprecio, no fue ni mucho menos el primero que escuché, y me cuesta mucho escoger un disco favorito de Queen ( el A Night At The Opera no cuenta, es el mejor y mi preferido de toda la historia), ya que tengo etapas en las que prefiero a uno y otras en las que me lanzo con otro, pero creo que si no contamos el ANATO, este (y quizá también Jazz y A Day At The Races) sería el que más escucho y disfruto escuchando.
El álbum se divide en dos mitades, "La Reina Blanca" (May y Taylor) y "La Reina Negra" (Mercury), no es precisamente una opera rock, visto desde el punto de que las letras no tienen coherencia entre si, y hay canciones que solo sirven como enlace.

Unos pequeños pálpitos, sobre los que Brian toca un centenar de guitarras (en el fondo todas son la misma xD), conforman el pequeño intro llamado Procession, al que rápidamente se une el grandísimo Father To Son, con una delicada melodía "A word in your ear, from father to son", con perfectos arreglos de May, que pasan desapercibidos, pero son una delicia, y en el 2:08 la Red Special empieza a soltar gritos y berridos, mandando todo al garete y pasando por el disco como un trolebús. Mas luego Mercury volvería con sus maravillosas partes vocales, esta vez denotando más potencia y fuerza.
Le sigue White Queen (As It Began), la que muchos consideran la mejor balada de Queen, yo no pienso asi, porque, jojo póngase ustedes a buscar la mejor balada de Queen. Freddie parece contar todas sus penas, con voz temblorosa y arrebatadora, cuenta la desafortunada historia de la Reina Blanca, a la cual May le da más tristeza con sus oscuros arpegios de fondo, que sin avisar se transforman en un contundente trallazo a la guitarra para el impresionante estribillo.
Some Day One Day es un tema folk, que se hace demasiado largo, y como en si no da para mucho resulta un tanto aburrido. Brian toca la guitarra con algún efecto que da la sensación de que el sonido este dando vueltas sobre si misma (creo que se llama Phaser)
The Loser In The End está un tanto incomprendida, ya que es uno de los mejores temas de Taylor, pero con el tiempo la gente le acaba cogiendo manía a Roger. Es un fuerte rocker, con un audaz riff acústico/eléctrico durante todo el tema sobre el que Brian May se lanza a tonos mucho más agudos.
Ogre Battle abre la segunda cara del álbum. Tras el grito de Roger comienza un espectacular intro de guitarra y batería rebobinada, al que más tarde se une Mercury con una pegadiza melodía, cantada con toda su maestría. Es el tema más cañero de todo el álbum, puede hasta con la parte dura de Father To Son. Son incontables los licks que Brian pone a prueba en este tema, demostrando su dominio.
The Fairy Feller's Master Stroke pierde aceite, aunque reconozcámoslo; no es tan malo, tiene unas cuantas partes muy melódicas, aptas para cualquiera, su único defecto es el falsete de Freddie - del cual es un maestro -, a veces es agobiante.
Nevermore sirve de enlace, pueden escucharla tantas veces como quieran, no les cansara NUNCA, es conmovedor esa parte de "You send me to the path of nevermore, when you say you didn´t love me anymore".
The March Of The Black Queen es el resumen de todo el disco, todos los adjetivos del incio de la reseña le quedan como anillo al dedo. No deja de ser mi segunda preferida, todas esas partes de piano donde Freddie muestra toda su destreza a como cantante y teclista, o ese perfecto coro de " Here comes The Black Queen, pokin in the pile" emulando opera, y por supuesto todos los solos de guitarra, todos, y si tengo que elegir uno me quedo con el del 2:08. Toda la esencia del álbum y de Queen esta en este tema.
Por desgracia Funny How Love Is es mala con gana y ampulosa hasta la saciedad, y uno de los coros más estúpidos escuchados...Una pena.
Cierra el mítico Seven Seas Of Rhye y su veloz riff de piano y los fuertes rasgueos de Brian, unas cuantas melodías perfectas y muy contundente, ¿que más queréis?
Si sois impacientes olvidaros de este Queen II, pero no sabéis lo que os perdéis.

The Dark Side Of The Moon - Pink Floyd (1973)

2010-12-08T16:52:00.001+01:00

Artista - Pink Floyd
Publicación - 1973
Discográfica - Harvest, Capitol
Calificación - 10-

Mejor canción: Time/ 2º puesto: Us And Them.
Canciones: 1.Speak To Me/Breathe/ 2. On The Run/ 4. Time/ 5. The Great Gig In The Sky/ 6. Money/ 7. Us And Them/ 8. Any Colour You Like/ 9. Brain Damage/ 10. Eclipse/

Menuda racha de discazos llevamos por aquí, la verdad es que cuando uno se pone a escribir en el blog, lo hace con la idea de mostrar a los lectores sus gustos y demás, yo siempre intento buscar discos que me gusten y que piense que os van a gustar, rehuyo subir discos asquerosos para poner suspensos, que hay bastantes. Debería encontrarme de muy mala hueva.
Pues hoy os traigo el disco más revolucionario de la historia, más revolucionario que Sergeant Peppers, por ejemplo. Yo lo de revolucionario lo entiendo como un disco que consiguió gran fama y respeto por parte de las personas que lo escucharon, todo eso se ve reflejado en las ventas. Lo encuentro más revolucionario que Back In Black, que lo supera en ventas, porque el Dark Side es anterior a cualquier movimiento de masas por conseguir un álbum, además del tiempo que estuvo y está en todo tipo de lista de ventas. "Es el mejor disco de Pink Floyd" o "Es el mejor disco de la historia", todo el mundo lo tiene endiosado. Es cierto que esta bastante sobrevalorado, no se puede negar, pero según mi opinión no tanto como los sabios críticos dicen. Llevo muchos años escuchando a Floyd, es más, es el grupo que escucho desde que tengo uso de razón, y os puedo asegurar que lo mismo que con el tiempo se ha ido sobrestimando, gente como Starostin, Isaac o incluso el Dr. Federico se han encargado de infravalorarlo. Escúchenme, o en su defecto léanme, es el segundo mejor disco de Pink Floyd, y el más indicado para iniciarse a amar a esta banda, no empiecen con El Muro o con Animals, no tendría sentido, no entenderían lo que ocurre, o eso creo yo, así que si no han prestado su oreja a los de Waters y Gilmour denle una oída a esta obra.
Quizá lo que haga tan grande a este álbum sea el que todavía no hay una rivalidad clara entre los miembros, y a la hora de componer sabían combinar la majestuosidad de cada uno en su instrumento.
Atmósferas mágicas creadas en su mayoría por los innumerables coros femeninos junto con los teclados de Wright, y todo ello crea el ambiente característico del Dark Side Of The Moon, pomposo, espacial y sobre todo INNOVADOR. La innovación y la experimentación hacen grande a todo el álbum. Pero todas esas instrumentaciones estratosféricas no se quedan a palo seco, es aún más maravilloso el ver que la parte musical de cada canción sabe expresar a la perfección de que hablan los temas, creo que el mejor ejemplo es Breathe.
Con este disco Pink Floyd conformó su primera obra conceptual, todas las rolas giran entorno a un tema común. El contexto es muy subjetivo, cada persona tiene una perspectiva diferente de sus letras, yo creo que retrata al ser humano en cualquiera de las situaciones, nacimiento, locura y visión de la muerte.

PUM-PUM, PUM-PUM, el disco y la vida nace con los latidos de Sepak To Me, que rápidamente se convierte en la delicada Breathe sintiendo la brisa en la piel, Gilmour crea ambiente con lindos slides mientras Mason da fuerte a su batería, ayudando están Waters con simples lineas de bajo acopladas a la mítica melodía "Breathe, breathe in the air"
Tras ese maravilloso inicio el álbum cae en la miseria con la aberración que es On The Run, una improvisación de sintetizadores locos que no llevan a ningún lado.
Los relojes, campanas y timbres dan vida a Time, el mejor tema de Pink Floyd. Graves notas sostenidas a la vez que Nick toca cada caja de su batería y Wright hipnotiza con sus teclas, y sin previo aviso David aparece con su guitarra y su voz partida en dos pero dulce y melódica, y tras esplendidos versos llega el maravilloso solo, uno de los cinco mejores de toda la historia, sin duda alguna.
The Great Gig In The Sky asume todo tipo de penas, sus inminentes acordes piano y lentos deslices de Gilmour preparan a la voz de Clare Torry, la cual hace lo nunca visto con su voz, impresionante, señores y señoras, ¿acaso ha definido alguien tan bien alguna vez la muerte, la depresión, la enfermedad y todo tipo de desastres sin decir ni una sola palabra?
Dicen que el dinero es el mayor mal de la humanidad, lo sea o no, Pink Floyd muestra toda su rabia ante todos esos temas con la gran Money, y su famosísimo riff de bajo sobre pequeños licks de David y ecos e fondo que parecen retraerse y dejar toda la fama a Dick Parry, mas eso no ocurre y asusta a todo virtuoso con otro perfecto solo.
Más magia produce aún Us And Them, con su sensacional teclado tocando delicadamente un arpegio precioso y la voz llena de delay, y entonces...el espectacular estribillo del tema, no apto para sentimentales, los coros que ayudan lo endiosan y lo hacen grande. El saxo también coge un importante papel con el fantástico solo.
Any Colour You Like sigue una estructura semejante a la de On The Run, pero muuuucho mejor, eso cae de cajón. Esta basada principalmente en una experimentación entre VCS 3 y guitarra, y que seguramente represente todo el daño producido por drogas y demases.
Le sigue Brain Damage, la cual retrata la locura, a mi parecer, lo hace sin problema alguno, vamos, que le queda como anillo al dedo, principalmente la voz de Waters, que el ya canta con voz de loco de por si, pero aquí ya se se sale, además esos acordes temblorosos de David son ya la gota que colmó el vaso.
Y cierra la pesimista Eclipse, que esta muy bien, aunque es poco más que unos coros sobre un riff de teclado lento y grandioso.
Pues bueno, nadie como Pink Floyd para retratar cualquier sensación en una canción o disco.

The Bends - Radiohead (1995)

2010-11-27T15:07:00.002+01:00

Artista: Radiohead
Publicación: 1995
Discográfica: Parlophone
Calificación: 10-

Mejor canción: Fake Plastic Trees / 2º Puesto, algo imposible de elegir.
Canciones: 1. Planet Telex/ 2. The Bends/ 3. High & Dry/ 4. Fake Plastic Trees/ 5. Bones/ 6. (Nice Dream)/ 7. Just/ 8. My Iron Lung/ 9. Bullet Proof...I Wish I Was/ 10. Black Star/ 11. Sulk/12. Street Spirit (Fade Out)/

Sinceramente, hace nada que empecé a escuchar a esta peculiar banda. Debería darme asco de mi mismo. No había escuchado NADA (bueno...Karma Police...) hasta este verano. Fue el mundillo blogger el que me ayudo a incarles el oído. Acabe cansándome de mi mismo por no haberles prestado atención. Me tragué del tirón sus tres primeros álbumes, y estuve mucho tiempo anclado en el Ok Computer,el cual me había eclipsado sus dos anteriores trabajos. No me acordé más de ellos, hasta que hace nada, el Hombre Mojón, con sus temas selectos de Radiohead me hizo pasarme por sus inicios. El Pablo Honey me pareció cutre y ruidoso, pero The Bends, realzó mi animo a meterme en sus mundos.
Los de (jamón de) Yorke siempre tuvieron fama de deprimidos, emos y todos esos rollos, y por ahí van los tiros de su música, especialmente después de este, pero The Bends no me parece precisamente pesimista, hombre, hay alguna como Just, Street Spirit o (Nice Dream), pero no es lo más abundante, simplemente cumplen su papel en el álbum.
Para mi, es un álbum de transición hacia nuevos sonidos, pero conservando la viveza de Pablo Honey, obviamente perfeccionada, todo ello lleva a una mezcla parecida al Brit.
Es asequible, llega con facilidad; sin muchos rodeos, tardará tan poco como a mi en gustaros, quizá se demore más en apreciar la grandiosidad de temas como My Iron Lung, Just o incluso Street Spirit, pero son solo tres canciones, y el álbum tiene 12.
Suena repetitivo, ya lo sé, pero, ¿quién iba a pensar que esto sean Radiohead?
Creep es la canción más famosa de la banda, mas yo me quedo con cualquier tema de The Bends antes que Creep, la aborrezco.

Abre con la espacial Planet Telex, con sintetizadores a reventar, que son más de media canción, le dan forma, pero la hacen un tanto pomposa. Los versos son cañeros y potentes, sin embargo, el estribillo no es muy de mi gusto.
The Bends es mucho mejor, un rocker con todas las letras, con el mejor riff de todo el disco, y si te descuidas, de Radiohead (no puedo hablar con seguridad, los siguientes a Kid A, son desconocidos para mi, excepto alguna canción). Thom versea con desgana al principio, pero en los siguientes la voz se anima con la guitarra de Jonny ayudándolo. El estribillo es de lo más pegadizo " My baby it´s got the bends, oh no, we don´t have any real friends"
Sigue High n Dry, tema que sonó a reventar en todos los lados. Se trata de una balada melódica y dulce, con pegajosas melodías durante toda la canción. La guitarra de Thom tiene un papel más importante que el de Jonny, acompañando de manera perfecta.
Fake Plastic Trees es la mejor del disco con muucha diferencia, puede con cualquier otra. Yorke hace florituras con su voz, pasando de graves a agudos sin termino medio. La lentitud acústica es todo un punto, crea el ambiente necesario, y para realzarlo, el hammond, que le da pequeños tintes tristes. Pero su punto más alto llega cuando en el minuto 2:36 Jonny da a conocer su guitarra eléctrica, la canción la pedía a voces, y Greenwood lo da todo. De lo que conozco de la banda, es mi preferida.
Bones es más fuerte, que las dos anteriores, y juega con la base de Planet Telex, con los teclados y el bajo dominando hasta que en el estribillo, Thom ataca con su voz y desemboca en un riff a toda potencia, un pelín rockanrollero. Puede ser más floja, pero sirve de enlace entre dos grandes.
La siguiente es (Nice Dream), esta tira a sonidos del estilo del Ok Computer, lento y textura suave, con la acústica mandando pero con Jonny ayudando con arpegios simples, pero que le vienen que ni pintada. Es hipnotizante como ella sola.
Just es un tema grunge sin ninguna duda, desganado e indiferente, mas aún así de las mejores. Los versos suenan más tranquilos, Greenwood los remata con una sencilla melodía guitarril, y tras un momento de unísono entre guitarra y voz, la canción explota en un impresionante estribillo.
La más loca es My Iron Lung, que entra como Lucky In The Sky With Diamonds, algo parecido, ya sabéis, arpegiado y vibrante, y para sorpresa de todos se convierte en algo, como diría Jesulín: "en dos palabras: im-prezionante", capaz de reventar una casa.
Bullet Proof... I Wish I Was no me gusta demasiado, lenta y tranquila, intenta llegar a Fake Plastic Trees, pero se queda muy atrás, para mi gusto es un relleno.
Sirve como puente de rellenos Black Star, que es mejor, con un efectivo riff y una parte vocal melodramática a lo largo del tema.
Sulk es lo peor del disco, no me gusta nada, quizá un poco sus coros, pero poco. Es aburrida, ese es su problema, nada más, y este es un disco para disfrutarlo a tope, y no me parece que Sulk ayude. Por lo menos compensa el peso de las demás.
Street Spirit (Fade Out) la suelen catalogar como la mejor, seguramente de las que yo tengo como candidatas al segundo puesto vaya más adelantada. Es un tema triste, deprimente, pesimista... ya saben por donde voy ¿no?, pero me parece que todo eso la hace un tema de unas inimaginables magnitudes, el como va cambiando la sección de acordes pero manteniendo el riff, es lo que me enamora de ella.
Gran disco, os puedo decir con toda seguridad, que os gustará.

Is This It - The Strokes (2001)

2010-11-20T16:47:00.002+01:00

Artista - The Strokes
Publicación - 2001
Discográfica - RCA
Calificación: 9+

Mejor Canción: Is This It (Sí, Is This It)/ 2º Puesto: Someday o New York City Cops.

Canciones: 1.Is This It/ 2. The Modern Age/ 3. Soma/ 4. Barely Legal/ 5. Someday/ 6. Alone, Together/ 7. Last Nite/ 8. Hard To Explain/ 9. New York City Cops/ 10. Trying Your Luck/ 11. Take It Or Leave It/

Estamos por fin ante un disco que ya venía haciendo falta postearlo. Más que nada porque llevo una temporada publicando música setentera, y se que hay gente que le interesa también las buenas bandas modernas, que aunque hay pocas, hay.

Y el movimiento indie, no empezó ni con Franz Ferdinand ni con The Killers, ciertamente no empezó ni siquiera con los Strokes. Mucha gente cree que esta banda fue la que invento la música independiente, pero las cosas no son así, muchos grupos antes de los dosmiles hicieron música a la que nadie le encontraba un estilo, que era un género único en la banda. A la mayoría los tacharon de rock alternativo, pero en muchos casos se equivocaron, el alternativo está más indicado a los que reivindicaban el rock progresivo, y el indie era indie.

The Strokes se encargaron de popularizar el término. No solo el término, si no también la imagen, ser auténticos y nunca vistos pero sin ser excesivamente extravagantes, lo que góticos o moko hoteleros no entienden.

Música basada principalmente en rock de garaje, osea, bien distorsionado y un sonido abrumador, pero con melodías pop impepinables, sobre un ambiente un tanto bajo de moral pero espacial en gran parte de las canciones, conseguido por ese efecto de la voz de Julian Casablancas, a bajo volumen e intentando sonar a voz negra.

Las guitarras son sencillisimas, imitan sonidos post-punk, y consiguen que les quede bien, muy bien.

Es complicado no haber oído hablar nunca de él, Is This It, fue nombrado y renombrado hasta la saciedad. Bastante lleno de vitalidad y ritmo. El sonido esta completamente definido, y ya son inconfundibles.

Abre con la homónima, que para mi, y debo ser el único, me parece la mejor del álbum. Julian canta lentamente y suave, dejando oír más a la guitarra , que hipnotiza, buscando igualar la melodía vocal, pero anclándose en un sencillo riff. Unos licks de bajo eclipsan a toda la banda. Canción efectiva como ella sola.

Le sigue The Modern Age, que tras el intro punkarro se introduce en un aura espacial con unos buenos golpes de batería de Moretti, la canción es tranquila, sencilla, su función es introducirte, capturarte y no soltarte. Me encanta ese momento en que la voz de Julian suena desgarradora en el 1:13.

Soma es quizás inferior a las anteriores, por culpa de ese riff, que no me gusta, y como se repite durante casi toda la canción ni la melodía puede pararlo.

Berely Legal tampoco es nada del otro mundo, esta vez es la parte vocal la que me echa atrás, porque en esta las guitarras no son tan malas, pero en conjunto es un tanto excesiva.

Sigue mi segunda preferida, Someday, con un intro mucho más directo, y una melodía clara y dulce. El estribillo es su punto fuerte, haciendo dueto entre voz y guitarra, creando un efecto precioso. Julian desgarra su voz más que en cualquier otro tema, lo cual hace que la canción sea única.

Alone, Together es mastodóntica, el riff es impresionante, pero lo es aún mas la combinación entre este y verso, hacen un efecto convicente. Una canción con mucha potencia, que hacia falta.

La más famosa y con más reconocimiento es Last Nite, sin duda una maravilla, pero no la mejor. La parte vocal inicial es muy atractiva, cambiando de forma continua los acordes, y fabricando una atmósfera fiestera y a la vez delicada.

Hard To Explain me parece floja y sobrevalorada, es la que menos me gusta del álbum. Intenta parecerse a un rollo electrónico alternativo pero se queda corta.

New York City Cops realza la moral con un espectacular riff, y mucho más cañera que Alone, Together, y de las pocas del disco con un solo de guitarra, y las cosas como son, fantástico. Igualando el nivelazo de Someday.

Le sigue la melódica Trying You Luck, de la que me gustan su verso, su intro y su puente y, me parece que todo eso vale más que el estribillo (0:35), un tanto malo.

Y cierra con un tema muy directo Take It Or Leave It, concreto y conciso, con un lick de guitarra durante toda la canción que en el estribillo Julian lo retrata con la voz, explotando.

Un gran disco lleno de himnos, seguro que os gusta.

Los Berrones

2010-11-14T13:33:00.002+01:00

Nombre del grupo - Los Berrones
Genero - agro rock
Periodo de actividad - 1987 - ?
Mejor Canción - La Del Estudiante

Wow, llevaba mucho tiempo queriendo subir algo de este maravilloso grupo. Es algo muy distinto a cualquier cosa que hayamos visto hasta el momento. No puedo decir que sea rock en español, ya que no cantan en castellano, sino en bable, lengua asturiana, que aunque no este reconocida, nosotros la falamos (hablamos).
La verdad, me vi incitado por Miguel, el cual había subido un grupo surf de su tierra, así que pensé que estaría bien compartir esta música.
Pues bien, introducimos en el blog dos términos nuevos (es que sueno intelectual del todo), agro rock y rock asturiano.
Como empezar... Los Berrones nunca fueron un grupo dedicado explícitamente a la música, ya que se ve que no tenían mucho futuro fuera de la tierra. Y no lo tuvieron, llegaron a la vecina provincia de León y parad de contar. Sin ir muy lejos, los de Mon, actuaban básicamente en fiestas locales, pero bien visto, eso fue lo que les dio ese pelín de fama; dar conciertos pueblo por pueblo popularizó sus canciones, especialmente los míticos Chacho y Nun Yes Tu.
Pero si nosotros les tenemos cariño, es porque retrataban la realidad. Mon y Olegario, aún siendo ya famosos, nunca dejaron de reconocerse de paisanos de fesoria en mano (Fesoria = azada). No hay más que ver sus conciertos: en vez de usar un pie de micro, usaban el mango de la traenta (tridente), angazu (rastrillo de madera) etc.

Sus letras representaban la vida en los pueblos y aldeas. Claro, los que somos de aldea vamos y nos ponemos a escucharlos y oímos todas esas expresiones típicas, que parecía que nosotros eramos, por ejemplo, Manolo (de Manolo Por Favor). Además siempre escritas en clave de humor, lo cual nos alegraba más la cara.
Yo he tenido la oportunidad de verlos unas cuantas veces en directo, por todo lo que contaba arriba, y os aseguro que sus conciertos son fantásticos. Es increible, pero (casi) todos los asturianos hemos seguido toda su trayectoria sin darnos cuenta.
Ramón "Mon" Blanco tiene sentido del directo, os lo puedo asegurar, chistes de toda la vida entre canción y canción y trato con el público. Además es un gran compositor, mejor que muchos otros que presumen de ello.
También me considero fan de Julio Gilsanz, que aunque no sea miembro oficial, es un gran guitarrista, de gran virtuosismo, técnica e influenciado especialmente por Gilmour, May y Hendrix. Siempre fue más discreto, escondido en una esquina, pero cuando le daba, le daba, y hacia un solo hasta con una madreña (no tiene traducción mirarlo en google xD)

En cuanto a canciones, mi preferida es La Del Estudiante, que tiene un gancho tremendo, y una guitarra devastadora, aunque sus dos temas míticos siempre serán Chacho y Nun Yes Tu, cuando Mon aún era guitarra solista, y Gilsanz se conformaba con una acústica.
Otras de mis preferidas son La De La Escuela, Calcar Na Tená o Mentires, Carabines Y Escopetes o Vicenton.
Las dos últimas son del último disco que fue un claro guiño a Pink Floyd, tras la muerte de Richard Wright, y lo más sorprendente, la versión de Confortably Numb, bajo el nombre de Como Un Tapín, con un solo de gaitas y otro fantastico de Julio, además de versos cantados como tonada.

Discografía
1989. Voy Decitelo ( Fechu n'Asturies)
1990. Si Rompe, Que Rompa.
1992. ¿Lo Tuyo Cómo Ye?
1993. No, Home, Non
1998. Da-y-fuerte
2003. República Independiente De Tolivia
2008. VII Ad Libitum

Creo que podéis conseguir bajar el recopilatorio 10 Años Berrando, que trae alguna canción mejorada, porque había quedado mal por problemas de grabación, en sus primeros trabajos y me parece que también República Independiente De Tolivia.
Bueno, y para cerrar, la segunda canción por excelencia de Los Berrones: Chacho.

El que lo quiera ver como una chorrada que lo vea, ya me contareis lo que os parece.
Un saludo.

Jimi Plays Monterey - Jimi Hendrix Experience (1986)

2010-11-06T16:37:00.001+01:00

Artista: Jimi Hendrix Experience
Publicación: 1986, creo, pero la grabación fue en el 1967.
Discográfica: Reprise
Calificación: 9.5

Momento Cumbre: Wild Thing y el "quemamiento" de guitarra o The Wind Creis Mary.
Canciones: 1. Killing Floor/ 2. Foxy Lady/ 3. Like A Rolling Stone/ 4. Rock Me Baby/ 5. Hey Joe/ 6. Can You See Me/ 7. The Wind Cries Mary/ 8. Purple Haze/ 9. Wild Thing.

Definitivamente me he decidido. Me he decidido a reseñar un álbum en directo. Harto de escuchar grupos superficiales, que sacan un aburrido disco de estudio y luego en el escenario se lo montan como nacidos para ello, y yo pienso, ¿no les compensaría sacar solo discos en directo? Intenta escuchar dos álbumes de Kiss seguidos sin acabar mirando la tapa para ver cuánto duran. ¿Nunca os encontrasteis en esa situación?
Por suerte con el tito Jimi, no pasa lo mismo. Bueno, pasa pero en parte. Sus tres obras con los Experience fueron perfectas, pero Hendrix vivía de la carretera, a él, en los discos de estudio lo que le importaba era meter canciones, eso sí, bien seleccionadas, para luego poder dárselo todo a su público. Mucha gente hizo eso, pero Jimi componía con mucha sabiduría, y evitaba lo malo, tiene pocas canciones malas en sus 3 trabajos, especialmente Are You Experienced? y Electric Ladyland, que tenían mas de 16 temas dentro, y casi ninguno era relleno.
Normalmente, los grupos en concierto podrían hacer cualquiera de estas tres cosas:
1. Tocar los temas de forma idéntica a la original.
2. Tocar todos lo arreglos que se les ocurrieron después de la publicación del álbum, y no les dio tiempo a meterlos en él por impacientes.
3. Dar un concierto salvaje, lleno de sentimiento, solos extraterrestres y amplis al máximo.
Jimi encaja en el último bando, pero descaradamente. No hay más que verlo, cada gesto y cada movimiento que hace, son una muestra de su dedicación al público y del amor que tiene a su instrumento. Cada nota que se le ocurría dar era él en estado puro. Cada Yeah! que soltaba, viniera a cuento o no, era la muestra de como disfrutaba sobre el escenario (eso, o que se había jartao antes de tocar).
Pero el concierto se tuvo que hacer famoso por algo. Y al ver la portada ya se nota , he aquí, como tras dar un espectacular concert, coge su guitarra la arroja al suelo y le prende fuego. Jimi decía que había que sacrificar lo que más se quería. Y se ve clarito como el agua a quien era.
Además su presencia en el Monterrey Pop Festival, lo catapultó a la fama mundial, especialmente en su país, ya que hasta ese momento, era reconocido poco más que en las Islas Británicas..

Tras la presentación de Brian Jones, Hendrix, hace vibrar su guitarra con un riff imposible, demasiado veloz para el ojo humano, mientras mueve las plumas que llevaba al cuello y Mitch Mitchell da golpes a su bateria salvajemente, retumbando en los oídos de la gente, que se mueve al ritmo de la música.
Tras el acelerado Killing Floor, los Experience deciden darle a Foxy Lady, reventando las cuerdas y dándole mil vueltas a su guitarra (literalemente, menudo solo) y creando un ambiente de tensión al parar todos y dejar solo a Jimi para decir con vacile "Wuuuuu Foxy Lady!"
Hendrix suelta la boa y empieza a tocar los inconfundibles acordes de Like A Rolling Stone, de Dylan, y comienza a recitar la poética letra y soltar carcajadas, sin levantar demasiado el tono de voz, ni hacer los gallos de Bob, creando una excelente perfomance (como me gusta usar esa palabra).
Anuncia Rock Me Baby, pero advierte de que no sera el clásico Rock Me Baby, y os aseguro que no es el clásico Rock Me Baby. Sigue la pauta del Killing Floor, a todo lo que da, haciendo sabeDioscuantas guitarras al mismo tiempo, ritmos raudos y solos que no caben en la pantalla, una ametralladora de notas sin duda alguna.
Más tarde tocarían uno de sus temas más famosos: Hey Joe, la que toca más tranquilo, pero lleno de orgullo, y a la vez una versión más triste y melancólica en la parte vocal notable, con un deje más aburrido, mas aún así crea unas melodías preciosas con su guitarra. Y se me olvidaba, el famoso ¿solo? con los dientes.
Can You See Me, es para mi, el momento más aburrido y monotono, simplemente porque ya había demasiado blues rock, en el concierto, y este ya se excede.
Uno de los momentos para ensueño del concierto fue cuando tocaron The Wind Cries Mary, era clavada a la del estudio, pero me parece que solo con ese tema consiguió tanta atención del público, los cuales aprestaban sus oídos ante la linda balada que Jimi tocaba con delicadeza, sin demasiado virtuosismo, pero capaz de calmar a una multitud.
Y tras la preciosa Wind Cries Mary, llega Purple Haze, con toda la técnica, pureza y potencia que ella requiere, y Hendrix nos ofrece una de sus mejores presentaciones en vivo de la canción, y Noel Redding y Mitch Mitchell luciendose en sus respectivos instrumentos, expresando que la banda no es solo Hendrix.
Y cierra el otro momento cumbre, Wild Thing, un pedazo de canción, con ritmo y melodía como mandan los cánones, esto es un cover y no el Spaguetti Incindent, que coros de Noel más resultones, y además el SACRIFICIO DE LA GUITARRA, Hendrix coge su Stratocaster y la arroja por el suelo, la quema y luego la espeta contra el suelo, lo que queda (osea el mástil) lo lanza a la gente. Esto sí es rock en estado puro.

Covers: Knockin' On Heaven's Door

2010-10-31T12:51:00.000+01:00

Otra vez con los covers, y otra vez con Bob Dylan. Como comentaban Aitor y Panxo en la entrada de All Along The Watchtower, Bob hizo un porrón de canciones de las que luego muchísimos artistas realizarían unos covers en los que la mejoraban, como es el caso de Mr. Tambourine Man o All Along The Watchtower. He de reconocer que esta versión original me gusta mucho, tiene un aire espiritual muy enganchadizo y unos coros femeninos que llegan al cielo (nunca mejor dicho). Incluso la guitarra suena más que un mero acompañamiento, que es lo que es, pero coge vida propia.

Pero claro, tuvo que ser una banda la que hiciera pensar que la canción era suya y no del tío Bob, y tuvieron que ser los Guns n' Roses (actualmente conocidos como los gansos rosas). Las cosas como son, tiene más potencia, es más directa y mejor, pero le falta la atmósfera de la original, que no consigo quitarme de la cabeza.
La guitarra suena lenta y acuosa pero le da por hacerse ver y aparece un pedazo riff, de estos que retumban en toda la comarca. Otro aspecto a destacar (que intelectual sonó eso ¿no?, una pena que haya que tenido que fastidiarlo con este paréntesis) es el extraño Dr Jekyll & Mr Hyde que hace Axl con su voz; como sabréis Mr. Rose, para las baladas canta con una voz de fosa y para las mas rockeras canta como una frenada de moto, pues grabo la voz en dos fases creando ese fantástico fenómeno.

¿ Y qué me dicen de la versión reagge de Eric Clapton? Muchos la consideran basura, pero tiene un gancho con ese ritmo mutado y ese duelo entre guitarra y armónica. A mi me gusta, cada uno que opine lo que le de la gana, pero me parece muy complicado hacer que una canción que te alegraba, como hacía la de Dylan, te ponga triste de sopetón.

Y ya para terminar ( hoy son pocas si, porque versiones muchas pero buenas pocas), una de Ted Christopher y Mark Knopfler, en la que le añadieron un verso nuevo, y les quedo muy bien. La guitarra de Knopfler no suena como de costumbre, sino que tiene un sonido más cilíndrico, que combina a la perfección con los maravillosos coristas.

Somos Unos Animales - Extremoduro (1991)

2010-10-24T16:24:00.001+02:00

Artista: Extremoduro.
Publicación: 1991 y remaster en el '95
Discográfica: Pasión-Área Creativa y DRO Atlantic el remaster.
Calificación: 9.5

¿Mejor disco de Extremoduro?- No
Mejor canción: Tu Corazón/2º Puesto: La Canción De Los Oficios o Necesito Drogas...
Canciones: 1. Tu Corazón/ 2. La Canción De Los Oficios/ 3. Quemando Tus Recuerdos/ 4. V Centenario/ 5. J D La Central Nuclear/ 6. Ni Principes Ni Princesas/ 7. Perro Callejero/ 8. Desidia/ 9. Resolución/ 10. Necesito Drogas y Amor (Los Camellos No Me Fían).

No haría falta ser un experto en Extremoduro, en música o lo que sea para ver que cuando los Extremo se propusieron ser la banda más transgresiva de España lo consiguieron, aún me pregunto por qué no les pusieron nunca el sticker de Parental Advisory.
Tras un primer álbum borrachucio, complejo y radical, Extremoduro se meten al estudio para grabar el disco que iría marcando su estilo: fuerte, seco, falto de arreglos y directo. Aunque podríamos decir que es uno de los discos menos trabajados de la banda, es más es el trabajo menos trabajado, pulido y escaso, incluso un pelín monótono, pero todo eso es lo que lo hace el primer discazo del grupo. La Ley Innata es una gran obra, incluso me plantee decir que era su mejor álbum, pero no, porque estoy seguro de que canciones como La Canción De Los Oficios es más profunda que el Segundo Movimiento: Lo De Fuera, aunque esta sea una suite casi perfecta, no esta hecha con las mismas ganas que Somos Unos Animales, un disco en que su único fin era pasar el rato y contarle a alguien sus penas.
El Robe toma unas cuantas decisiones bastante acertadas, le cede la gutiarra solista al Salo y contratan a Carlos "El Sucio" para el bajo, de forma que a dos guitarras la banda gana mucho, y además Salo es un virtuoso, no tanto como Uoho, pero virtuoso igualmente, ¿o nadie vio los solos que se marcaba en Jesucristo García en directo?
En la primera publicación lo hicieron con Pasión-Area Creativa, con la que les fue mejor que con Avispa, mas aún así, Robe califica la calidad de Audio de "Puta Mierda" frase muy típica en su repertorio.
Como dije más arriba, el meter dos guitarros es una clara ventaja, no hay más que oír el intro de Necesito Drogas y Amor.

Abre con Tu Corazón, con su inconfundible intro experimental, distorsionado y crudo, al que Robe se une con un sencillo riff y pequeños licks bluseros para desembocar en esos extraordinarios coros, que crean un crean un quebradero de cabeza, con ese oscuro ambiente y la pegadiza melodía: "mi corazón acorazado como un callo". Y sin palabras te deja ese acelerado final con el explosivo dúo de guitarras peleando por la grandeza.
Le sigue otra joya La Canción de los Oficios, con la colaboración de Rosendo a la voz, con la infinta frase que tanta fama tiene entre los fans de Extremo: " En mi casa no hay dinero, me lo como con los dedos" que rápidamente se transforma en un siniestro y rápido tema con un pianito de fondo mezclando estilos. La letra va de 4 historia paralelas, uno es camello, otro ministro, otro minero y otro banquero.
Quemando Tus Recuerdos es un tema de doble cara, la primera el lado pop, acústico, cursi y poético con coros comerciales y la otra la eléctrica, cañera y complicada de digerir. Cada uno que elija una parte, pero no me cuadra ese cambio tan drástico.
De los mejores es V Centenario con su riff que es de los mejores de la banda y ese acompañamiento heavy y el estribillo con en el que las coristas lo cantan alcanzando agudos tonos en "Centenario, celebrar, las mujeres y los niños por igual" a tope y sin interrupción.
Sigue J D La Central Nuclear que puede resultar una tomadura de pelo en los primeros instantes en los que emulan una jota y se convierten en griteríos (aunque esa parte me gusta).
En Ni Príncipes Ni Princesas se incorpora un teclado que parece una tuba ( la wiki dice que es una turuta romana ¿?¿?). Es de las más cañeras del disco, y siendo tan sencilla yo la disfruto mucho.
Vuelve el Rosen en Perro Callejero esta vez a la guitarra, pero no lo disculpa, es de los que más forma de relleno tienen, porque es un tema que encaja más en el debut.
Desidia es de ñas pocas del álbum que son limpias y algo curradas, el intro es algo parecido a...¿reggae? que raro... Arreglos por parte del Salo que son los que perfeccionan el tema junto con la parte de " Quiero Comer donde me entre hambre, quiero dormir donde me entre el sueño".
Sigue Resolución que es algo más flojo, ya que me parece poco más que remates en las frases y algún buen solo.
Y cierra otra de las mejores: Necesito Drogas y Amor (Los Camellos No Me Fían) y no, no voy a deciros de que va, ya que esta más que claro. Va dándole ambiente con el intro combinando metal y flamenco (así de original es Robe), y aparece la mejor melodía del álbum conversando guitarra y voz en frases como "No necesito alas para volar, prefiero LSD" o "Yo solo vivo del aire, de ponerme noche y día, no se lo cuentes a nadie, los camellos no me fían"
Con vaya versos que termino, en fin, gran álbum, posiblemente de mis tres preferidos.

Covers: All Along The Watchtower

2010-10-19T20:55:00.000+02:00

De nuevo una nueva entrega de los covers.
En anteriores capítulos hablábamos de Little Wing, una canción en la que la original era infinitamente mejor que las versiones. Pero no siempre ocurre eso, y como muestra de ello tenemos a All Along The Watchtower. Tema propio de Bob Dylan, contiene toda su esencia pero que suena un tanto pobre. Una guitarra acústica con unos licks de armónica que intentan ser algo aunque no lo consigan.
No es una mala canción, lo que pasa es que en comparación con los covers es muy poco afortunada.

La versión más famosa es la de Hendrix, para mi es la mejor. En un principio tira a cutre, falto de la electricidad de Jimi, pero este aparece a reventar con unos solos imposibles y dándole ese toque a la melodía que, por lo menos a mi me parece extraordinario.

Otra muy destacable es la de Eddie Vedder con Million Dollar Bashers, mucha más electrizante, mucho más pomposa pero con cierta moderación, guitarras punzantes y una vena latina un tanto escondida pero que sale a lo largo de la canción.

Grandisima también, es la de Dave Matthews Band, banda que me descubrió Dani, a su estilo, tranquilo, acústico, tímido pero vibrante y rebotante. Y poco a poco va creciéndose hasta crear una aura místico.

Supuestamente Los Suaves usaron los acordes de All Along The Watchtower para hacer su tema Ya Nos Vamos, con el ambiente heavy y la voz del Yosi a lo Rosendo. Poco más que decir ya que es de mis temas preferidos de los Suaves.

Hay unas cuantas más, pero me quedo con estas.

Led Zeppelin - Led Zeppelin (1969)

2010-10-11T15:16:00.001+02:00

Artista: Led Zeppelin.
Publicación: 1969
Discográfica: Atlantic Records.
Calificación: 9+

¿Mejor disco de Led Zeppelin? - No
Mejor Canción: Dazed & Confused/ 2º Puesto: Babe I'm Gonna Leave You.
Canciones: 1.Good Times Bad Times/2.Babe I'm Gonna Leave You/3. You Shook Me/ 4.Dazed & Confused/5. Your Time Is Gonna Come/ 6. Black Mountain Side/ 7. Comunication Breakdown/ 8. I Can't Quit You Baby/ 9. How Many More Times?/

Esta vez la espera se alargó más, porque también tuve una semana ajetreada, así que aprovecho el puente para subir una reseña.
Nos adentramos en los años en que el rock n roll se marcho a meditar y volvió convertido en rock. Todo ocurrió por la segunda mitad de los sesenta, la cosa empezaría entre el 66 y el 67, esos dos años fueron fundamentales para la creación de un nuevo genero.
Todo ese proceso de invención lo tendríamos que dividir en tres grupos: en primer lugar los padres, que son Robert Johnson y Willie Dixon, que fueron quienes popularizaron el blues. Más tarde llegarían los inventores, entre los que se encuentran los Stones, Beatles, Jimi Hendrix, Cream, Pink Floyd y Led Zeppelin. Y luego los perfeccionistas, quienes dieron forma a todos los anteriores. Este es un grupo muy extenso ya que llega hasta nuestros días, pero va liderado por aquella banda que no digo su nombre por no resultar repetitivo.
Pero yo quisiera centrarme uno de los conjuntos pertenecientes a los inventores, Led Zeppelin. Aparecieron cuando el tema ya se daba por zanjado, pero estos nos demostraron que no, y cogiendo el hard rock virtuoso de Hendrix y el blues de Dixon y Cream, lo mezclaron y crearon un nuevo genero para la collección. Un rock con riffs mucho más efectivos voces gritonas y acentuación blusera.
A lo largo de la majestuosa carrera Zeppeliniana fueron mejorándolo, cogiendo carrerilla y caña, pero toda discografía tiene un debut, y el de Zepp se acerca más a sonidos más Hard Blues que nada, tirando muchas veces a recordar a Cream. Mucho momento psicodélico, y ante todo, la genialidad de Jimmy Page. El guitarrista con este primer disco ya no le hace falta mejorar sus técnicas practicamente nada, los riffs ya mueven las tejas del tejado y los solos ya son soberbios. Luego su creatividad, le falta un pelín, aunque ya nos da temas excelentes, digamos que aún le queda conseguir un punto más alto si cabe de originalidad, ese punto en el que todo el mundo se arrodillaría ante la banda.
Otra persona a la que veo sobresaliente es a John Paul Jones, el bajo me parece soberbio en este álbum, no hay más que oír el riff de Good Times Bad Times, o la locura que producen esos tonos tan graves durante el intro de Dazed & Confuesed.
Tampoco podría acabar sin hablar de sus otros miembros, Bonham y Plant. La batería todavía no se luce lo necesario, pero vemos todo su talento. Y la voz de Plant, me parece que en este trabajo es insuperable para él.
Pero el problema del álbum que no le da ni para el nueve y medio es su segunda mitad, que a mi gusto es más floja y anda distraída, divagando, estando a todo y estando a nada, lo que nos confunde es que meten por el medio unos temas tan buenos como Communication Breakdown y How Mny More Times? que nos hace dudar.
De todas formas, me parece un álbum muy completo.

Abre con Good Times Bad Times, aturdiendo con un acorde a todo volumen, que se convierte en una melodía guitarra/voz, haciendo un unísono muy agradable, que se desploma en un puente potentísimo que a la vez recae un solo muy rápido al más puro estilo Page.
Sigue el segundo mejor tema, Babe I'm Gonna Leave You, tema acústico en el que Robert muestra sus facultades vocales creando todo tipo de sensaciones, modulando su voz, poco a poco y dejándonos como ilusos que no nos enteramos. Predomina un ambiente siniestro, y Jimmy Intenta que las seis cuerdas suenen huecas. La canción al final necesita explotar y obviamente lo hace.
You Shook Me es un corte de blues, con un slide liderando, Plant lo imita deslizando los más agudos tonos vocales vistos a graves notas. Sin duda me quedo con esa base rítmica con la pausada batería dando fuertes golpes.
En el cuarto track llegamos al Magnus Opus, Dazed & Confused un psicodélico tema, con un bajo sublime y de nuevo una perfomance de Plant hiela-sangre, la guitarra de Jimmy Page emula unos gritos, y lo consigue, hasta hace bien poco pensé que era Robert el que gritaba como un descosido. Posee el famoso riff que luego Black Sbbath supuestamente plagiaron en su tema Paranoid. Largos minutos de improvisación y experimentación con todo tipo de instrumentos y otro momento épico, el de el solo con el arco de violín.
Your Time Is Gonna Come intenta fastidiarnos el día, un himno hippie con unos coros demasiado empalagosos, todo lo contrario que sus versos que me parecen perfectos, poppys, vibrantes y llenos de sentimiento.
Black Mountain Side por más que lo escucho no me atrae, no me llega, no me tira. Es un tema instrumental que solo cuenta con dos guitarras acústicas y unos bongos, pero no tiene nada de particular.
Aparece Communication Breakdown para aliviar, con un ritmo machacón a todo lo que da mientras Plant hace florituras con su voz. No da mucho más de si, pero es bueno.
I Can't Quit You Baby es otro blues, no me gusta tanto como You Shook Me, quizá porque este último es más resultón y lucido, pero I Can't Quit You Baby posee momentos memorables como esos toques de Bonham.
Cierra How Many More Times? un intro lleno de wah wah que recuerda al primer álbum de los Stooges, y luego un efectivo riff que suena a Black Keys por todos lados. Tras esa parte tan rocker parece imitar a Dazed & Confused.
Un gran álbum que cualquiera puede disfrutar. Ese mismo año llegaría su obra maestra.

Covers: Little Wing

2010-10-02T17:16:00.000+02:00

Como ando mal de tiempo, y como encontré un hueco pues subo una nueva sección: Covers. Aquí hablaremos de los temas más míticos y con más versiones, y me gustaría empezar con Little Wing, del álbum Axis: Bold As Love.

Un tema, con una guitarra limpia, emitiendo agudos tonos, sacándole un sonido que recuerda mucho a la técnica de B.B. King. La armonía sobre la preciosa letra encajada en una melodía excepcional, y todo mientras los dedos del zurdo no cesan, son capaces de engatusar a cualquiera. Himnópticos golpes de metalófono y la tranquila voz de Hendrix dan vueltas a tu cabeza. En fin es imposible no resistirse a esta canción.
La canción ha influido a artistas tan diversos como RHCP, Deep Purple o Pearl Jam.
La canción original es esta:

Ahora ya metidos en covers, el más famoso es el de Stevie Ray Vaughan. La parte vocal desaparece y lo que en un principio parecía una copia, se convierte en uno de los mejores solos de Stevie, los dedos ni se le ven.

Otra con bastante reconocimiento es la que hizo Clapton en su época Derek and the Dominos, le incluyeron un grandioso riff y una parte de guitarra que compone una melodía sencillamente perfecta, y sin salirse nuca del ambiente de la original.
El vídeo que os pongo es de Clapton en solitario con Sheryl Crow, pero es como la original y con un arreglo que no tiene la otra.

Se que The Corrs son muy cursis y todo eso, pero esta versión unplugged con el violín, la flauta y las percusiones minoritarias, me gusta bastante, darle una oportunidad.

Y para cerrar un cover muy reciente, del último disco de Santana, cantado de forma sublime por Joe Cocker, tira mucho a Hendrix, pero tiene un algo muy personal como ese grandioso solo.

Tiene muchas más, como las de Sting, Toto, Steve Vai... pero no son tan buenas.
Saludos.

Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics of All Time - Santana (2010)

2010-09-25T15:26:00.001+02:00

Artista: Santana.
Publicación: 2010
Discográfica: Sony
Calificación: 7

¿Mejor álbum de Santana?- No.
Mejor canción: Under The Bridge/ 2º puesto: Riders On The Storm.
Canciones: 1.Whole Lotta Love (Feat. Chris Cornell)/2. Can't You Hear Me Knockin' (Feat. Scott Weiland)/ 3. Sunshine of your Love (Feat. Rob Thomas)/ 4. While My Guitar Gently Weeps (Feat. Yo-Yo Ma) / 5. Photograph (Feat. Chris Daughtry) / 6. Back In Black /Feat. Nas)/ 7. Riders On The Storm ( Feat. Chris Bennington and Ray Manzarek) 8. Smoke On The Water (Feat. Jacoby Shaddix)/ 9. Dance The Night Away (Feat. Pat Monahan)/ 10. Bang A Gong (Feat. Gavin Rossdale) / 11. Little Wing ( Feat. Joe Cocker) 12. I Ain't Superstitious (Feat. Johnny Lang) 13. Fortunate Son ( Feat. Scott Stapp) 14. Under The Bridge (Feat. Andy Vargas)/.

Fui lo más rápido que pude, el disco salió el martes, me lo escuché y ya os lo tengo hoy sábado aquí.
Santana es uno de los tíos más influyentes de la historia del rock. O por lo menos eso es lo que a mi me parece. Pocas veces un artista latino ha llegado a ser conocido en todos los sitios, y además de conocerlo, sentir hacia él gran respeto.
No solo por eso es un grande, sino también por su eficacia con su instrumento, un sonido inconfundible en cualquier parte del mundo, tanto las seis cuerdas como sus canciones en general; la guitarra un pelín distorsionada, tocando agudos que parece que le hayan puesto unos cuantos trastes de más, con gran rapidez, sobre selecciones exquisitas de voces corales (generalmente femeninas), viajes a su tierra solo dando al play, y sobre todo sobre todo, el sentimiento que deposita sobre cada nota de su P.R.S.
Amigos, si creíamos que sabíamos tocar, deberíamos escuchar la larga carrera de Santana.
Sí, una carrera muuuuuuy larga, lo que para él empezó siendo un puro entretenimiento, vio que a raiz de Woodstock tuvo tirón y empezó a vivir solo para el público, sacando discos sin parar. Ese fue uno de los problemas que tuvo, al ver que gustaba, quiso seguir gustando, pero todas las prisas fueron las que fueron acabando con su sonido, quitándole eficacia, emoción y audiencia. Pongo audiencia subrayado porque ¿acaso alguien oyó alguna noticia suya desde el Supernatural hasta hoy? Por lo menos en España, no, y de eso ya hace 11 años. Parecía que cuando salio el Ultimate todavía se hablaba de él... pero no, y parece que no, pero siguió lanzando álbumes al mercado, muchos recopilatorios, pero algún estudio también cayó.
Y ahora la gente se acuerda de él porque ha hecho un disco de versiones, de haber sido temas propios ni una palabra, pero no, es de versiones, pero no de cualquier tipo, sino de los grandes clásicos de guitarra de todos los tiempos (Tiene un gusto estupendo, mirad el setlist) y además unas colaboraciones geniales.
Pero ¿qué le pasa al disco?, pues que de 14 canciones que tiene, 6 son una descarada copia y otra es penosa. Y al ser una copia, el sonido no es Santana, es Keith Richards, Jimmy Page etc. Pero no le podría poner una nota mala, porque a pesar de que sean iguales, suenan bien, no deja de ser un maestro, evidentemente, y la otra mitad es buena.
Me decepcionó que estuviera escuchando temas remasterizados, ya que eso es lo que parecía, pero los otros es que son bastante buenos!! A mi me gusta, espero que a vosotros también.

Abre Whole Lotta Love, el riff se revive a manos del mostachudo y descubrimos una cosa: la gran capacidad de Chris Cornell para cantar como Robert Plant.
Sigue Can't You Hear Me Knockin', que es de las tres mas parecidas, si exceptuamos la voz de Scott Weiland que difiere con la de Jagger.
Sunshine Of Your Love lo intenta pero no, reconozco que en un principio estaba en rojo, pero no es excesivamente creativa.
While My Guitar Gently Weeps ya es bastante más original, ambientándose en un chill out cantado sensiblemente por Yo Yo Ma sobre arreglos de mandolina y violín bastante convincentes, y cierra con un solo eléctrico.
Photograph, llegue a pensar que estaba escuchando la de Deff Leppard, no hay ninguna variación en cuanto a la original.
Back In Black es un truño, se fusilan una de mis canciones preferidas, el riff sintetizado y coros femeninos y rapeada por Nas... PERO COMO OS TENGO QUE DECIR QUE BRIAN ES ÚNICO??!!
Primeros indicios de Carlitos en el disco, Riders On The Storm, en la cual piensa con sentido propio y para hammond cogen a Ray Manzarek. Santana hace unos punteos durante todo el tema con la más pura vena latina, recordándonos que estamos en un disco suyo y no de los Doors.
Smoke on the Water, el más famoso riff de la historia vuelve a la vida en otra copia, en este caso de Deep Purple.
Dance The Night Away vuelve a probar pero de nuevo no es nada relevante.
De mis preferidas, Bang A Gong, aquí si se sale, sin dejar su estilo propio se arrima al glam sin llevarse ningun susto, formando uno de los mejores.
Little Wing está tremenda también, principalmente esa perfomance de Joe Cocker a la voz, que concuerda con la guitarra de Santana que suena sincera y llena de sentimiento.
I Ain't Superstitious, que para estar versioneando a alguien tan único y personal como Howlin' Wolf, no esta para nada mal, con mucha más potencia y emoción blues, la cual la proporciona Johnny Lang con sus cuerdas vocales y Carlos con las otras cuerdas.
Fortunate Son esta currada pero no se acerca a la original, no transmite tanto.
Cierra la mejor, Under The Bridge, suena raro que Santana toque RHCP, pero les quedo genial. La guitarra hace unas contestaciones sublimes a Andy Vargas, que suplanta muy bien a Anthony Kiedis. Cuesta darle palabras ya que se lo trabajaron mucho para conseguir el cover por excelencia del disco. La canción explota en ese puente final sin olvidar nunca su estilo, especialmente en su final en el que suena un piano parecido al de Corazón Partío y luego los coros con el "Abajo del Puente".
Me gusta pero falto de originalidad, aún así se disfruta mucho.

Nevermind The Bollocks, Here's The Sex Pistols - The Sex Pistols (1977)

2010-09-18T16:11:00.001+02:00

Artista: The Sex Pistols.
Publicación: 1977.
Discográfica: Virgin Records.
Calificación: 10

Mejor Canción: Anarchy in the U.K./ 2º Puesto: Pretty Vacant.
Canciones: 1. Holidays In The Sun/ 2. Bodies/ 3. No Feelings/ 4. Liar/ 5. God Save The Queen/ 6. Problems/ 7. Seventeen/ 8. Anarchy in the U.K./ 9. Sub-Mission/ 10. Pretty Vacant/ 11. New York/ 12. E.M.I.

Antes de nada, todo el mundo me llena la cabeza con que la portada de este disco es maravillosa, yo no le encuentro nada en especial, si alguien me lo explica, se agradecerá.
Bueno, ahora al tema. El punk siempre fue un estilo que cuando me iba a poner con el, me echaba para atrás. Probé infinidad de veces pero siempre acababa escuchando el Master Of Puppets (Mettalica), que no tiene nada que ver, pero me entraban más ganas de escuchar la versión de Motörhead del God Save The Queen que la original y a raíz de eso seguía con el trhash.
Un día me atreví, y me puse con los más recomendados, los hermanos Ramones, y no os podéis imaginar cuanto me aburrí, parecía que Blitzkrieg Bop fuera una suite de media hora divida en 14 partes, pero no, era un álbum con distintas canciones. Evidentemente mis ganas de seguir con el Punk eran pocas, mas yo lo volví a intentar. Había oído hablar mucho de un tal Sid Vicious, rebelde bajista de un grupo punkarro, Los Sex Pistols, así que incitado por un vida desastrosa me metí con ellos. ¿Qué pasó?, pues que se me pusieron los pelos de punta sin falta de peinarlos, como hace Johnny Rotten. Seguí y seguí, temía por la vida del cd de tanto que le hacía girar. No paraba de escuchar su debut, rodaba y rodaba y yo insistí en escucharlo. Me preguntaba como había pasada tanto tiempo sin ellos.
Hoy día es uno de mis 10 álbumes preferidos, y aún, como decían los Byrds: Turn Turn!.
Los Pistols tuvieron dos factores que les hicieron muy importantes:
· Introdujeron el movimiento punk en el Reino Unido.
· Crearon una estética que caracterizaba al genero, no solo vestimentas y demases, también la actitud, la de yo hago y digo lo que me da la gana y si no quieres, que te den.
Dentro de los que es el estilo, son bastante complejos, a la hora de componer, intentaron quitarle algo de simplicidad a las canciones. Mucha influencia de rock n roll por parte de Steve Jones.
Su ~~manipulador~~ manager McLaren siempre defendió la idea de que los Sex Pistols era una banda en la que más importaba eran las letras. Muchos se hicieron fans por eso, y otros por la música, pero de cualquier modo tuvieron muchos seguidores.
Solo grabaron un LP, Never Mind The Bollocks, Here's The Sex Pistols, muchos quisieron quitar del título la palabra "Bollocks", pero ellos dijeron que no les salía de los "Bollocks" y la cosa quedo como estaba.
Es un disco fresco, potente, desgarrado, cañero, sin "ñoñeces" y con ganas de meterse con todo el mundo, solo les importaba desahogarse, no hay más que escuchar la voz de Johnny Rotten, a grito pelao y con un deje burlón en todos los temas.
Juegos de palabras para poder tocar más las narices a sus detractores, críticas a la Reina y a E.M.I. ...todos esos detalles crearon una generación que sería una copia mala y barata, de intentos de punk (barata?? los discos de Blink 182 son muy caros!) de los Pistols, pero siempre tendremos su trabajo para darnos cuenta que como lo original nada.
Mclaren quiso más poder y siguió usándolos como marionetas hasta que cometió el error de abandonar a Rotten, el cual se cabreó y la banda se separó. Más tarde Sid Vicious moriría (¡de que va ser!) y haría alguna reunión con Glen Matlock, primer bajista (en el disco solo aparece en Anarchy in the U.K., en los demás temas el bajo fue grabado por Steve Jones, excepto Bodies, con Sid).

Le doy al play, se oye desfilar a la guardia real y de repente Steve Jones nos toca un acorde haciendo retumbar la casa entera, y si creíamos que lo habíamos visto todo, aparece un riff abrasante sobre el que Johnny anuncia el título, Holidays In The Sun. Frasea los versos como solo el sabe y nos ofrece un rápido y resultón "Now I've Got A Reason", mientras la guitarra suena mutada pero con mucho ritmo.
Sigue Bodies, un principio siniestro con una linea de bajo muy práctica y arreglos noise. Rotten canta agresivo durante todo el tema y nos ofrece unos power chorus con aires grandiosos.
El listón sigue alto con No Feelings, acompañamiento potente mientras la voz intenta sonar temblorosa. Estribillos muy pegadizos, con toda la fuerza pistolera.
Liar, un poco menos currada, sobretodo la parte del "liar liar liar" y puede que demasiado pomposa.
God Save The Queen es otro de los más altos picos del disco. Johnny pronuncia save (salvar) como shave (afeitar) para fastidiarle más a la Reina. Muchísimo ritmo durante todo el track, con otro gran riff que se reptie durante los versos.
Problems, un tanto más sencilla también, la parte vocal es grave, concordando con la guitarra. El estribillo es muy simple y no me cautiva excesivamente.
Otro temazo Seventee (evidente la nº 7 xD) melodía con un aire pop-rock, pero como a los pistols no les van esos rollos, la cantan a lo bestia. Importantísimo papel de Jones, no solo en las letras sino en su instrumento. También muy destacable la batería en el estribillo.
Uno no se lo piensa dos veces, la mejor es con muuuuuucho Anarchy in the U.K., Rotten canta con la mayor ironía posible, desde el comienzo con esa risa maligna, no hay más que atender a ese mítico "I am an anticristo, I am an Anarchist" que desemboca en ese maravilloso " I wanna destroy 'cause I wanna be Anarchist" con esa parte tan rockanrollera tocada por Steve, el cual también hace un solo muy simple, pero es la leche.
Sub-Mission es un tema con una notable influencia de Joe Strummer y también gótica, en tonos muy bajos pero con unos grandes arreglos altos que hacen una buena mezcla.
Pretty Vacant es mi preferido, seguramente porque fue el primer tema que tanto conocí como aprendí de los Pistols. Sencillo riff sobre el acorde de la, en el que aparece la batería dando tensión, hasta que Jones tiene que tocarlo sin arpegiar. Pequeños licks de blues-rock al final de cada verso para mostrarnos unos coros impresionantes.
New York, de nuevo vuelve el sarcasmo a las cuerdas vocales de Rotten. Tampoco es demasiado compleja, poco más que requintos.
Cierra E.M.I., podrían haberle puesto otro nombre y luego criticar a una discográfica, para que hubiera polémica de si era una u otra, pero no, le pusieron de título E.M.I. Recuerda mucho a Search & Destroy.
Pues mi disco preferido del punk, así que más recomendable.
Saludos del patético Soyde.

Easy Star All-Stars

2010-09-11T15:27:00.000+02:00

Nombre del grupo: Easy Star All-Stars.
Genero: Reggae, Dub.
Periodo de actividad: 2003-?
Mejor Canción: no se, quizá Time...o With A Little Help...

Hoy en Camino al Rock vamos a apartar la seriedad a un lado y vamos a pasárnoslo bien. De vez en cuando tener un buen rato esta bien, y más si es con buena música.
A mediados de los 60, en los pobres barrios de Jamaica, un joven animaba el ambiente con un estilo fruto de sus fuertes colocones de marijuana. Él se llamaba Robert, Robert Marley y había creado el reggae (y el dub, que es más o menos lo mismo). Promovió el movimiento rastafari, haciendo que todo el pueblo jamaicano siguiera sus pasos, dándole al canutillo, poniéndose rastas y gorritos.
Es increíble lo que un simple habitante de los Caribes, que además era mestizo (tenía familia blanca), pudo conseguir: casi 5 decadas desde su comienzo y todavía sigue vivo su espíritu.
Además su muerte prematura (y además misteriosa) creo aún más admiración por su persona.
Generación tras generación lo han ido honrando, hasta nuestros días.
Me gustaría dedicarle este post a una banda que ya no se le puede considerar promesa, porque para mi ya están consagrados: Easy Star All-Stars. Aquí en España no tienen demasiada reputación, y les nombras y nadie te sabe decir, pero tengo idea que por Latino America tienen bastante más fama.
El grupo a unos puede pareceros una chorrada y a otros unos grandes. Son curiosos, muy curiosos, hacen covers de clásicos del rock, pero no de canciones sueltas no, se lo curran y nos sacan un disco entero. No se puede considerar parodia, sino fusión, la fusión de dos géneros que a primera vista pueden parecer incompatibles, pero que Easy Star nos enseñó que esta chupao combinarlos y hacer de nuevo arte.
Han inventando un nuevo estilo, cada uno que lo llame como quiera, ya que es difícil darle un nombre, a lo mejor reagge-rock progresivo o dub-alternativo, yo estoy abierto a sugerencias.
Bob y Beatles llevaban careras paralelas, ¿pero cuándo se llego a pensar que se fueran a fusionar tras su muerte? xD.

Discografía.
La carrera de Easy Star All-Star comienza con la que es para muchos su obra maestra, The Dub Side Of The Moon, en el que nos tocan el clasicazo de Pink Floyd sin cortarse un pelo, decidieron empezar con algo grande, y pensaron, ¿qué mejor que el disco más vendido del rock progresivo?.
Un debut muy trabajado, aparentemente se tomaron mucho tiempo para prepararlo y grabarlo.
Como curiosidad dejo que en Money en vez de sonar la maquina registradora, suenan tosidos.

Su siguiente curro fue Radiodread, una versión del Ok.Computer de Radiohead, a mi a primera vista me dejó el cuerpo temblando de como casi consiguen el nivel de la original, digo casi porque el de verdad es demasiado... Incluso el cover de Fitter Happier es soberbio.
Si el original era muy deprimente (me refiero al estado de animo, no a la calidad) este es todo lo contrario aún teniendo un toque pesimista.

En 2008 editaron un EP con canciones propias. Puede que sea un poco más flojo que otros, pero sigue la misma linea.
Solo consta de 8 pistas, de las cuales una, es otra vez Radiohead, bajo el nombre de Dubbin Up The Walls. Tiene algún temazo como Like The Stars, un poco más pop, pero resultón.

Y en 2009 volvieron a la carga con nada menos que el Sargento Pimienta y la Banda De Los Corazones Solitarios, ellos le pusieron Easy Star Lonely Hearts Dub Band, que no supera a su dos primeros LPs, pero no deja de ser otro buen álbum, no tengo ninguna pega hacia él, bueno sí, una, puede que sea demasiado largo, pero os aseguro que lo vais a disfrutar muucho.

Formación.
Su formación no la tengo demasiado clara, en Dub Side Of The Moon decían que eran Michael Goldwasser, Victor "Tickla" Axelrod, Patrick Dougher y Victor Rice, pero luego no se supo más y si os fijais en sus canciones trae "feat Luciano" o "feat Dr Israel".
La foto de arriba creo que es de cuando sacaron Radiodread en 2006.

Soft Targets - Earl Greyhound (2006)

2010-09-06T21:15:00.000+02:00

Artista: Earl Greyhound.
Publicación: 2006
Discográfica: Some Records.
Calificación: 9+

¿Mejor disco de Earl Greyhound?: -
Mejor Canción: S.O.S./ 2º Puesto: Monkey.
Canciones: 1. S.O.S./ 2. All Better Now/ 3. It's Over/ 4. Like A Doggy/ 5. Monkey/ 6. Good/ 7. Black and Forth/ 8. Yea I Love You/ 9. Fashion/ 10. Two Weeks/ 11. I'm The One.

Jeje, un título desconocido ¿eh? Aunque la portada diga que sí, esto no es funky.
Puede que ahora de vez en cuando haya alguna teoría de Soyde (a veces con historia) sobre los 2000s, trabajo que empezó en mi reseña de los Doors.
La de hoy va dirigida a todas esas personas que un canal de la tv les quitó la personalidad. Puede parecer complicado según lo lees, pero es muuy sencillo.
Durante muuchos años la gente tenía unos gustos musicales, a unos les gustaba el punk y a otros el funk. Durante muchos años la cosa fue así, pero ya por los años 90 las discográficas convencieron a la MTV (en España a los 40 ~~Criminales~~ Principales) para que pusiera la música que ellos mandaran, y esta empezó a decir lo que molaba y lo que no, pero eso lo explica muy bien Matt en la última entrada de su Blog Irreverente, mas en en época de dicho canal todavía había personas que les apetecían otras músicas que no fueran las que la tele dijera. A principios de los dosmiles aparecieron unos cuantos grupo que tuvieron bastante tirón y que no eran malos (KOL, Artic Monkeys...), pero en la segunda mitad de primera década del último milenio (que lío) no fue la tele americana quien rulaba sino Disney. Disney es muchísimo peor que la MTV, estos últimos recomendaban, y de vez en cuando acertaban, pero los otros crea grupos/cantantes que por salir en una serie ya son lo más. NOOOOO, no son más que prototipos del canal que en cuanto se les vaya la fama no se sabrá más de ellos, he ahí el caso de la Montana, que despareció por que su otra personalidad le robó público (lo se porque me informe, no penséis mal). A Disney le come el ansia viva, y quieren ser tan conocidos como a principios del siglo XX, cuando lo merecían, pero ahora solo quieren audiencia y audiencia.
Entonces es cuando viene la historia. Me encontraba yo en el salón de mi casa dándole a la Stratocaster (sí, de imitación), tocando Cocaine, Back In Black, Sunshine of Your Love etc. y en esto que aparece por la puerta la típica fan de los Jonás y me dice: "ahora toca rock ".
En fin, que mientras las adolescentes adoran a los hermanos esos, nadie se acuerda de un grupo que debuta por aquellos tiempos: Earl Greyhound.
Earl Greyhound es de las pocas bandas que durante los años 2000 se atreve a enseñar al mundo lo que es el rock. Aunque es más bien indie, ya que tienen muchísimas influencias como Hendrix o Lenny Kravitz. También en temas como Good, recuerdan mucho al Californication de los Peppers.
El disco esta tremendamente bueno, saben sacar la vena heavy y también la pastelera, pero no resultan molestos ni muchísimo menos. Si te gustan todas las bandas del estilo Led Zeppelin, este álbum debería gustarte mucho.
Soft Targets está muy bien trabajado y pulido para hablar de un debut de una banda de estos años, melodía comerciales perfectamente combinadas con fuertes instrumentaciones, que en gran parte de los casos son todo lo contrario que la parte vocal.
No solo recuerdan a Zeppelin por sus canciones, si no también por la genialidad de sus músicos. A la guitarra y voz Matt Whyte, el futuro Page, al bajo Kamara Thomas, toca a todos los palos sin cortarse un pelo, y a la batería Christopher Bear, aunque al terminar la grabación lo dejó.
No pongo si es mejor álbum porque como son muy recientes y solo tienen 2 en el mercado, pues todavía les dará tiempo a sacar una gran obra maestra.

No hace falta esperar mucho para llegar al opus magnus, S.O.S., la mejor por muuucho. Matt canta de forma agresiva sobre un ritmo pausado, de heavy metal. Aparece un riff gigante sobre el que Kamara grita sin piedad. Por el 2:50 se convierte en un tema suave, sobre el que se oyen voces sintetizadas, pero vuelve el poder de Earl Greyhound con momentos tan buenos como el del 4:04, que hacen unos coros perfectos. Pero el disco sigue...
...sigue con All Better Now, esta empieza con un intro/estribillo, que aun siendo un caos, es muy pegadizo, este se transforma en un trepidante verso con un bajo rapidísimo al cual se le suma Matt para adentrarnos en un maravilloso solo.
It's Over, primera balada alternativa, lenta y tranquila. Agudos acordes y dos voces a la vez forman un verso dulce que da a unos exquisitos solos. En el minuto 2:06, ¿no es toda una copia de Anthony Kiedis?
Like A Doggy vuelve a reventar el ampli. Empieza con la guitarra llena de delay, Whyte crea un majestuoso riff y canta una melodía sobre las seis cuerdas, rockeras y pesadas.
Llega mi otro preferido, Monkey, una suite de 8 minutos. Abre con un intro robótico, Kamara hace unas back vocals tremendas, y los instrumentos intentan conseguir un sonido noise. Hiela la sangre cuando dice " I'm gonna make you love me, I make you make you monkeyyy", y aparece de nuevo ese riff futurista. Pero también vuelve la copia de RHCP en el 5:50, donde es del todo Can't Stop.
Good, la mejor balada del disco. Al principio Matt intenta imitar a una guitarra acústica, pero se deja de rollos y va a lo suyo. La melodía la parte vocal la pisas y se te queda en el zapato, sobre todo el estribillo, que puede parecer simple "you're good, you're good, you're good" pero ese acompañamiento es perfecto.
Black And Forth otro tema muy noventoso en el que canta la señorita (o señora?) Thomas con gran nivel mientras Christopher revienta los platillos y Whyte hace realmente buenos punteos.
Yeah I Love You, versos de inigualable calidad, pero el estribillo demasiado ruidoso, su único problema ya que el resto de la canción es de gran nivel.
Fashión es un tema grunge, en el que bajo y guitarra hacen un riff al mismo tiempo con una pequeña influencia Blues. Las voces a veces susurran y a veces gritan (si eso no es grunge...), mas siempre de forma deliciosa.
La siguiente es Two Weeks, en la que hacen el "oooh, uuuh, aaah", pero suave también. Canción bastante sintetizada al contrario que otras.
Cierra I'm The One, un tema de ámbito punk, por lo tanto bastante simple, excepto el 2:18, que parece una manada de Mamuts con ese riff con unisonon bends.
Dejo el futuro en sus manos, a ver que les parece.

Queen - Queen (1973)

2010-09-02T15:27:00.001+02:00

Artista: Queen.
Publicación: 1973
Discográfica: EMI/Parlophone.
Calificación: 9

¿Mejor disco de Queen? - No
Mejor Canción - Liar/ 2º Puesto- Great King Rat.
Canciones: 1.Keep Yourself Alive/ 2. Doing Allright/ 3. Great King Rat/ 4. My Fairy King/ 5. Liar/ 6. The Night Comes Down/ 7. Modern Times Rock n' Roll/ 8.Son And Daughter/ 9. Jesus/ 10. The Seven Seas Of Rhye.

Pobrecillos los de Bad Company, como iba a hacer una reseña suya me escuche el ultimo disco de Paul Rodgers con Queen ( Brian May y Roger Taylor!!) y me entraron ganas de revivir este debut, por lo tanto los Company quedan aplazados.
En fin, que hoy tenemos ante nosotros a Queen y su.... ¡¡¡Queen!!! Vamos a barrer la casa travestidos y buscar en todas las tiendas la camiseta de Betty Boo de Freddie y.. y... ¿Estamos tontos o qué? Me gustaría ver a todos los que piensan que la Reina no es mas que un grupo liderado por un bigote parlante ante sus 70s.
Sí, porque yo he llegado a la conclusión (aquí vienen las teorías de Soyde...) de que mucha gente consideran a Queen una banda que solo hizo canciones sueltas en los años 80 y que su primer disco es The Game. Así que me tiro encima de la cama escuchar sus verdaderos incios y el mundo se asusta.
Yo quisiera ver a todos esas personas escuchando este debut, quedarían horrorizados, dirían que esto no es más que un desorden, y lo peor: que donde está la guitarra. Eso también es cierto, gran parte del porcentaje de chavales que empiezan a tocarla es porque vieron que en un videoclip de Lady GaGa hay algo parecido. Por lo menos con el piano comienzas aprendiendo clásica, mas también vi por la TV a muchas adolescentes emocionadas porque los hermanos Jonás en su cuarto disco, compusieron por primera vez con las teclas negras...
Osea, que cada vez que veo como esta ese panorama me tengo que refugiar en el primer álbum de Queen.
Tras la marcha de Tim Staffel de Smile, Brian May y Roger Taylor tuvieron que buscar algún músico, porque si no la cosa no tenía sentido XD, encontraron a Farrock Bomy Bulsara (Freddie Mercury) como vocalista y teclista y a John Deacon para el bajo, una formación mítica, grandes entre grandes.
Consiguieron editar un primer LP como pudieron, y les salió uno de sus mejores trabajos. Siempre que pensamos en esta banda vamos al A Night o al A Day, ambos están geniales, pero nunca nos acordamos de su debut, ese que es el último que nos compramos (yo no) de ellos porque los críticos no cuentan maravillas acerca de él, y que junto a el II e Innuendo, son los más infravalorados de la historia de la reina del rock .
Pues vale, si decidís conseguirlo después de toda su discografía a mi me da igual, sí, me da igual que os estéis perdiendo un debut tan maravilloso.
El heavy metal ya estava inventado entre Led Zepp y Sabbath, pero Queen hizo su metal propio para no quedarse atrás, unos dicen que es el primer disco de Glam Metal y otros que nanai del Paraguay que fue el Man Who Sold The World de Bowie, pero todo eso da igual, a mi lo que me importa es que si el álbum es bueno, y a mi me parece un discazo.
La guitarra de May suena ya sin falta de madurar, ya trabaja en crear su estilo propio en My Fairy King, pero como eso todavía no corría mucha prisa, se conformaba con un Hard Rock claro y directo.
El piano de Freddie, queda aparcado en una esquina para usarlo solo en dos temas. Su voz suena dulce y cañera a la vez, pero algo inmadura, pero poco le faltaba ya para conseguir su inconfundible timbre.

Abre Keep Yourself Alive, con su reconocible riff grave sobre el que suena otro bastante mas complicado. Mercury va cantando los versos con cierta rapidez, y creando melodías pegadicisimas. Brian hace perfectos arreglos, pero Roger Taylor tampoco se queda atrás y nos ofrece un fabuloso solo de batería, seguido del de guitarra con el clásico tridedo.
Doing Allright son los restos de Smile, ya que esta compuesta entre May y Staffel. El piano crea un tranquilo ambiente, al igual que la Red Special en los coros. El bajo, sube el ritmo, pero Freddie baja el volumen, y... PUM! Ruge el ampli, metiéndole caña hasta reventar. Glam para variar un poco.
Llega uno de los mejores: Great King Rat, el heavy intro es sucedido por un segmento con grandisimas influencias arabes. Las seis cuerdas hablan por si solas, usando cantidad de efectos, como el wua-wua. Las partes vocales van desde veloces juegos de palabras hasta inmortales estribillos. Momentazo el del 2:35, con mucha potencia y ganas de rock n rollear. La primera suite rockera del disco.
My Fairy King es la siguiente, es el primer intento de Bohemian Rhapsody, aunque no alcance el nivel de esta, es aceptable. Vuelven las teclas y el innegable talento de Mercury para engancharte a un tema. Lo mejor es el riff de piano del 3:30, en el que Freddie nos deslumbra con su brillo como músico. El problema, es que a la hora de cantar suena algo mal.
Sigue Liar, la mejor del disco sin duda. Roger va transmitiéndonos algo de ritmo y aparece Brian haciendo que la cabeza te de vueltas con tan betial riff. Pero se para, para que Mercury le cuente a su padre que ha pecado, pero le acusan de mentiroso y vuelve el metal con gigantescos coros. Mientras el amigo de los rizos le saca brillo a su Special suenan alarmas durante la canción. Minuto 2:15 flipante con esa pausa guitarril que da a una pequeña improvisación de la batería mientras Federico grita sin piedad, y para fulminar, un fantástico solo de bajo. Difícil superarlo.
The Night Comes Down es el más lento del álbum, aunque tire hacia relleno, es precioso. La voz esta afalsetada y el tema es acústico con un par de arreglos eléctricos. Sencillo pero bonito.
Modern Times Rock n Roll es la peor, intentando hacer punk, sale una rola desordenada y sin sentido.
I Want You dicen los aguidsisimos coros de Queen para avisar de que llega Son and Daughter, que sube el nivel como la espuma. Mastodóntico riff de bajo-guitarra que recuerda mucho a Heartbreaker de Zepp y los versos a Come Together xD. Puro heavy, además la voz intenta adentrarse en ese ámbito.
Jesus un tema con mucha influencia religiosa, gran perfomance de Brian durante toda la canción desde el simple intro hasta ese final tan metalero.
Y cierra Seven Seas Of Rhye tema de piano que en el siguiente disco sería ampliado.

Antes de despedirme, creo que deje claro arriba una cosa, la parte ochentera de Queen es más floja, pero aun así se puede disfrutarse mucho, que por algo son mi banda Nº1. A ver con que os sorprendo ahora...
Saludos.

Los 5 Mejores Guitarristas de la Historia

2010-08-29T16:21:00.000+02:00

Había dicho que iba a caer una reseña de Bad Company, pero es que estrené guitarra y me apeteció dedicárselo, pero en seguida llega Straight Shooter
Hace tiempo que esta programado hacer esta lista. En la primera que hice, Las Mejores Canciones de la Historia, podéis sugerir las que queráis, que yo la subo encantado. Pero en esta voy a poner a los mejores guitarristas con un poco de texto, no solo el nombre enlazado.
Os invito a decirme cuales son los vuestros, aunque en esta no los pondré luego.
Ah, y Carlitos Santana no está porque lo metería en la de rock en español.
¿Preparados? Pues ahí va.

1. Eric Clapton, que atrevido es Soyde, ¿no? Para mi este señor es el mejor of al fucking time. Su desgraciada vida le llevó a buscar consuelo en el instrumento (y algunas sustancias) , y vaya si lo encontró, en Inglaterra había nacido un grande, sus compatriotas escribían "Clapton is God" por las paredes y en América le costó conseguir fama, pero cuando la tuvo, no tenia por que envidiar a los bluesman de dichas tierras. Creció como guitarrista junto con Jeff Beck, Jimi Hendrix, Pete Townshed, George Harrison y Duane Allman (que 5 nombres!), y su trayectoria fue variada. Cuando solo era un Yardbird pasaba desapercibido pero con John Mayall and the Bluesbrakers se ganó el respeto con un peculiar blues como es el de All Your Love, con Cream nos mostró su faceta más cañera creando grandes riffs y solos, Sunshine of Your Love los resume muy bien, en Blind Faith tranquilizó su música e hizo temas muy, muy buenos, es el caso Can't Find My Way Home, bajo el nombre de Derek and the Dominos ya era un guitar hero maduro y con mucha experiencia y creo una de las mejores canciones de la historia, Layla, y en solitario su fuerte eran los conciertos, ofreciendo live versions tan buenas como esta maravilla de Old Love. En fin, que es el amo de las seis cuerdas.

2. Jimi Hendrix, que decir de el amigo Jimi, pensamos en la guitarra y se nos viene a la cabeza las greñas de Hendrix, es para casi todo el mundo el mejor con diferencia, el que se come a Mano Lenta y todos sus amiguitos, pero a mi parecer, es algo monótono y repetitivo, al decir esto no quiero parecer una copia de ese famoso vídeo de Loquendo con esta misma temática. El de Seattle empezó a meter distorsiones, a raíz de estas hacía riffs tan excelentes como el de Fire y solos en los que no hay quien vea sus manos como es el caso de la famosa improvisación de Woodstock, Villanova Juction. Pero a mi lo que mas me gusta de Hendrix son sus canciones limpias como Bold As Love o Castles Made Of Sand, que para mi gusto son en las que todas sus capacidades alcanzan su cumbre.

3. Jimmy Page, al igual que Clatpon, empezó tocando en los Yardbirds, pero acabo en Led Zeppelin, con los que revolucionó la forma de tocar la guitarra, sus grandes influencias de Jimi Hendrix le llevaron a sonidos sucios y descuidados, mezclando el discreto blues Yardbird con el más fuerte hard rock de la Experience, fabricando riffs con mucho cuidado, cuidado para ayudar a acabar de crear el heavy metal. Para mi, se sale en Black Dog, en la cual la velocidad se mezcla con la calidad formando mi tema favorito de Led Zeppelin. Innovó sonidos que nadie se hubiera atrevido, como el arco de violín en Dazed and Cofused y cuando se tranquilizaba nos daba preciosas piezas acústicas como Babe I'm Gonna Leave You.

4. Brian May, el guitarrista de Queen fue al igual que Page y Hendrix una de las personas que renovaron técnicas y se dejaron de tres acordes. Al haber participado en casi todos los estilos musicales, podemos encontrarnos desde hard rock en Keep Yourself Alive hasta rápido trash en Stone Cold Crazy. May también destacó porque a veces usaba tres dedos a la vez con su mano derecha, como pasa en el primer tema que nombré. Otro importante dato es que fue capaz de crear una orquestación con su guitarra, grabando por trozos haciendo himnos del grupo como Procession o God Save The Queen (la versión del vídeo esta en playback porque en directo May solo tiene dos brazos xD) y también perfectas combinaciones con el piano de Freddie Mercury como ocurre en Dead On Two Legs. Es increíble el partido que le podía sacar a su Red Special, guitarra que el mismo fabricó.

5. Stevie Ray Vaughan, es para mi el mejor bluesman blanco, ya que a Clapton no lo considero bluesman. Desde el primer momento que escuché a este tío, la mandíbula me fue cediendo hasta al final dejar mis labios distanciados entre si. Sus grandes dotes como guitarrista los plasma en el gran cover de Hendrix que es Little Wing, en ella nos dice que el hard rock también puede ser lo suyo. Sus largos e imposibles solos se nota que los vive, si seguimos todos sus movimientos veremos el porqué es uno de los más grandes. Pero a mi lo que más respeto me produce de él, es esta versión en directo de May I Have A Talk With You?.

Ahora el mejor de cada estilo:
Rock Progresivo: David Gilmour (Pink Floyd)
Rock Sinfónico y Experimental: Mike Oldfield
Funk Rock: John Frusciante (RHCP)
Grunge: Mike McCready (Pearl Jam)
Duos: Allen Collins y Gary Rossington (Lynyrd Skynyrd)
Blues Clásico: BB King
Retro Rock: Mark Knopfler (Dire Straits)
Metal ( en general, heavy, trhash...) : Kirk Hammet (Metallica)
Rock Sureño - Duane Allman

Saludos del patético de Soyde.

Eagles - Eagles (1972)

2010-08-25T14:27:00.000+02:00

Artista - Eagles.
Publicación - 1972.
Discográfica - Asylum.
Calificación - 9

¿Mejor disco de Eagles? - No
Mejor canción - Take the Devil/ 2º puesto - difícil decisión...
Canciones: 1. Take it Easy/ 2. Witchy Woman/ 3. Chug All Night/4. Most of us Are Sad/ 5. Nightingale/ 6. Train Leave Here This Morning/ 7. Take The Devil/ 8. Earlbird/ 9. Peaceful Easy Feeling/ 10. Tryin'/

Muy buenas a todos, quisiera dar un aviso a todos, le subí medio punto a Bad Company, a lo mejor la retoco un poco más, me acuerdo de todo esto porque mi próxima reseña sera de ellos.
Eagles es una banda complicada a la hora de hablar de ella. El primer punto que lo va demostrando, es su público; para mi Eagles es como su nombre, un águila que vuela sobre el cielo, unos pasan de ella, otros sienten gran fijación hacia el animal, y por lo tanto, cada vez que la ven su mirada se les dispara. Y el resto le prestan sus ojos en alguna ocasión. Este último punto, digamos que piensan que son solo Hotel California o Take it Easy, ya fuera de metafora.
Yo quiero no estar en ninguno de los bandos, y tampoco pretendo meterme con los que no les gustan los Eagles, ya que para gustos hay colores, y no obligo a nadie a que se sumen al club de fans de las Aguilas. Lo único que quiero decir es que tienen mas repertorio que Hotel California, New Kid In Town o Take It Easy.
Pero recuerdo que también dije que hay personas que los adoran sobre todas las cosas, y los sobrevaloran y sobrevaloran. Sí, doy prenda de que siento gran predilección por el grupo, reconozco que son una de las bandas que más me dijeron desde que escuché aquel quinto trabajo de estudio, desde el momento que un solo a dos guitarras pudo conmigo, que en el momento en el que aquel disco se dio un paseo por mis oídos no vuelvo a ser el mismo. Y os preguntareis que qué es lo que hablan de ellos más de lo que deben ¿no?, pues que la banda no da para tanto, son muy buenos pero no es que sean lo mas original del mundo.
¿Qué tocan? Hacen unas perfectas mezclas entre country, folk y rock exquisita, lo que da origen al termino soft rock, mas o menos como el grupo America, una música con un alto nivel de goce. Aunque a veces tocan una rama más clásica, y llegando a componer verdaderas obras maestras.
Todo eso sirve para Eagles banda, pero, ¿para Eagles disco? Me parece un gran trabajo, suenan frescos, recién pescados, se les nota que en este álbum iban a por todas. Se ve que aquí lo que les importaba era sacar un disco y conseguir el titulo de grupo de rock, no como ahora que sacaron un doble cd después de 30 años, y aunque solo lo escuche una vez, no me convence demasiado.
En este debut, a veces caen un poco en la monotonía y es quizá lo que les deja en 9, pero un 9 es una notaza, eh, para ser un primer LP, me convence muchísimo.
Y leerán los títulos y no conocerán ningún tema, pero escuchar los tracks 5, 10 y sobretodo 1 y 9 y ya veréis si lo escuchasteis alguna vez.
Otra cosa del álbum, es que ya empiezan a probar a salir un poco del ámbito unplugged y salen muy favorecidos, en temas como Witchy Woman o Take The Devil.

Abre con Take it Easy, una canción archiconocida, ¿pero cuando no apareció esto por nuestras vidas? Las guitarras acústicas van tocando unos acordes a los que otra, ya enchufable, se le une, dando un ritmo flipante a este track. La melodía es pegadicisisima, y se recalca mucho la ayuda Jackson Browne a la hora de componer esta canción. Comienza muy felizmente el debut.
Sigue Witchy Woman, aquí las guitarras eléctricas llevan la batuta, un poco más oscura que Take it Easy, pero de gran nivel, incluso me la barajé para mejor canción. Durante el verso Glenn Ferry va arpegiando mientras Bernie Leadon va tocando agudisimas notas y Don Henley va cantando al estilo blues y los coros del estribillo le ayudan a crear el sentimiento perfecto.
Chug All Night, mas rocker y menos bluesero, es al principio más oscura con acordes muy próximos entre si, pero en el estribillo se anima más recordándome mucho a Paul Rodgers con ese clasico yeiyeiyeah.
La siguiente es Most of us are Sad, mi baladita preferida. Otro de los grandes temas del álbum, la perfomance vocal de Glenn llega directamente a lo más hondo. Es tierna y heartbraker, me parece que se puede pedir poco más, lo único, y por buscarle un problema, es que es un poco deprimente, pero se perdona, ya que estamos ante un temazo, y también porque...
Nightingale vuelve a darnos la calurosa felicidad eaglesniana. Estamos de nuevo ante otro rápido ritmo con melodías que invaden nuestra cabeza durante días, "nooo nooo I'll never let her go" es que es la leche para darle un poco de humor la vida.
Train Leaves Here This MorningMost of us are Sad, aunque esta no te baja tanto la autoestima. Los coros liderados por Henley se hacen celestiales sobre la voz de Leadon. Aunque no sea tan buena como otras, es buena canción.
El disco se sube a su más alto pico con Take the Devil, la cual me recuerda mucho a David Bowie, por eso de mezclar guitarras acústicas con eléctricas y sacar una mezcla perfecta. Más duro que otros y menos happy, algo siniestro, aquí los coros le dan más caña, y los riffs que hace por el medio, mutados suenan rebien, el lento solo es sublime. Aunque intenten darle la fuerza del rock duro, sigue teniendo un lento ritmo. Para mi es la mejor.
Earlbird, no me convence, me parece un tanto patética, el intro electrónico intenta parecer el piar de unos pájaros, pero da demasiado el pego, las agudas voces en conjunto me parecen un tanto surrealistas y las guitarras intentan acompañar pero se quedan cortas. Lo único rescatable, el banjo.
Peaceful Easy Feeling otro de los famosos, aunque a veces intenta ser una de las tristes baladas, es todo lo contrario, un alegre country. Tranquilo, con partes vocales muy bien calculadas, para seguir con el trabajazo que es este debut.
Cierra Tryin', otro de los cañeros, que no para de sonarme a Bad Company (mira que me acuerdo hoy de ellos), con riffs y voces más agudas. La pena, que es un poco monótono.
Muy bueno, espero que os guste tanto como me gusto a mi. Y mi próxima reseña ya dije en el primer párrafo de quien será.
Saludos de su patético Soyde.

The Rolling Stones - The Rolling Stones (1964)

2010-08-20T14:53:00.000+02:00

Artista -The Rolling Stones
Publicación - 1964
Discográfica - Decca Records (UK)
London Records (U.S.A)
Calificación - 8

¿Mejor álbum de los Rolling? - No
Mejor Canción - I´m a King Bee/ 2º Puesto - Route 66
Canciones - 1.Route 66/ 2. I Just Wanna Make Love To You/ 3. Honest I Do/ 4. Mona (I Need You Baby)/ 5. Now I´ve Got a Witness/ 6. Little by Little/ 7. I´m a King Bee/ 8. Carol/ 9. Tell me (You´re Coming Back)/ 10. Can I Get a Witness/ 11. You Can Make It if you Try/ 12. Walking the Dog.

Aquí vuelvo con otra reseña para vosotros. Esta es la Nº 15.
Doy por hecho que todos conocéis a este grupo. ¿Quién no ha oído hablar Sus Satánicas Majestades?. ¿Quién no ha visto nunca la boca rollinga?. ¿Quién no ha oido Satisfacction, Paint it Black o Sart Me Up? Siempre fueron una fuerte competencia para los Beatles, los dos llevaban carreras muy paralelas e e iban evolucionando a una velocidad considerada. Ambos empezaron con música de la epoca que poco a poco se convertiría en el más puro rock. Como siempre, el querido público de Camino al Rock puede comentar a quien prefiere.
A finales de los años 40 el blues tuvo dos hijos, el rock n roll y el rhythm & blues. Era el estilo del momento, el que hacía bailar a todo el mundo. Aparecieron grandes músicos que exponían todas sus virtudes al mundo. En la década de los 50 alcanzaron su cumbre de popularidad. Pero en los 60, perdió algo de frescura, ¿por qué?, fácil. Porque vieron la luz nuevos grupos que empezarían tocando esa música, pero rápidamente alcanzarían un respetable punto de madurez, en el cual innovarían el panorama creando lo que nadie se esperaba, dejando que por fin el rock pudiera darse a conocer.
Una de las bandas más importantes fueron los Rolling Stones. Parecían unos chavales tranquilos, pero se convertirían en unos chicos rebeldes (cosa que no solo les sucedió a ellos). A mi me llegaron como tantos otros grupos; harto de ver lo bien que se hablaba de los Stones, me puse a escucharlos, y obtuve un satisfactorio resultado. Aunque con el tiempo se fueron degenerando y haciendo discos tan malos como el Dirty Work, son de los pocos que hoy en día pueden decirnos: "Inventamos el rock", esto no solo lo tienen que parlotear las Piedras Rodantes, también los Who, Fab Four, Hendrix, Zeppelin o Doors, aunque algunos ya estén bajo tierra. Y en mi humilde opinión, deberíamos tener un respeto a estos yayos, aunque ya tengan más arrugas que años, seguirán siendo de los más grandes.
Mick Jagger y Keith Ritchards, antiguos compañeros de colegio, se reencuentran en una parada de metro. Mick tocaba en un grupo con Dick Taylor, al que Keith se unió. Mientras, un tal Brian Jones, llegó a Londres, y puso un anuncio en un periódico para formar una banda. Le respondieron Greoff Bradford y Ian Stewart. Estos, dieron un concierto que les gusto a Jagger y a Richards, y al acabar, se pusieron a hablar y acabarían formando una banda entre todos. Pero Dick y Greoff se fueron, pero encontrarían a Bill Wyman y a Charlie Watts.
Liante historia ¿no? Bueno, pues con esa formación editaron su primer trabajo. Un álbum, que personalmente es un goce el escucharlo, se que no es para nada una obra maestra, y el 8 que le puse de calificación podría ser un 7.5 sin problemas, pero es muy entretenido, bailable, su duración es la justa para estos discos de r & b, media hora y vas que chutas. Pero yo quisiera dejar claro una cosa, los trabajos de blues y todos esos estilos son para disfrutarlos, no para ir buscando con lupa error por error, yo creo que no hay que decir "es que esa canción solo tiene tres acordes y no tiene casi guitarra" (lo digo con voz irónica) ¿por qué?, porque están tocando canciones de finales de los 40 y 50s, ¿como quieres meter mucho instrumentación cuando todavía se dudaba que do fuera do y re fuera re?. Y lo de los tres acordes es normal, el blues más clásico solo se compone de tres acordes que se van alternando en vueltas de doce compases. Las que pongo malas es que no me gustan, no que les falte un instrumento. Pues es recomendable, para sentirlo en la piel.

Abre con Route 66, que es mi segunda preferida. El riff que abre va variando frase a frase, creando un gran acompañamiento para una canción de gran nivel. Y para mi gusto la canción se sale cuando Mick dice "Well goes from St. Louie, Louie down to Missouri", en el cual todos dejan solo a Jagger hasta que Wyman aparece de nuevo con el bajo. No se podría abrir de mejor forma.
Sigue otro temazo, I Just Wanna Love To You, en este distorsionan la voz para que parezca más negra. Los lujos son incesantes en esta canción, la armónica, no para mientras la guitarra, creo que de Keith, es toda una proeza.
Honest I Do no me gusta mucho, los arreglos de guitarra son lo que no me agradan, me resultan un poco molestos y no encajan. Personalmente, es un paso atrás con respecto a los dos anteriores temas.
Pero llega Mona (I Need you Baby) para arreglar las cosas. El ritmo de la batería es lo más importante de la canción, ese PUM-PUM-PUM- PUMPUM casa perfectamente con la guitarra cargada de trémolo y vibración. ¿Para qué ir a la jungla mientras suene este track?
Now I´ve Got a Witness es una pieza instrumental, en la que el riff inicial de órgano va juntándose con una gran armónica a la que se le suma un magnífico solo de guitarra. Los Stones también lucen sin voz, he aquí la prueba.
El disco continúa con Little By Little, en el que el intro parece un poco siniestro, pero deben ser solo imaginaciones mías, porque es una buena canción en la que guitarra brilla con luz propia, con esplendidos solos de guitarra.
Y con I´m a King Bee se encumbra en lo más alto, que la voz parece lenta pero el ritmo es trepidante. Lo que más la caracteriza es el slide que realza el bajo durante la canción. La melodía es pegajosa, y es toda una joya olvidada, así como el disco. Hay gente que no disfruta de este blues en mi, pero a mi me parece lo mejor del álbum.
Y oyes el riff de Carol y sabes que es de Cuck Berry, las guitarras suenan alcanzando el puro nivel de la original. Si pudisteis aguantar las ganas de bailar, en este tema ya tendrás que darle al rock n roll.
Tell Me (You´re Coming Back), es el único tema del álbum que no es un cover, así que podríamos decir que este es el inicio de Jagger y Richards como compositores. El tema es una baladita acustica, dulce y melódica. El estribillo se pega cual pegamento en papel. Si esta es la primera composición de los Rolling, ya sabemos porque se hicieron tan grandes.
Sigue Can I Get Witness, con el mítico riff de piano que no te deja ni respirar. La parte vocal es acompañada por unos coros, que al principio son un tanto surrealistas pero en otras partes son algo mejores.
You Can Make It If You Try, que para dos minutos que dura, se hace algo pesada, ademas Jagger no canta también como en otras rolas.
Y cierra Walkin' The Dog, otra olvidada canción pasada por alto, se pasa entera punteada. A la vez, el pegadizo estribillo es terminado con silbidos. A mi me parece rebuena e infravalorada.
Buen disco, sin más, buenas versiones y un debut bastante decente. Ahora toca Eagles.

Daydream Nation - Sonic Youth (1988)

2010-08-15T15:21:00.001+02:00

Artista - Sonic Youth.
Publicación - 1988
Discógrafica - Geffen Records.
Calificación - 10

¿Mejor disco de Sonic Youth? - Sí
Mejor canción - pufff Teenage Riot o Eric's Trip.
Canciones - 1.Teenage Riot/2. Silver Rocket/ 3. The Sprawl/ 4.'Cross The Beeze/ 5. Eric's Trip/ 6. Total Crash/ 7.Hey Joni/ 8. Providence/ 9. Candle/ 10. Rain King/ 11. Kissability/ 12. Trilogy (The Wonder, Hyperstation y Eliminator Jr.)

Sin más vamos a volver con artistas internacionales y más conocidos.
Hoy tenemos ante nosotros un discazo, de lo mejor que podremos ver en muuucho tiempo.
Como siempre, voy a empezar haciendo una pequeña revisión al estado de la música por aquel entonces. Eran los años 80, los desastrosos años 80. Grupos del progresivo se comercializaban haciendo discos que... que bueno... El pop, techno y el disco ruleaban, llevaban las riendas de la música. Parecía que lo único que importaba era que se vendieran truños redondos.
Al igual que en España, los Extremo, Platero y algunos buenos de la movida fueron los salvadores, a nivel mundial, los grupos alternativos/noise y los heavys consiguieron llevarse algo de merecida atención.
El alternativo/ noise nos incumbe mas hoy. Eran un rock diferente, yo siempre lo llame progresivo moderno (aunque creo que eso ya existe). El progresivo setentero le quitó importancia al rock n roll, el alternativo de los 80 dijo adiós a tabacos (malo pero adiptivo) comerciales. Y todo eso sin molestar al Heavy Metal.
Hoy vamos a centrarnos en un grupo llamado Sonic Youth. De ellos solo conocía el nombre y su pinta emo. Había pasado olímpicamente de ellos. Hasta que empezaron a recomendarme este disco. Yo cedí, y a los dos días o algo así me lo pille baratico. Empecé a escucharlo y pensé: "pero tío, ¿que me recomienda la gente?" o " y luego dicen del Metal Machine Musc". Si supieran lo que hoy día me arrepiento de haber pensado todo eso...
El disco es como su portada. Rara, al principio cutre, pero con el paso del tiempo se te hace una obra maestra. Difuminada y distorsionada, parece simple pero es complicada. Y con el paso del tiempo la incandescente llama te acaba atrapando en la Nación de Ensueño de la Juventud Sonica, (es decir, el Daydream Nation de Sonic Youth).
Vamos que es uno de los mejores discos, no solo de los ochenta, si no de la historia. Cargado de ruidos que, empiezan siendo insoportables, pero en realidad son los sonidos del Noise Rock. Este es un estilo, pero también podríamos decir Rock Alternativo, New Prog, Rock Experimental o Pre-Indie Rock. Una obra de lo más complejo en la que no paras, desde su primer track hasta el último.0 canciones malas. Sus 70 minutos se te pasan volando. Es un disco que pocas veces se repetirá.
Además aquí Sonic Youth por fin dio con el sonido que quería, el ya nombrado Noise Rock.
Y otra cosa, no tienen un cantante fijo, y cada uno le da un toque muy especial a la suya, las de Lee Ranaldo son más espaciales, y además mis preferidas. Las de Thruston Moore tienen un toque más emo y con partes vocales más con un poco más de importancia. Y las de Kim Gordom son las más fuertes, a excepción de The Sprawl. Pondré entre paréntesis el nombre en cada canción.

Abre con Teen Age Riot (Moore), para mi, es de las dos mejores. Empieza suave y de forma limpia mientras Kim susurra "You're it, no you're ir" y "Spirit Desire, will will far". Y aparece una guitarra eléctrica que empieza a animarla un poco mientras Thuston hace una buena melodía acompañada de forma sublime. Esta canción significo mi inicio con Sonic Youth, porque de esta era de la que mejor me hablaban y tuve que escucharla, y quedé muy satisfecho.
Sigue otro clasicazo Silver Rocket (Moore), de las más cañeras. En este tema desafinan las guitarras para que suene diferente. Totalmente distorsionada, Moore canta practicamente rapeando. A partir del minuto 1:30, aparecen por primera vez los "ruiditos" que caracterizan a Sonic Youth.
The Sprawl (Kim) es un tema más suave, totalmente experimental, Kim canta casi recitando sus letras. Contiene largas partes instrumentales muy tranquilas, en las cuales improvisan con sus guitarras.
Temazo el de 'Cross the Beeze (Kim), parecían muy relajantes sus primeros segundos. Pero otra guitarra nos dice que si la señorita Gordom canta, debe ser cañera. Esta vocifera con toda su fuerza el "I wana know, if I stay or go!". Empezó siendo una de mis preferidas, pero el premio se lo llevó...
Eric's Trip (Ranaldo), mi favorita de todo el álbum. Sonidos surrealistas, que acompañan a una perfecta parte vocal, que es de las pocas que traduje un poco, quiere decir algo así como que, aunque nosotros estemos perfectamente, también hay gente que no lo pasa muy bien, así que Eric se va de viaje y descubre como anda el mundo fuera de "él", pero no os fiéis de mi mal ingles. Ni yo me creía que una canción tan rara me gustara tanto.
Total Crash (Moore) es una canción con una melodía muy pegadiza y comercial. Las guitaras que suenan durante la parte vocal tienen bastante ritmo. Lo único que le encuentro es que los ruidos duran 4 minutos, y a mi me parece que 2 es más que suficiente.
La siguiente es Hey Joni (Ranaldo), también de Lee, que para mi son todas unas joyas. Esta suena un poco más sintetizada que Eric's Trip, y la parte cantada es más alegre (sin pasarse, Soyde...). Sigue sonando como si fuera de otro planeta.
Me encanta Providence, tan simple y tan complicada, todo a la vez. Una pequeña bruma suena, sobre ella un piano te va partiendo el corazón. No se lo que dice el que habla al final, pero me recuerda a eso que tanto se ve en las pelis, que acaba la guerra y tu estás totalmente magullado, ves los cuerpos ensangrentados tendidos sobre la arena mientras las olas los mueven, también te das cuenta de que bajo la fría lluvia, Tom Hanks está muriendo, ay no! eso era Salvar al Soldado Ryan xD.
Candle (Moore), es más lento. El intro arpegiado es bastante dulce. Se me pegó el "I'm the Croker". No se como, pero su solo es la leche, los agudos noises son de lo mejor. Es algo más sencilla, pero funciona.
Rain King (Ranaldo), esta lluvia de reyes es de lo mejor, caótica con el característico sonido que Lee daba a Sonic Youth. Sus efectos te transportan a un campo de batalla, en la que parece que tú estas en el medio y va a estallar.
Kissability (Kim) me dejo en ascuas tras su acorde inicial, que parece que te avisa de un temazo, pero se me hace algo monótono, pero sin ser malo, ya que Daydream Nation no tiene de eso.
Cierra Trilogy (Moore y Kim), divida en tres partes. La primera es The Wonder, con el pegajoso "I just walking around". Es la que menos me gusto de las tres partes. Buenisima la segunda parte, Hyperstation, con la melodía tan pesimista pero tan resultona, te lleva al mundo de la magia oscura. Es mi preferida de las tres. La parte z es Eliminator Jr, según mi corto entendimiento musical, esto es heavy metal, por supuesto perfomanced by Kim Gordom (que frase ...), en el que ella saca su vena más agresiva con uno de los mejores riffs que hemos visto ha lo largo del álbum.
Una obra maestra. Perdonad que no me haya explayado mucho en el canción por canción, es que tengo prisa. Ahora Rolling Stones . Ah, y aplazo el grunge.
Saludos de su patetico Soyde.

Rock Transgresivo - Extremoduro (1994)

2010-08-11T18:03:00.001+02:00

Artista - Extremoduro
Publicación - en realidad 89', esto es la reedición del 94.
Discográfica - Avispa (89') DRO (94')
Calificación - 8.5

¿Mejor disco de Extremoduro? - No
Mejor canción - Jesucristo García/ 2º puesto - Decidí.
Canciones - 1. Extremaydura/ 2. Emparedado/3. Decidí/ 4. Romperás/ 5. Adiós abanico, que llegó el aire/ 6. Arrebato/ 7. Jesucristo García/ 8. La Hoguera/ 9. Te Juzgarán Solo Por Tus Errores (Yo no)/ 10. Caballero Andante (no me dejéis asíiii)

Muy buenas a todos. Voy a hacer el siguiente de imprescindibles del rock & ñ y ya me voy a lo internacional. Ah, echaros unas risas con la portada trasera. Pinchar aquí para verla.
Analicemos como estaba el panorama por aquel entonces. Ya había pasado la movida madrileña, y el rock de España había quedado incoherente. Me explico, habían surgido grupos tan buenos como Leño o Los Suaves, pero a los que se les rendía culto era a truños como Ska-P o Alaska (no la soporto!). Así que como después de eso no saliera un grupo más malo que los que acabo de nombrar, con letras tontas, instrumentaciones mediocres, melodías pegajosas y una imagen que vendiera, como unos pelos a lo Tokio Hotel o unos calzoncillos en la cabeza, cualquier chorrada valdría para llevarse unos cuantos milloncetes al bolsillo por hacer mala música.
Por suerte en los 90s llegaron los dos grupos de la salvación, Platero y Tú y Extremoduro. Extremoduro es del que hoy vamos a hablar. Ambos hicieron que en nuestro país se siguiera a los grupos más buenos. Pero aun así, la gente ya se había acostumbrado a prestar su oreja a mala música. Por lo tanto, esos dos grupos están, dentro de lo que cabe, infravalorados. Digo dentro de lo que cabe porque también tienen canciones sobrevaloradas como So Payaso o Hay Poco Rock n Roll.
Vamos a meternos en el confesionario, ya que tengo algo que deciros. Como ya sabréis, mis grupos favoritos los clasifico en dos grupo, internacionales y nacionales. Y Extremoduro se lleva el premio de banda en mi lengua. Al principio, no les dediqué tanto tiempo, pero con le paso de los años, me convertí en un gran fan.
Los Extremo tocan rock urbano, pero ellos se definen como rock transgresivo. Se entiende rápidamente, rock duro sin pelos en la lengua. Solo Robe podría permitirse decirnos que venzamos a la locura a la vez que se mete con la Iglesia (Jesucristo García).
Ah!, Robe, Roberto Iniesta, alias "El Rey de Extremadura". El líder de la banda, un tipo que no se corta a la hora de decir algo. Capaz de decir: " si el alcalde no quiere que toquemos, le metemos un tiro y seguimos", así acabó, que hasta trece años después no volvió a tocar a su pueblo. Durante mucho tiempo estuvo metido del todo en el tema de las drogas (escuchar Deltoya, Necesito Drogas y Amor, Pepe Botika o Tu Corazón), aunque creo haber oído que lo dejó, pero nunca se sabe con el Robe. Amante de la poesía, y además es poeta también (no todo es Golfa...), teniendo canciones en este disco que lo único que le importa es la letra.
El disco del que vamos a hablar no es exactamente del 1994, es del 1989 bajo el nombre de Tu en tu Casa Nosotros en la Hoguera, pero tan mala calidad tenía que lo tuvieron que reeditar en el 94'. Como dijo el Robe "muchas prisas y pocos medios". Con todo esto estoy totalmente de acuerdo.
Pues este disco que define su estilo, para ser el "debut" está bastante bien, pero tiene un problema, tiene canciones buenísimas, buenas sin más, regulares y malas. Por lo tanto cuando uno acaba de escucharlo, se queda aturdido, pero con un buen saber de boca. Tiene momentos en que dices " esto es una obra maestra" aunque a veces cambia un poco. Pero este desde luego, es el más Transgresivo de su carrera. La nota media me parece justa. Desde luego es mejor que el del 89', que suena bastante mal...

Abre con Extremaydura, una crítica a su provincia. La cual empieza con una parte folclórica con el "desde que tú no me quieres, yo quiero a los animales". Pero de repente entra una guitarra con un buen riff y nos toca un espectacular solo. Con una pegajosa melodía durante toda la canción. En general es buena, no está en rojo por la parte inicial.
Sigue Emparedado, que también empieza con una parte más tradicional pero esto solo dura 15 segundos, porque en seguida entra los verdaderos Extremo. En el estribillo juega bastante con las palabras "o no lo entiendo o lo entiendo demasiado, o tengo todo o todo se me va".
Llega una de mis preferidas, Decidí, la canción del inmortal " va subir la marea y se lo va llevar todo", aunque me sobre algún arreglo, es todo un temazo. Con una de las mejores letras del disco. Tema que por lo general, es sencillo, solo requintos pero es que me puede, y para mi, es la segunda mejor.
Otro muy bueno es Romperás, con un buen riff más agudo y medio mutado. El pegadicisimo estribillo se me adhirió a mi durante mucho tiempo. Canción con mucho ritmo y que desgraciadamente esta infravalorada.
Pero baja el nivel con Adiós Abanico, Que Llegó el Aire, de los tres temas acústicos, que no son más que una poesía instrumentada, pero no me gusta (la poesía sí). En está, a veces, a ver como lo diría, se le va la mandíbula al cantar y el "cada día me gusta un poco más" se acaba repitiendo mucho.
Arrebato, que temazo más bueno y más olvidado, que gran riff, y que parte vocal más buena con la parte de la guitarra bordada durante toda la canción, sobre todo cuando Robe dice "fue por ti, por tu luz, el día en que te conocí", PERO QUE RIFF!!, es de lo mejor de todo el álbum.
Pero jaja cuando creías que ya lo habías visto todo, llega, tata tatachán, JESUCRISTO GARCÍA, alucinante desde ese intro siniestro con el sublime punteo mientras Robe dice "a mi no vienen a verme los enfermos, a mi viene a verme la gente sana, y yo los pongo a todos ciegos". Partes instrumentales que rozan la perfección, con órgano de fondo. Guitarras incesantes que se mezclan con eternas melodías como son "soy Evaristo el rey de la baraja, vivo entre rejas, antes era chapista". El estribillo, que dice "cuanto más necesito para ser Dios?", lo tuvieron que cambiar en los conciertos por cuanto más necesito para ser yo. Wow, el segundo verso acompañado de forma maravillosa ya fulmina la canción. La letra al principio me parecía idiota, pero tiene su mensaje. Y termina con el "resucité al tercer día, en el psiquiátrico".
Sigue otro bastante bueno, La Hoguera, la del estribillo que dio titulo al primer trabajo. Raramente encontré un piano en esta canción, que combina bien con las pesadas guitarras durante el "tu que estás en casa metido en la nevera". Otro de mis preferidos.
Otro de esos tres temas más malos, aunque este me gusta más, Te Juzgarán Solo Por Tus Errores (Yo No). Está algo mejor que otros, pero me siguen sobrando esas locas voces de fondo.
Y cierra con el que menos me gusta Caballero Andante (No me dejéis asíííí) Que te deja el cuerpo raro. La letra se sale, pero no me gusta.
No es malo, pero Extremo dan más de si. Bueno y ahora nada más ni nada menos que el Daydream Nation de Sonic Youth. Para este voy a tardar un poco más en subirlo.
Saludos de su patético Soyde.

Leño - Leño (1979)

2010-08-08T11:46:00.001+02:00

Artista - Leño.
Publicación - 1979.
Discográfica - Chapa/Zafiro
Calificación - 10

¿Mejor álbum de Leño? - SI
Mejor canción - Este Madrid/ 2º puesto - El Tren.
Canciones - 1. Castigo/ 2. El Oportunista/ 3. El Tren/ 4. Este Madrid/ 5. La Nana/ 6. Sodoma y Chabola/ 7. Se Acabo.
Antes de empezar, ya que hoy hablo de Leño, deciros que en cuanto pueda reseñaré el último disco de Rosendo.
A lo que vamos, voy a hacer dos o tres posts de rock en ñ, y hoy empezamos con Leño.
El rock de nuestro país ha pasado bastante desapercibido, y no tendría por qué teniendo grupos de este nivel. Los más importantes en españa fueron los de la movida, grupos poppys, muchos patéticos (ska.p) y otros algo mejores. También hubo bandas que eran de la época, pero el éstilo era diferente, como Asfalto, Los Suaves, Obús, Ñu o quien hoy nos incumbe. Y yo me quedo con esos grupos.
En mi humilde opinión, los pioneros del rock nacional fueron los antes nombrados Asfalto, Bloque, Triana, Baron Rojo y los que hoy vamos a reseñar: LEÑO.
Yo empecé a escucharlos por el En Directo que me regalaron, que por cierto es de los mejores lives que he escuchado. Son un grupo con alto nivel, que desgraciadamente se separaron como dijo Rosendo " por ser unos profetas de no se que". Este al cual acabo de nombrar, Rosendo Mercado, era su inconfundible líder. Poca gente no conoce a Rosendo, a su peculiar voz se la distingue en todos lados y su imagen tampoco es fácil de olvidar, 56 años con las greñas sin peinar/lavar y el pendiente para rematar. Es un tío más que respetable, con sentido del humor e incansable. Así se ganó el titulo de mayor representante de su grupo.
Bueno, el estilo no es más que un puro rock, rock urbano y garaje rock, pero eso este disco, en los siguientes alcanzaron un sonido más pop. El segundo me decepcionó un poco y el Corre Corre está un poco mejor. Les ocurrió algo parecido a lo de todos los grupos de rock progresivo, entraron en los 80 y a comercializarse. Además estos con la movida de fondo...
Pues Leño aparece tras una riña de Rosen con sus antiguos compañeros de otro gran grupo, Ñu, los cuales antes de un concierto empezaron a discutir y Mercado dijo "chico, hasta aquí hemos llegado". Este se fue y formo un nuevo conjunto (y no de fútbol o de ropa), al que le puso de nombre Leño, porque cuando el Molina (líder de Ñu) componía, Rosendo decía "esas canciones son un leño". Chiqui Mariscal se fue con él, y acudió Ramiro Penas, batería de Coz, hoy conocidos como Barón Rojo. Tocaron con Asfalto de teloneros y grabaron su primer disco.
Disco del cual hoy voy a hablar. No os engañe esa portada tan cutre y mala, estamos ante la obra maestra de Leño. Un disco con un sonido muy parecido al de Black Sabbath y Deep Purple. No hay quien pare, solo tiene canciones buenas, ninguna mala, te tocan desde un tema clásico hasta uno heavy, pasando por una nana. La guitarra suena en su mejor momento, ni siquiera en solitario la tocó tan bien, riffs alucinantes y perfectos acompañamientos. No puedo decir nada en su contra, me cautivó desde el primer momento. Podía haber subido su reseña el mismo día que la última, pero quise disfrutar este tremendo álbum.

Abre con Castigo, uno de los mejores, el intro es muy extraño, con raras distorsiones y efectos. Pero al momento empieza la guitarra a mostrarnos de lo que es capaz. Dura 10 minutos, pero no se te hace cansino, esta bien calculado, ninguna parte sobra, es una pequeña gran suite, con varias partes. Es casi instrumental, la parte en la que canta lo hace con mucha fuerza y con un sublime acompañamiento. Temazo!
Sigue El Oportunista, es la que menos me convenció. ¿Alguien sabe a que me suena el principio ? Muy agresiva, ritmo rápido sin cortarse, mientras Rosendo canta a la vez que puntea sin quedar mal. Aunque no me guste tanto, muestra al gran Mercado.
De mis preferidas es El Tren, posiblemente el mejor riff de todo el disco. Al principio era mi preferida. Todo un himno al LSD, escuchen frases como: " su dulce chimenea te puede dar algo que hace tiempo buscas tú" o "si controlas tu viaje serás feliz". La parte que más me impresiono fue la el solo, en la que hacía las dos guitarras, quiero decir, tanto cambiaba de agudos a riff. Sin duda una gran canción.
Me quedo con Este Madrid, la crítica a la capital. Muy oscura, mas jebi que otras, gran intro, en el cual ya hace 4 o 5 riffs, cada uno mejor que el otro. El abrasante ritmo que predomina durante todo el tema, te hace meterte del todo en la canción. Raramente es pegadizo su estribillo "es una mierda, este Madriiiid, que ni las ratas pueden! vivir!!" Se convirtió en mi favorito, y es un temazo para tocarlo con la guitarra.
La Nana, como su nombre indica es una nana, que siiii. Con un ambiente de rock progresivo, con los melotrones, mientras Chiqui canta ese"na na na na na na na", no tiene más letra que eso. Totalmente dulce y conmovedor. Pero Rosendo también quiere tocar la guitarra, así que mete una acústica que rápidamente cambia por una eléctrica, haciendo partes instrumentales muy buenas, y riffs inolvidables. No intenten decir que es mala, porque no lo es.
Sodoma y Chabola, recupera la potencia de Leño. A mi el minuto 00:54 me parece un poco funky, va en gustos. Se me pasa muy rápido el tema, eso es porque es muy bueno. La melodía a su más puro estilo, se me quedó.
Y cierra Se Acabo, un tema más bien clásico, con guitarra española, tocado de forma excelente, transportándote al Medioevo. Esta al contrario que la anterior, se me hace larga.
Pues eso, conseguirlo como sea, no tiene desperdicio. Y ahora toca Extremoduro. Os dejo una frase de su líder relacionada con Leño:
"El rock español consta de dos partes: antes y después de Rosendo" (Robe Iniesta)

High Voltage - AC/DC (1976)

2010-08-04T21:11:00.000+02:00

Artista- AC/DC.
Publicación - 1976
Discográfica - ATCO Records.
Calificación - 9

¿Mejor disco de AC/DC? - No
Mejor canción - T.N.T/ 2º Puesto - Rock n Roll Singer
Canciones - 1. Its a Long Way to the Top( if you wanna rock n roll) 2. Rock n Roll Singer/ 3. The Jack/ 4. Live Wire/ 5.T.N.T/ 6. Can I Sit Next To You Girl/ 7. Little Lover/8. She's Got Balls/ 9. High Voltage.

Pues hala, como ya dije, hay que meterle caña al blog, la necesita. Y me tuve que decidir entre AC/DC o Metallica, y me quedé con los primeros.
Pues AC/DC es uno de los grupos más importantes que hemos tenido y que hoy día siguen rokeando como el primero. Nunca perdieron las ganas de decirnos lo que es el rock n roll.
Por aquellos tiempos empezaba la corriente metalera con Black Sabbath al frente ya con el Paranoid hecho. El metal le dio una patada a todo grupo "suave" y decidió revolucionar el panorama. ¿Cómo? Muy fácil, se dejaron de rollos de cantautores y cogieron un par de guitarras eléctricas y PUM a hacer temblar el planeta.
Pues unos rebeles australianos quisieron hacer rock y heavy metal, no se quedaron cortos sino que llegarón a hacer a uno (el más) de los más importantes grupos del hard rock. La receta era blues y rock n roll condimentado con agudos gritos y una machacante y todo esto batido a buen ritmo. ¿Saben por donde voy, verdad?Lo explicaré con más paciencia jaja. AC/DC son reconocibles en cualquier lugar por muchas cosas. Una es los inigualables riffs que tienen en todas sus canciones. Otra son sus dos cantantes, tanto Bon Scott como Brian Johnson, ambos cantaban con agudos gritos (sobretodo Brian). También por los atuendos de Angus Young; va vestido de colegial.
Consiguieron éxito a gran escala y bastante rápido. Convirtiéndionse hoy día en el segundo grupo con más fondos (detrás de U2), aunque creo que esos datos son de el último año.
Y voy a atreverme con una de mis teorías. AC/DC es el símbolo, logotipo, representante y portavoz del rock. Sí. Ahora es cuando me dicen ¿Y los Beatles? ¿Y los Rolling? Ambos son muy conocidos pero hay muchisima gente que no sabe quienes son. Pero tu pregúntale a cualquier persona que quien es AC/DC aunque en la vida hayan escuchado algo de ellos, saben decirte que son un grupo de rock. Normalmente el que conoce a los Fab Four o a los Stones, es que los tiene ecsuchados o por lo menos dos o tres canciones. Pero a eisi/disi no conocen ninguna canción pero te los ubican rápidamente. Seguramente ahora la gente que sabía quienes eran pero no los había escuchado, se pongan a ello porque hicieron la banda sonora de Iron Man 2, igual que paso con Jackson al morir. AC/DC es una banda que te hace sentir el rock, que te hace berrear cualquiera de sus canciones o imitar a Angus Young mientras tiemblas con los riffs del Back In Black. No son para decir "son aburridos y monotonos", sino para hacerte ver que hay que vivir el rock n roll. Pero tampoco hay que decir que Little Lover es lenta y por eso ya no es buena.
Pues eran tres hermanos australianos, George, Malcom y Angus. George aprendió a guitarrear y les enseñó a sus hermanitos. Este, acabaría tocando en un grupo llamado The Easybeats. Malcolm crearía otra llamada Velvet Underground. Tuvieron que cambiar el nombre, imagino que sabrán por qué jajaj. Se separaron y los dos hermanos pequeños formaron su grupo propio, AC/DC. Su primer cantante, Dave Evans, lo tuvieron que echar, ya que no cuadraba con la imagen del grupo, y un tío llamado Bon Scott, se llevó la plaza vacante. Sacaron dos discos en Australia para probar. Como tuvieron éxito se atrevieron a sacar uno ya a nivel internacional, con temas de los dos anteriores. El cual hoy vamos a reseñar. Pero antes dos cosas.
Algo que siempre me sorprendió mucho en el grupo, es que la principal imagen era su guitarrista. Normalmente el representante de una banda era su cantante.
Y la otra cosilla, animó al querido publico de este humilde blog, que comente abajo con que etapa de AC/DC se quedan, con Bon Scott o con Brian Johnson.
Y ahora el High Voltage. Es un discazo. De mis preferidos de la primera etapa. Muy infravalorado, tiene canciones que han pasado muy desapercibidas, como Rock n Roll Singer o Live Wire. Un álbum imprescindibles en los coleccionistas de rock. Te hará vibrar. No es lo mejor, pero se acerca . Me gustó desde el primer momento, siempre lo puse a todo volumen y siempre acababa cantando el High Voltage. Un 9 muy merecido tiene pocos rellenos y temas de un alto nivel. Sin más rodeos me voy con las canciones.

Abre con I'ts a Long Way to The Top (if you wanna rock n roll). La más famosa del disco, el intro a dos guitarras va preparando el cuerpo, rápidamente se suma Bon con una buena melodía cargada de eco. En el estribillo las guitarras alargan los acordes para crear la tensión necesaria que es llegar a un solo de gaitas, si han leído bien, gaitas, a las cuales la guitarra de Angus se suma encima del otro. El álbum habre como mandan los cánones.
Sigue Rock n Roll Singer que personalmente es la segunda mejor ya que cada vez que la escucho me quedo aun más sorprendido. Encaja en el álbum siendo a la vez un poco diferente, ¿diferencias? si ir más lejos, se atreve con buen punteo al principio y también tiene una textura un poco más oscura. El estribillo se me quedo grabado como con el nero (no se hacer buenos chistes jajajaj), "Gonna be a rock n roll singer, gonna be a rock n roll star!" Nunca dejará de emocionarme cuando en mi equipo de música entra la pista 2.
La tercera canción es The Jack genial blues, con un ritmo muy muy machacón, con la gran guitarra acedeciana en cada paso, acompañando de forma continua creando el ambiente bluesero de acdc.
Otra que se sale un poco del contesto es Live Wire. Raramente empieza con un riff de bajo, que poco a poco entra la guitarra hasta que llega un eisi disi más suave y tranquilo. Me resultó muy penetrante la voz de Bon Scott durante toda el tema, sobretodo cuando empieza, aunque no entiendas un pijo de lo que esté diciendo te hace reflexionar. Destaco el riff del 2:47 y los dos maravillosos solos.
Pero para mi la mejor es T.N.T, es la que muestra a AC/DC en estado puro. En la que el riff te dice esto es rock!! y la melodía de Scott te llega adaptándose a la maravillosa guitarra. Y el pausado estribillo con el TNT!!!!! Los gritos cavernícolas de Angus van adaptándote a lo buen tema que es este. El rápido solo sobre el lento riff consigue ya acabar esta joya de canción.
Can I Sit Next To You Girl, otro con muchas influencias blues y rock n roll. El riff es un poco más agudo y el ritmo muy potente. Las frases son acabadas en rápida guitarra de Angus. Y lo que empezaba como un estribillo casi susurrado, explota dándole caña.
Sigue Little Lover, una especie de strip-balada que me llega mucho. Muy apagada durante todo el tema, y un estribillo con toque blues con un deje en la voz de Bon. No será la mejor pero acdc no es siempre duro.
She's Got Balls no me convence como debería, me quedo con su majestuoso intro pero el estribillo ya no es tan bueno como otros. No es que sea mala, sino que no le he encontrado el puntillo.
Me gusta más High Voltage, de mis preferidas, es adictiva como el tabaco y tiene mucho gancho. No puedo evitar cantarla (berrearla) cuando suena. El acompañamiento más agudo sobre la pegajosa melodía, que se te queda como un chicle en la suela del zapato. Por cierto el estribillo ,para mi, es clavado al de Hay Poco Rock n Roll de Platero y Tú. Aquí el de Platero y aquí el de acdc.
Discazo imprescindible en la de cualquier rocker melómano. Y ahora Leño.

The Doors - The Doors (1967)

2010-07-31T15:49:00.003+02:00

Artista - The Doors
Publicación - 1967
Discográfica - Elektra
Calificación - 9.5

¿Mejor disco de Doors? - No
Mejor canción - Light my Fire/ 2º Puesto - The End
Canciones - 1. Break on Trhough (to the other side) 2. Soul Kitchen/ 3. The Crystal Ship/ 4. Twentieth Century Fox/ 5. Alabama Song (Whisky Bar) 6. Light my Fire/ 7. Black Door Man/ 8. I looked at You/ 9. End of the Night/ 10. Take it as it Comes/ 11 The End/.

Tras muchas peticiones de este grupo, he de anunciaros que sí, hoy toca THE DOORS!!! Y es que todo el mundo me pedía una reseña de dicha banda. Y además con este disco vamos a celebrar mis diez primeras reseñas!! La cosa va bien y espero llegar a 100. Todo gracias vosotros caminantes jejej.
Pues estamos delante nada más ni nada menos que de uno de los mejores grupo habidos y por haber. Uno de esos que revolucionaron el panorama musical en su época. Allá por el 67 los Beatles batían records con el Sgt Peppers, Pink Floyd había debutado con un disco raro para el público, los Stones ya disfrutaban de gran éxito tras Aftermath y sacaban el Between the Bottoms. Y unos tipos que se hacían llamar los Doors, quisieron ponerse a su altura. No solo lo quisieron y lo intentaron, si no que arrasaron.
Cogieron los primeros discos de los fab 4 y le pusieron de fondo el teclado de Rick Wright. Quedando una mezcla muy extraña. Rock, blues y psicodelia. No tendría porque haber triunfado, pero era tiempo de innovar y estos lo hicieron con todas las de la ley.
Entonces los oyentes, mandaron todo a la porra y prestaron atención a estos zagales. Parece imposible que teniendo al lado el Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, este no pasara desapercibido. Pero antes la música no era como ahora en la que sales en la tele con una bazofia de disco pero con una canción arrasando los 40 (que no recoge solo lo mejor ejem ejm) o para politono y ya te ganaste el sueldo para toda la vida. En tiempos doorsianos,la gente recapacitaba un poco. Antes un single no salía todo el día por la tele fastidiándote lo que estés viendo ,(basicamente porque no había tele xD), salía por la radio pero no todo el santo día como con la maldita juana montana ( ojo e , sin mayúscula jajajajajaj), te lo recomendaban los amiguetes y a tirar pa' lante. En tiempos de revolución psicodelica triunfaba lo que te hacía flipar mientras te pillabas un colocón. La música ha cambiado, pocos jovenes se han parado a pensar quienes son los Doors, les importa más que Michael Jackson haya muerto, porque aun que no lo conocieran hasta su muerte, ahora les gusta porque sale por la TV. Pero me estoy saliendo de los esquemas, así que vamos con la historia la banda de hoy.
Había una vez un tipo llamado Jim Morrison (no, esto no es caperucita roja xD) . Era muy culto, prefería gastar su dinero en libros que en ropa, se rumorea que tenía 140 de coeficiente intelectual. Y este, un día en la playa se encontró con un viejo amigo, Ray Manzarek. Ray se pusó a leer un poema de Jim (Moonlight Drive), le gustó y el poeta se puso a cantarla. Manzarek le gustó y pidió que se uniera a su banda. Ray conocía a Robby Krieger y a John Desmore de yoga. Se unieron y comenzaron LOS DOORS. Curiosidad: no tenían bajo y lo tocaba el teclista.
Pues el disco no me gustó mucho al principio. Me parecía aburrido, soso, monótono, extraño al oído y el intro de Light my Fire muy patetico. Pero hice un experimento, decidí vivirlo como Morrison, bohemio ( sin beber que yo soy muy sano jajaj). Así que por la mañana o por la noche, me encerraba con apenas luz y me tiraba en la cama. Rápidamente cambié. Cambié de personalidad. Encontré la maravilla de los Doors. Ya para rematar me leí las letras y me convertí en adorador de Jim Morrison. Pues el álbum es muy bueno (una vez encontrado su puntillo). Me gusta más el siguiente pero este no se queda lejos. El 10 es más que merecido, lo de bajo es para puntualizar que me gusta más el otro. Los rellenos pasan desapercibidos a pesar de que tiene alguno. Y además tiene dos covers, Alabama Song que es un clásico de Broadway y Black Door Man de Willie Dixon.

Abre con Break on Through (to the other side), anunciándote que cae la noche, que empieza el disco. Es la más fuerte del disco, lo que más me sorprendió es que empezaba suave y de repente daba un giro y metía caña acelerando la canción. Por cierto cuando dice "Everybody loves my baby" ¿ no les suena a Everybody needs Somebody? Peazo tema, solo este te avisa de que acabas de empezar a escuchar un buen trabajo.
Sigue Soul Kitchen, es de las más conocidas, memorable riff de teclado al que Morrison entra con paciencia, modulando su voz hasta que en el estribillo canta con más brío. El teclado que hace es en este donde más se nota.
The Crystal Ship, una balada mística, que va creando el ambiente de tranquilidad y relax. De los temas que son simple un fondo para un divino poema pero que casualmente encaja bien, formando uno de los más memorables temas de toda su carrera.
Twentieth Century Fox, más comercial, con bastante ritmo y un punzante riff guitarril que te resume la canción, estribillos de los que una vez que los escuchas ya no vas a parar de cantarlos. El momento que más me llego es el de "no clocks..."
Alabama's Song es la que menos me gusta pero simplemente por que no es mi estilo. Clasicazo de Broadway que The Doors lo tocan de maravilla. Un ritmo muy marcado durante el verso, con campanas al final de cada verso y con el pipipiiii pipipiiii pipipiii del teclado entra el estribillo. No me gusta mucho por la razón que dije antes. Pero a los más clasicotes les gustará más que a mi.
Y la mejor: Light My Fire, el intro que me parecía tan tonto se convirtió en uno de mis riffs de órgano preferidos. Mientras, Jim canta en su tono tan bajo e barítono, esa entonación si me gusto desde el principio, al igual que la melodía infinita. Y cuando apenas llevamos un minuto de canción un solo de teclado aparece sin avisar, diciéndote claramente que el fuego esta cerca. Ese solo pasa a ser uno de guitarra más lento pero igual de bueno. Esta fue la segunda canción que escuche de los Doors (la primera fue Love me Two Times), y quitando ese descuido con el principio, me gustó.
Blad Door Man es otro claro blues, en el que se las arreglan para conseguir que el psicodelico fender rodhes de Manzarek encaje. Los gritos de Morrison hablan por si solos en ese idioma que es el blues.
I Looked at You es la más simple, una melodía quizá tonta pero pegajosa. Puede que sea la que menos me convezca junto con Alabama Song. Hay un momento en el que crees que ya acabó, pero PUM! Jim vuelve a gritar.
End of the Night, es la más oscura, la más tenebrosa. El ritmo es tranquilo, pero simplemente eso vale para comprender que las tinieblas se han convertido en un temazo. Temazo con una de mis guitarras favoritas, tanto el solo como los pequeños usos. Esta, raramente, me gustó desde mi primera escucha.
Take It As It Coms es mi preferida. Me recuerda mucho a la música de aquí por España (no me pregunteis por qué). La melodía roza la perfección. Y el estribillo sin variar el ritmo da fuerza a uno de los temas que más me gustan.
Cierra con The End. Apocalipsis Now!! Es el fin y Morrison y su banda quieren explicartelo con calma, tanta calma como son 11 minutos. La melodía inicial es eterna, será porque salio en la peli, pero es muy buena. Tras el solo de guitarra, llega el momento de recitary Jim se pone a ello como solo el sabe, con acompañamientos monótonos pero que no son más que eso, acompañamientos. Es de las míticas canciones de la carrera doorsiana.
Discazo. Espero que les haya gustado la ansiada reseña, y que no se les haya hecho pesada la espera. Y tras esto voy a meterle caña al blog con AC/DC !!!!!!!!
Saludos de su patético Soyde.

Youth & Young Manhood - Kings of Leon (2003)

2010-07-27T15:33:00.000+02:00

Artista - Kings of Leon (KOL)
Publicación - 2003
Discográfica - RCA Records
Calificación - 9.5

¿Mejor disco de KOL? - Posiblemente SI pero el último no lo he escuchado tampoco
Mejor canción - Molly's Chambers/ 2º puesto - No puedo decidirme.
Canciones - 1.Red Morning Light/ 2. Happy Alone/ 3. Wasted Time/ 4. Joe's Head/ 5. Trani/ 6. California Waiting/ 7. Spiral Starcaise/ 8. Molly's Chambers/ 9. Genius/ 10. Dusty/ 11. Holly Rover Novocaine (con el track oculto Talihina Sky)

Ya que me he puesto con el indie, vamos a seguir un poco con otro de los grupos imprescindibles en tal estilo, hablo de Kings of Leon.
¿Se acuerdan de Franz Ferdinand? Los últimos que reseñé, ¿se acuerdan todas las influencias que había dicho? Espero que sí.
Como ya he dicho, el indie es un camión cargado de influencias. Cada uno tiene las suyas, y por lo tanto no todos los artistas de tal estilo suenan iguales, unos suenan heavys, otros baladeros y otros progresivos/alternativos. Pero KOL se sale de los esquemas. Para los que pensaban que este genero no eran más que sonidos modernos, están estos tipos. Mezclan garaje rock, con rock sureño, blues, rock n roll y hard rock, quedando el indie KOL (de bruselas jaj).
Esos son los diversos géneros que mezclan, pero ahora vamos con sus influencias musicales. La voz de Ozzy, la guitarra de Cream, la caña de los ZZ Top, y la bailabilidad de Chuck Berry. Y que me dicen de las apariencias, cualquiera que los vea durante el 2003 pensaría que eran unos setenteros, Caleb me recuerda a Clapton en sus años Cream, Nathan a Steve Hacket cuando estaba en Genesis y los otros dos a Jimmy Page. Pero ya en su siguiente disco cambiaron la imagen. Y el sonido del ultimo disco no se parece mucho a esto.
Sí, estaba escuchando este disco, y de repente me pongo a escuchar Use Somebody del último trabajo, y el cambio es notable. Los sonidos retros de este, se transformarían poco a poco en un indie más comercial y más contemporáneo. Como ya he dicho en este disco eran muy de los años 70. Por lo tanto llego a la conclusión de que les pasó que a todos los grupos de la época, se comercializaro. Generalmente en los 80 todos los grandes se hicieron más poperillos. En el Youth & Young Manhood, lo más parecido a sus trabajos posteriores es California Waiting.
Bueno, KOL son tres hermanos y un primo, los Followill. Nathan, Caleb, Jared y Matthew.Una familia muy religiosa. El padre predicaba pero acabó divorciado y fuera de la Iglesia. Estos conocen a un tipo que les ayuda en la música, siendo su técnico de sonido. Van creciendo hasta que la banda ya con el nombre Kings Of Leon, consigue sacar un disco. Disco del que voy a hablar ahora.
Pues eso, voy con el Youth & Young Manhood. Como ya he dicho tiene muchisimas influencias. Quizá sea porque lo llevé mucho en el coche, pero me suena a música de carretera. Un viaje de 37 minutos que va retratando diferentes paisajes, desde el solitario desierto hasta la bucólicas praderas, pasando por el melancólico color dorado, las modernas ciudades y oscuros barrios . Puede que el 9.5 sea muy generoso, más bien sería un 9+, pero si en los años 2000 un grupo que toca música "carca" y consigue un buen público, se merece la puntuación que le he puesto. Ha recibido críticas de todos los tipos y para otros maravilloso para otros penoso. En cuanto a la mejor canción, no sabría elegir una mejor, así que pongo la que más me gusta.

Pues comienza con uno de mis favoritos, Red Morning Light, la cual empieza cañera, pero el verso es más clásico, en los chorus ya le dan con más fuerza. Me encanta la forma en la que va acabando las frases en "ey ey" Es de las más conocidas, y de las que más he escuchado de ellos.
Sigue Happy Alone. Mientras los versos son bastante tranquilos con agudos acompañamientos, y a la vez otros más graves, y se transforma en un estribillo rockanrollero a full, cambio que me parece muy brusco. Buena, pero no me cuadra ese cambio.
Ahora Wasted Time, con un ritmo rapidisimo en el que Caleb canta a gran velocidad, lo que más me gusta es el estribillo donde entran todas las guitarra a todo lo que dan. Esta rola crea ambientes mucho más oscuros y tenebrosos a gran velocidad. Penetrante ese "your time on me is wasted time".
Relaja un poco Joe's Head, al más estilo sureño de los Allman Brothers, canción que va cogiendo más fuerza según va sonando. Acompañamientos excelentes durante toda la canción. Mientras va avanzando la instrumentación va mejorando cada vez más, cada vez más, incluyendo maravillosas guitarras y rápidos pianos.
Sigue una de las dos baladas, Trani, agudo intro, aunque casi me gusta más la guitarra de Caleb en el principio. Un solo rescatable sin duda. A veces grita como un descosido, sin piedad, adapandose al resto del grupo mientras Matthew le da caña.
Otra buena California Waiting, la que SI parece del año que dicen. Pedazo riff de bajo el que tiene. Estribillo de estos que se te quedan por la noche. Y fuertes graves incesante durante todo el temazo. La que más se adapta al último trabajo y aún así encaja aquí.
Sigue Spiral Stracaise, la que empezaba como heavy, se transforma en un rapidisimo rock n roll, exceptuando el estribillo,que suena a incios de Black Sabbath. Sin dudarlo, rescato los gritos de Caleb agudisimos a lo Fogerty y los rock n rlleros solos.
Mollys Chambers es mi preferida, y de las más fuertes. El riff es de los más conocidos, y la melodía adptada a él también. El estribillo es la parte que más me gusta. Mientras al gravisimo verso se le van añadiendo arreglos más agudos. La canción sera sencilla, pero funciona. Y de las infinitas del primer trabajo.
Genius es más floja, muy sureña, pero el riff me gusta tanto que se salva y es lo que le da su potencial, mientras que sus estribillos no me atraen tanto.
Dusty es un blues acústico, por parte de Caleb, mientras que Matthew hace arreglos que suenan muy raros como una interferencia (sobretodo al final). Mientras, el bajo hace el clásico bajo blusero.
Recupera el nivel Holly Rover Novacaine, que donde parecía sosa solo bajo, batería y voz, llega la guitarra para animar ritmos, de forma que va creciendo sus rating por momentos. Tras esto, hay cuatro minutos de silencio y entra Talihina Sky un track ocluto hermoso,con riff de piano inolvidable, y parte vocal sensible, y estribillo totalmente tierno con "life goes by, on talihina sky". Vale la pena esperar ese tiempo cuando sabes que después viene esta joya.
Buen disco, seguiré escuchándolo y a lo mejor lo dejo en 9+, tiempo al tiempo, que ahora llegan los doors.
Saludos, de su patético Soyde.

Franz Ferdinand - Franz Ferdinand (2004)

2010-07-24T16:00:00.000+02:00

Artista - Franz Ferdinand
Publicación - 2004
Discográfica - Domino Records
Calificación - 9

¿Mejor disco de Franz F.? - no he escuchado el último
Mejor Canción - Take me Out/2º Puesto - Dark of the Matinee
Canciones - 1. Jacqueline/ 2. Tell Her Tonight/ 3.Take me Out/ 4. Dark of the Matinée/ 5. Auf Achse/ 6. Cheating on you/ 7.This Fire/8. Darts of Pleasure/ 9. Michael/ 10. Come on Home/ 11. 40 Ft.
Tras 6 o 7 álbumes reseñados, en el que el más nuevo era del año 1978, me apeteció cambiar e ir a música más moderna y cambiar un poco de estilo.
Y desde luego acabo de hacer un cambio radical, de Supertramp a Franz Ferdinand. No, no voy a empezar a preguntarme a mi mismo quienes son. Supongo que sabrán que estos zagales son la competencia directa de los Kings of Leon, como lo fueron Los Beatles de los Rolling Stones. Yo personalmente me quedo con Franz, a los King no los he escuchado lo suficiente pero me parece que hoy en día hay pocos grupos con este nivelazo ( y mira que los Kings son buenos). Muchos grupos quisieran empezar como empezaron los de Glasgow. (Preguntaselo a Genesis o a AC/DC).
Este disco es toda una maravilla de los años 2.000 y del indie. Para empezar, es variado, desde una baladita hasta un numero punk. Es lo que tiene el Indie.
El Indie, es un estilo que yo lo considero un trailer cargado de influencias. Es ponerse a cocinar y mezclar ingredientes. Centremonos en los escoceses, por ej. la guitarra de John Frusciante el los temas más funkys, alguna vez la voz de Ian Curtis, las ganas de ser los Beatles de este milenio o la vitalidad de Pete Townshed en los conciertos.
Franz Ferdinand, me sorprendió mucho, pensaba que iban a ser un grupo bastante simplón, pero escuche Take me Out o Dark of the Matinee, y me encontre con composiciones muy complejas. Acompañamientos de guitarra muy extraños. No quitaban importancia a ningún instrumento, dejando en el aire quien era el solista, Alex o Nick. Creia que eran un grupo de esos punk/pop, con requintos todo el rato, pero jojojo, ya quisieran Blink 182 o Green Day hacer esta música.
Antes del álbum voy con la historia que me encanta. Estaban en un bar Nick Mccarthy y Alex Kapranos, y Nick le robó el vodka a Alex, y se liaron a leches, y Mccarthy le dijo que sabía tocar la batería (mentira) y se pusieron a hablar de música, y se unió al grupo de Alex, Yummy Fur, junto con Paul Thompson y Bob Hardy. Cambiaron su nombre hasta que quedo en Franz Ferdinand, que era un archiduque que provocó la primera guerra mundial (él no, su muerte). Pues estos se pusieron a tocar y en el 2004 sacaron su primer disco. Un álbum que dejó a la crítica temblando.
Nos centramos en el trabajo.Como ya he dicho, variado y con instrumentaciones complejas. Cargado de letras tontas, de ligue, pero musicalmente genial. Tiene dos de los mejores temas de los últimos, Take me ot y Matinee. Pero todo este disco tuvo que ser fastidiado por una canción, Cheating on you, no pregunten por qué no la he puesto en azul, me parece que estoy siendo demasiado bueno. La primera vez que escuché el álbum, me pareció muy raro, (dado la rápida trancición, Supertramp - Franz) Pero acabé pillándole el puntillo. Un nueve merecido, si no fuera por el Cheating, hubiera llegado al 9.5.
Pues la carrera de Franz Ferdinand, abre con Jacqueline, de forma acústica, precioso ese intro y ese intro cantado de Kapranos, pero el bajo va cambiando el ritmo, hasta hacer un tema mucho más cañero, un riff facilón que se transforma en un pequeño punteo bastante bueno. La melodía puede que sea muy monótona pero me gusta, sobre todo por el minuto 1:47 y ya hacia el final un riff, que personalmente me encanta, más agudo y más llevadero.
Sigue Tell Her Tonight, al principio no me gustó, me pareció patética y llena de griteríos, pero cuando me fui a la cama, no paraba de repetir el "tell her, have to tell her, to tell her tonight" que era lo que menos me había gustado. Y ahora me gusta bastante bastante más, funky , un verso cantado con una vocalización muy rara y un cambio de ritmo al estribillo radical. Me se de uno que no le gusta nada nada esta canción jej.
Y ahora, Take me out, la maravilla de la carrera de Franz, empieza con esa melodía tan pegadiza y quizá un poco poppy, pero la canción estalla y aparece un excelente riff que te transporta a una odisea, hasta que Alex hace otro más agudo. El tema da un cambio, y se vuelve en algo cañerísimo, cuando piensas que se acaba porque todo se para y se oye TAKE ME OUT!, vuelven a la carga. Con cualquier cosa me río de los hermanos Jonás, Juana Montana y el hotel ese que está en Tokio, pero con esto...
Ahora la segunda mejor Dark of the Matinee, empieza con un riff de batería al que se le suma otro de guitarra, hasta que baja el ritmo para el verso, que pedazo de estribillo, me encanta, " Find me and follow me" que maravilla. También me gusta mucho cuando baja el ritmo mucho tras el yes its mineeeeeeeeeeeeeeee, y luego una guitarra que suena genial cuando lo de Yes it's easy nooooooooooooow.
Auf Achse, mucho más comercial, con un intro de teclado y un buen riff, la melodía un poco cursi, peor le noto que no remata las frases como debería. Le falta algo a la melodía a pesar de que es buena. Luego de las dos anteriores maravillas, esta te deja en ascuas.
Pero lo pero del disco es Cheating on you, punk, pero la melodía es tonta y la guitarra aburrida y sobrecargada de distorsión, el mayor relleno del disco, roza el azul tanto, que me planteé en ponerla mitad negra mitad azul.
Mucho mejor es This Fire, un riff muy agudo y una melodía muy oscura, con un estribillo pegadizo cantado de una manera muy rara. El final es apoteósico, tocado de manera muy bestia hasta que termina en un acorde
Darts of Pleasure, un ritmo alucinante y una parte vocal con ciertos cambios, desde heavys hasta poperillos. Este fue el primer sencillo del grupo, el tema por el que se empezaron a hacer famosos. Acaba con ese noseque nsoeque SUPERFANTASTIC, (pongo noseque porque esta dicho en alemán o sabe Dios que idimoa)
Ahora Michael, no me pega ese intro oscuro con la melodía tan pegadiza. Estribillo con ese Hey You Hey you, mientras Alex canta otras cosas. Se oye una voz rara después del primer estribillo. Los versos so rematados con So Come and Dance with Michael, que luego da ese cambio tan radical a los chorus.
Sique Come on Home, mítica canción de Franz Ferdinand, un acoñamiento de guitarra de esos que me gustan a mi tanto , de acordes agudos, y un estribillo tranquilo al que se le añade una acordes pesados. Tema con mucho sintetizador, pero de mis favoritas.
Cierra con 40 ft, con un intro mutado que se transforma en otro buen riff , esta es la del lala lala lala. Tiene una buena parte instrumental a partir del minuto dos. Contiene partes muy extrañas, pero aunque no sea de las mejores, me gusta bastante.
Pues aquí tienen el primer trabajo de los escoceses, espero que les guste. Pronto se pasaran los Doors por Camino al Rock, pero primero Kings of Leon y quizás caiga una reseña de Muse u otro grupo. Saludos!

Supertramp - Supertramp (1970)

2010-07-20T17:09:00.000+02:00

Artista - Supertramp.

Publicación - 1970

1977 (U.S.A)

Discográfica - A&M Records

Calificación - 7.5

¿Mejor álbum de Supertramp? - No

Mejor Canción - Maybe I'm Beggar/ 2º Puesto - Words Unspoken

Canciones - 1.Surely/ 2. It's a Long Road/ 3 Abaude and I am Not Like The Other Birds of Prey/ 4. Words Unspoken/ 5. Maybe I'm Beggar/ 6.Home Again/ 7. Nothing to Show/ 8. Shadow Song/ 9. Try Again/ 10. Surely (Reprise)/

Aprovechando mi timpo libre, voy a escribir una nueva reseña. Hace tiempo que iba a hacer una del Ok Computer de Radiohead, pero me di cuenta e que Corvan la había hecho hace poco y no quería hacer sombra a su Caverna.

A lo que vamos. Llevo tiempo queriendo hacer una reseña de este grupo. Supertramp, no es el grupo más conocido de la historia del rock, pero aunque no los sigas, ¿quien no ha escuchado nunca Logical Song o Dreamer? Porque aunque haya sido una de las bandas que han pasado más desapercibidas en el progresivo, alguna vez los has oido en la radio, o donde sea. Ahí va la historia de los Super.

Empezaron como muchos otros. Un tipo llamado Rick Davies publicó un anunció en un periódico. Este consideraba la oportunidad de autentica. Pronto contestarían tres personas: Roger Hodgson, Robert Millar y Richard Palmer. Respondían al nombre de Daddy, pero lo cambiarían a Supertramp.

En cuanto tuvieron la formación se metieron a grabar durante 1969 y en el 70 salieron ya con un trabajo homónimo.

Durante ese tiempo, el rock progresivo, aun estaba naciendo, y todavía no mostraba grandes obras, aunque King Crimson sacara el In The Court. Pink Floyd acababa de sacar el Atom Heart Mother y ya se preparaban para Meddle, Jethro Tull también trabajaba en Aqualung y Yes había debutado sin exito. El prog rock, estaba en en un estado muy cavernícola pero se preveía que se acercaba algo grande. Y Supertramp no fue menos y quiso meterse en todo este embolado. Pero su primer disco fue un FRACASO.

Antes de ir a lo que es el disquito, quiero hablar de sus dos estrellas, Rick Davies y Roger Hodgson, los dos principales compositores. Dos de los mejores ,sin duda, además enfrentaban la voz grave y profunda de Rick y el falsete de Hodgson.

Pues nos vamos a centrar en el homónimo. Los que solo conozcan a los Tramp por Breakfast in America o Crime of the Century (obra maestra), esto no les parecerá lo que en verdad es. Los dos que nombré, suenan mucho más pianeros, suaves y bastante escuchables (sobretodo Breakfast, es más comercial). Yo conocía a la banda por esos dos discos y al ponerme a escuchar este debut, me pareció demasiado raro. Gran parte de las canciones, utilizaban muchos órganos y de vez en cuando, guitarras pesadas. Si os gusta Yes, este disco os gustará, aunque todavía suena primitivo. A pesar de ser un grupo progresivo, de haberles dado más atención, tendrían un gran público, ya que desde un álbum al estilo de Yes, hacían melodías (palabra que voy a repetir mucho en esta reseña) haciendo temblar a veces a los grandes poppys. Y sin más rodeos, me voy con las canciones.

Abre con Surely, una canción de 30 segundos, acústica y muy dulce. No me parece que las canciones de menos de dos minutos puedan ir en rojo, así que queda en negro, además su reprise me gusta más.

Y tras la escasa balada, llega It's a Long Road, con su fabuloso riff de teclado, y su parte cantada que me recuerda a Bad Company, con pequeños toques bluseros. El otro riff intermedio también es bueno, pero me quedo con el primero. Lo que si que no tiene comparación es ese solo de órgano, es alucinante, a veces alcanzando una velocidad muy rápida y otras simplemente abriendo la boca del oyente. Y termina con una ármonica.

Abaude and I am not Like Other Birds of Prey, son dos canciones, una Abaude, que es el intor de órgano y I am... la otra, aún así ambas ocupan el mismo track. Una guitarra acustica, hace un acompañamiento que recuerda a una nana. Mientras, también tenemos uno de los mejores bajo del disco. La melodía, a veces es buena pero otras veces se me hace un poco empalagosa. Se me hace muy raro su final, sin más.

La segunda posición es para Words Unspoken, me la baraje seriamente para la first position, aunque lo más importante de esta canción es su parte vocal, triste, y a veces intentando mostrar enfado a quien la escuche, sin gritar, solo cambiando el tono de voz. Durante el estribillo la guitarra suena más convincente que en el verso, donde solo es un puro acopañamiento. Les encantara, pero me quedo con...

Maybe I'm a Beggar, si esta se lleva lo más alto del podium. No me hagan mucho caso, porque mi inglés es malo, pero creo que habla de un mendigo de mala familia, que le gustaría ser más poderoso. Comienza con una flauta, al que se le van sumando más instrumento, crea ambiente medieval. La melodía ( me repito eh) es sensible, creando grandes atmósferas con los cambios de voz, y cuando ya tenía un empate entre la anterior y esta, llega un solo de guitarras,con el que se me quitan las dudas, y acaba con un la la la la la la la la la.

Llega la otra mini balada acustica y bucolica Home Again, esta de 1 minuto y medio, los que odian este álbum ponen siempre de mejor canción a esta o Surely.

Otra parecida a It's a Long Road, Nothing to Show, con dos 3 grandes riffs, el de teclado, el de guitarra y el de bajo, y una pegadicisima melodía (ala otra vez), también tiene un buen solo de teclado. Esta el problema que tiene es que gusta mucho pero te puedes acabar cansando de ella.

Otra balada Shadow Song, pero esta pianera y un poco más larga, reconozco que es preciosa, una parte vocal muy sentimental, y le acabas pillando el puntillo y su mezcla con flauta y bongos, haciendo una de las mejores. Escúchenla, porque esto si es Supertramp en estado puro, encaja con el disco, pero nos dice que gracias a esto va a haber un disco del nivelazo de Crime of the Century.

Y lo peor del disco es Try Again una canción demasiado larga (12 minutos) que a la vez que tiene partes geniales, tiene otras malisimas y que no llevan a ningun lado, y se hace demasiado aburrida. Que pena, fastidia mucho el disco.

Y cierra con Surely (reprise) es casi igual que la otra parte cantada un poco más larga, y toda esta, queda perfectamente sellada en una parte instrumental de piano, cerrando el disco de forma genial.

Así comienza la carrera de Supertramp, que daría un fuerte cambio. Bueno, y después de esta reseña, voy a intentar hablar de algún grupo más moderno o un de rock en ñ.

Dire Straits - Dire Straits (1978)

2010-07-16T15:05:00.000+02:00

Artista - Dire Straits
Publicación - 1978
Discográfica - Vertigo.
Warner Bross (US)
Calificación - 10

¿Mejor álbum de Dire Stratis? - SI
Mejor canción - Sultans of Swing/ 2º Puesto - Down to the Waterline
Canciones - 1. Down to the Waterline/ 2. Water of Love/ 3. Setting me up/4. Six Blade Kinfe/ 5. Sounthbound Again/ 6. Sultans of Swing/ 7. In the Gallery/ 8. Wild West End/ 9. Lions.

Recuerda otra vez el pesao de Soyde que podeis votar el personaje retorcido de agosto en la logica retorcida de Panxo, AUPA BARRET.
A lo que vamos. Por fin, por fin vamos a habalr de Dire Straits. A estos si los conocéis ¿eh? Dificil sería no conocer a este grupo que se ha ganado el respeto de muchisimas personas con una música estratosférica, capaz de enganchar a cualquier persona, además su historia tiene tela.
Corrían los finales de los años sesenta y un género llamado rock progresivo revolucionó el planeta, Pink Floyd, King Crimson, Genesis o Yes, estaban dejando el panorama musical aun más conmocionado de lo que estaba, por el paso del rock n roll al rock puro gracias a los Rolling y Los Beatles, el rock progresivo, se conocía como música para raros, y aunque era el género musical por excelencia de la época, no tenía el tirón necesario para forrar a una tienda de discos ( pero hay grandes excepciones), así que como vino (tinto) se fue. Tras la marcha de la progresión, llegó un nuevo estilo, rebelde, sin miedo a nada: el punk. El punk no era la música más buena pero enganchaba al público, y en medio de la revolución del punk, a finales de los setenta, unos treintañeros, querían sacar un disco, pero nadie se preocupaba por ellos, ya que su música no cuadraba con el panorama, tocaba un rock clásico con toques de los 50 y principios de los 60, tenían matices muy rockandrolleros y de blues, ¿quién apostaría por unos "carcas" que querían volver a los 50? Pues alguien tuvo la impresión de que funcionaría y dejo que ese grupito que se hacía llamar los Dire Straits se metieran en el estudio.
Estos se pusieron a grabar. Y salieron con un disco homónimo. Este curiosamente para sorpresa de todos llegó al puesto 2 en la lista de EE.UU, y su single Sultans of Swing, estuvo en la 4ª posición
de Billboard, en muchos de los casos, dando mil vueltas a algunos de los grupos punk de la época.
OK, antes de ponernos a hablar del disco, voy a escribir a cerca de la genialidad de Mark Knopfler, sí, han leido bien Mark Knopfler, a ese también lo conocen, si que además está de gira por España presentando su último trabajo, Get Lucky. Pues resulta que el tipo este, es uno de los mejores músicos del panorama. El compositor de la canciones de los Dires, y un maestro de la guitarra, sí, su instrumento es lo que más caracteriza al grupo, un técnica típica del blues, rock clásico etc, la de tocar a dedo, dando un sonido especial, limpio y agudo, que suena como los ángeles. Además su forma de cantar tan peculiar, casi recitando pero dando melodía. Luego sus composiciones tienen unos ritmos base durante toda la canción, a este señor le llamaban el hombre de las galletas porque daba canciones muy buenas pero con algo de simplicidad. Pero en muchos casos de estos que reviven el rock n roll, su música, acaba a veces aburriendo y siendo monótona, pero los Straits se salvan.
Vayamos al álbum. Este, es una joya, el mejor de toda la carrera de los Dire Straits, y uno de los mejores álbumes de la historia. Quizás sea mi pasión por la banda, pero es buenisimo. Que pena les estará dando por esas dos canciones en negro, Six Blade Knife y Wild West End. Ahora voy a decir porque las puse en ese color. Simplemente por dos cosas, 1, no encajan con el resto del disco, yo las considero el adelanto del Brother in Arms, y les recuerdo que el disco que estoy reseñando es del año 78 y no nos hace falta ir hasta el año 85 donde el sonido del grupo ya era diferente, más comercial, y en este trabajo aún era el renacer de los 60 con sonidos más modernos. Esto es más para el Wild West End. ¿Qué le pasa a Six Blade Knife? No dejaré de decir que me gusta mucho, pero aquí lo más característico del sonido de los Dire, la guitarra, no se ve reflejada en toda su totalidad. Pero que conste que aunque la vean en negro, es un rojo claro.
El disco abre con la que se lleva el título de segunda mejor, Down to the Waterline, empieza con un sonido proveniente de las tinieblas mientras la guitarra de Knopfler empieza a hablar lentamente, como recitando, y de repente PLAS!, aumenta el ritmo con un majestuoso riff. Y aquí una cosa que me salte antes del sonido Dire Straitano, Mark dice algo y su guitarra contesta, y una de las mejores melodías del álbum, todo se para y Knopfler dice: "down to the waterline/ oh my shoulda" solos de guitarra, calculados para hacer a uno ver lo gran grupo que son estos. La primera vez que la escuché tanto me me gustó que me pareció demasiado corta.
La siguiente es Water of Love, se salva del negro porque esta intenta darnos un sonido parecido al de blues acústico de campo americano. Una gota de grifo empieza, para que se vaya sumando la batería y ese riff de slide del señor M.K. También posee una buena melodía y un estribillo de mis preferidos cuando dice lo de "water of love deep in the ground" Al principio no me cautivó mucho y me costó más encontrar belleza y textura campesina.
Sigue una de las más animadas de todo el disco, Setting me up, un riff rockanrolero casi mutado, a una velocidad bastante rápida. Su riff intermedio es genial. Esta rola es al más puro estilo rock and roll bailable motero. Creo recordar que esta la tocó un bluesman llamado Steve Arvey, que fui a ver hace poco , desde luego el estribillo es clavado.
Ahora llega Six Blade Knife, para muchos es la preferida, yo reconozco que me gusta bastante, pero la guitarra de Mark, suena muy apagada y no predomina tanto, y el ritmo no cambia. Se que es buena pero si me pongo de crítico serio, tendría que decir eso. Por lo menos la letra es guapa, y Knopfler la canta practicamente como si fuera un poema, a veces poniendo la voz muy ronca.
Sounthbound Again es una rola parecida a Setting me up, un riff mutado, y muy rockandrollera, pero a veces mete algún acorde para darle ambiente más rockero (sin pasarse). Para los que les guste la música cincuentera, esta es una imprescindible, y la que antes nombré.
Atención se abre el telón y... SULTANS OF SWING, la mejor canción del disco, del grupo y una de las mejores de la historia. El riff de David Knopfler mientras Mark toca agudos durante la canción, dejando la piel de gallina, creando algo fuera de lo normal, ya quisieran los punks de la época algo así. La canción trata sobre un grupo que quiere saltar a la fama, a lo mejor son ellos mismos. Cuando dicen "we're the sultans, we're the sultans of swing" Aparece otro de los grandes riffs del disco. Y todas es frasecillas que la guitarra de Knopfler dice, se transforman en dos solos alucinantes, el segundo es para quedarse con la boca abierta. (dejo un segundo el ordenador, cojó la guitarra, miro la tablatura del solo, lo intento tocar y vuelvo a dejar la guitarra en el sofá, otra vez será). Esta en directo es aun mejor. ¿Difícil eh?
Sigue... la siguiente jeje, In the Gallery, empieza despacio pero luego mete un riff de tocar acordes más agudos y arpegiar otros, también tiene conversaciones voz/guitarra. Me encantan sus solos de guitarra, el señor M.K no se cortaba un pelo a la hora de componer, que guitarrista!
Wild West End, empieza con un riff acustico mientras que un teclado y una guitarra se le van sumando. Como ya he dicho es demasiado comercial para ser de este disco y no encaja, en el Brother in Arms le iría un poco mejor. Es una balada lenta, con un estribillo pegadizo, pero Dire Straits saben hacer cosas mejores, pero aun así, digo que este disco no tiene canciones malas.
Lions me gusta más. También es lenta y un poco comercial, pero tiene un algo que la hace grande. Puede que sea esa melodía tan excelente, o esa guitarra de Mark, o el ambiente precioso que crea, pero esta es incluso de mis preferidas. Sus solos son más discretos, pero al más puro estilo Dire Straits.ç
Pues así empezó la carrera de este gran grupo, no tiene álbum mejor que este, no os arrepentireis de escucharlo.

Trespass - Genesis (1970)

2010-07-11T22:31:00.000+02:00

Artista - Genesis

Publicación - 1970

Discográfica - Charisma/Virgin (UK)

Atco (EE.UU)

Calificación - 8.5

¿Mejor álbum de Genesis? - No
Mejor Canción - Looking for Someone.2º Puesto - The Kinfe
Canciones - 1. Looking for Someone/ 2. Withe Mountain/ 3. Vision of Angels/ 4. Stagnation/5. Dusk/ 6. The Knife.
Hola a todos, no salgo a ningún lado a ver el partido, a si que lo veo desde casa y subo una reseña, a ver si me da tiempo antes de que empiece. Ah por cierto les animo a votar en la final de bandas de Persi Music y el personaje retorcido de Mi Lógica Retorcida.
Sí, hoy toca... GENESIS, . Espera, Genesis, Genesis, Genesis... Ah sí ese grupo pop comercial ochentero liderado por el batería ¿este, como se llamaba? Phill Collins, eso. Sí,sí Collins, ese que tocaba tanto en colaboraciones con otros artistas, meca, me estoy acordando un poco más, ¿no puso este tío banda sonora a la peli Tarzán de Disney? Si la cosa es pensar, quien no conoce a Genesis, Land of Confusion, Abacab, que canciones eh, quien no las escucho nunca por la radio. Que grande es ese grupo, ¿no?¿cómo que no? ¿el qué?
NO, NO, NO, NO Y NOOOO. ¿Acaso todos esos poperillos amantes de Genesis y Phill Collins se han parado a escuchar sus primeros álbumes? ¿A que no? Genesis no es Phill Collins, bueno en parte sí. Este grupo nunca será lo que fue desde que sacaron Lamb Lies On Broadway, muy bueno por cierto, y se marcho Peter Gabriel,¿Peter Gabriel? ¿Quién es ese tipo? ¿No es uno que tocaba funky y disco? Mirad como os vais acordando.
Para los que no conozcáis su historia. Corría el año 1969 y unos jóvenes, bajo el nombre del primer libro de la Biblia, sacaron un disco llamado From Genesis to Revolution, un álbum más bien flojo, aunque tiene buenos temas, The Silent Sun por ej. Bajo ese trabajo, nunca se hubiera depositado mucha dedicación en ellos, y esa es una de mis teorías, un primer elepé sin himnos ni nada, no debería tener por que ser de una gran banda, ¿O sí? Bowie, no empezó maravillosamente, pero tenía una canción que no se olvidará, pero estos no tenían mucho que mostrarnos. Ah sí que sus siguientes álbumes, no tuvieron mucho tirón. Pero Genesis es una de las mejores bandas que ha habido en la historia, siempre que hablemos de el grupo con Peter Gabriel. Y creo que la banda no tuvo dos etapas, ¿Quéééé? Genesis no fue etapa Gabriel etapa Collins, NO, fueron dos bandas con un mismo nombre y un batería compartido.
El grupillo este, (hablo de la banda de Peter Gabriel) Era una banda de rock progresivo y sinfónico, en los que eran uno de los mejores en cada estilo, unas canciones con teclados, órganos y melotrones dominaban sus trabajos las guitarras no tenían tanta importancia, pero solían meter bastante, ya que tuvieron dos grandes guitarristas Anthony Phillips, que es el de este disco, y Steve Hacket. Sus canciones no eran fáciles de escuchar pero todo era pillarle el puntillo. Sin duda su punto cumbre fue el Selling England by the Pound, una obra imprescindible en el rock progresivo.
Pero centrémonos en el Trespass, es un gran salto, algo así como lo que pasó con Radiohead entre Pablo Honey y The Bends (aunque Pablo tuviera Creep). Trespass es el disco más injustamente olvidado de la carrera de Genesis Gabriel. En general el grupo de Peter es uno de los más infravalorados de el rock, pero sobretodo este. Es un disco más baladero exceptuando The Knife. Tiene canciones de las que nunca nadie se acuerda, ¿oyeron alguna vez hablar de Withe Mountain o Vision of Angels? Hablemos de la calificación, si un 8.5, les parecerá altisimo supongo, pero es que estoy harto de ver como ponen verde a este disco solo cuando no lo merece, me planteé seriamente ponerle un 9. El disquito solo tiene 6 canciones y tener tener no se puede decir que tenga ninguna canción mala, pero si momentillos más flojos en Stagnation y Dusk, y si tuvieran 20 canciones, una mala no pasa nada, pero de 6 la cosa cambia y por eso no llega tampoco al 9. Pero no quiero comportarme como un bitelero, para los que no sepan lo que son, son aquellos que no dan buenas calificaciones a ciertos discos o temas simplemente porque los beatles hicieron cosas mejores y también son los que no ponen buena nota a un álbum por que el grupo tenga otros superiores y por eso no le pongo 8. ¿Han visto que patada le acaba de dar De Jong a Xabi Alonso? ¿¿¿¿Solo le ponen amarilla???? Perdonen este despiste relacionado con la final del mundial.
Vamos con las canciones, abre con el maravilloso Looking for Someone. No podía empezar de mejor manera que con esa vocalización celestial de Peter Gabriel y el teclado acompañando, es una canción buenisima. Y de repente un guitarra toca notas agudas mientras comienza el estribillo. Transcurre tranquila, y en el preciso momento... Comienza el rock progresivo a tope con un magnifico riff de órgano. Aún siendo un duro progresivo, yo lo veo bastante escuchable. Es la mejor, sabe entrelazar dos géneros al momento sin que en ningún momento baje el nivel por pausas aburridas.
Sigue Withe Mountain, una canción progresiva pero sin llegar a mucho, un intro muy tranquilo de melotrón y guitarra, y Gabriel va cantando melodías cada vez más pegajosas mientras un organillo hace un riff rapidito, pausas realmente relajadas pero son de esas que te hacen mirar en la caja del disco cuando falta para que acabe. Tiene lentos solo de flauta, quizá sea un poco inferior el momentillo en el que se pone a silbar pero no es malo, y acaba de forma muy oscura.
Vision of Angels, es otra baladita más alegre, que bonita es la entrada de piano, es una de las canciones que pueden ser escuchadas por todo el mundo sin miedo a decepcionar, es preciosa al igual que su acompañamiento de órgano y el de guitarra que se escucha menos pero muy bueno, destacable la parte instrumental de teclado en la que Gabriel hace un precioso coro. Esta gusta a todo el mundo.
Stagnation la más larga y a la vez que tiene grandes momentos tiene otros más aburridos y monótonos. Desde luego el intro es precioso, mientras Peter canta en volumen muy bajo regulando su gran voz. Pero cuando no me parece tan buena son sus pausas en que los solos de teclados aunque sean muy buenos se alargan más de la cuenta. Pero tiene momentos más buenos porque ese solo de melotrón que parecía que no iba a ningún lado, se pone más alegre y aumenta el ritmos. El momento que más me gusta es cuando dice " I, I ,I, I said I wanna sit down".
Dusk es un tema acústico, originalmente del primer álbum, la melodía a veces resulta muy oscura y a veces más alegre, sin duda yo destaco el solo de flauta y guitarra a la vez que es alucinante, más alegre y con más ritmo. Es quizá el que menos me atrae
Y cuando un órgano y una pesada guitarra dan un sonido más metalero, sabes que llega el gran The Knife que es simplemente genial, que riff de teclado!!! Me sorprende la melodía inicial que me parece muy alegre para la oscuridad del ritmo, pero encaja a la perfección. ¿Han escuchado el solo de guitarra ? Es genial. Posee una pequeña pausa pero la canción es la segunda mejor del álbum, se lleva el título.
Pues ala, seguramente les haya parecido alta la puntuación, pero es mi opinión y debe ser respetada. Hasta luego, voy a ver como acaba el partidazo.

Queen

2010-07-07T16:39:00.000+02:00

Nombre del grupo - Queen
Genero - puff, tuvieron tantos...
Formación - Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor (abajo más información)
Periodo de actividad - 1970 - 1991/1997
Mejor canción - Bohemian Rhapsody
Hola a todo el mundo.
Me encontraba yo un día viendo en la televisión un programa de humor, y en uno de sus sketchs , se pusieron a parodiar una canción. Poco a poco esa canción me fue capturando, una balada dedicada a mamá (ya saben por donde voy eh?) de repente empezó dentro algo parecido a una ópera y entonces yo me tendí en sus manos. Me informe a ver que canción era, resultaba que se llamaba Bohemian Rhapsody (curioso nombre, pensé) del grupo Queen. Y escuché la versión original, evidentemente me dejó aún más sorprendido que la otra jj. Rápidamente conseguí su primer recopilatorio (el mejor de todos, aunque falten algunos temitas) y lo escuché y lo escuché y lo volví a escuchar. Evidentemente no me podía quedar así, había descubierto una banda alucinante. Así que me puse a escuchar sus discos. Y poco a poco Queen se convirtió en mi banda favorita, mi grupo entre grupos, superando a todo lo que había escuchado, y Queen es sin duda lo mejor que escuchado en mi vida. ¿Beatles? ¿Rollings? ¿Zeppelin? ¿Bowie? ¿Floyd? NO! Queen, aunque todos esos nombrados ocupen gran parte de mis gustos musicales, sobretodo Pink Floyd (que está en segunda posición), preferí Queen. Aunque todas esas sean mejores.¿Patético como les conocí no?
A mi que me gusta mucho mirar opiniones de críticos musicales, veo que caracterizan a esta banda de entretenimiento. Bien, es cierto, por mucho que me gusten, admitiré que son parte de la gran función de la música. Pero que sean grupo para divertir no tiene porque ser malo. Uno muchas veces se cansa de escuchar a cantautores de crítica política, y prefiere pararse a atender a la batalla de ogros o a Mustapha (ambas de Queen, aunque también tienen temas más serios). Es verdad que sus letras no transmiten nada, pero las instrumentaciones, dan mil vueltas a la mitad de las cosas que jamás se hayan creado. ¿No me creen? Escuchen Bohemian Rhapsody, Father To Son, Brighton Rock, Innuendo o The March of The Black Queen. Son sencillamente maravillosas, capaces de convinar el piano con la guitarra electrica en fuertes hards rockers, sin olvidar nunca que son cuatro miembros y ninguno debe ser menos que otro, y por eso cada uno toca como el que más y en casi todos los discos hay composiciones de todos los miembros, y en parte por eso nunca llegaron a definir su estilo. Hablando del estilo, Queen experimentó lo inexplorable, ¿ustedes saben el valor que hay que tener para mezclar rock y ópera, mandarlo al mercado y convertirse en su mejor álbum?, inventó el trash metal, el funk metal,tocó metal, hard rock, hacía las mejores baladas habidas y por haber, toco disco, funk rock (por supuesto) pop, pop rock, rock progresivo. y nunca tuvieron fracasos comerciales aunque los discos fueran peores.
Hablemos ahora de sus fans y de sus críticos. Sus fans, son una de las mejores aficiones hacia un grupo. Y a los fans de este grupo, les gustan todos los estilo musicales debido a que abarcaron muchos. Los conciertos de Queen solían estar llenos, hablando de directos, los suyos eran tremendos , lo daban todo, yo por desgracia nunca pude ir a uno de sus conciertos :·( . Siguiendo con los fans, también tienen seguidores que solo les gusta la segunda etapa (la de los 80), esos son los tipicos que se dejan seducir por Radio Ga Ga y nunca escucharán Great King Rat, que sepán que esa fue su etapa más floja, por suerte recuperaron en 89. Y los críticos... los que los siguen cieagamente, saben bajar la nota cuando es necesario, pero también están los antiqueen, no me gusta leer como hablan de ellos, son capaces de bajar la nota al A Night At The Opera por lo que les voy a decir ahora ,jojojojo, ¿saben como los describo? bitleros!!! los antiqueen no saben reconocer que en muchos momentos Queen supera con creces a los Beatles, por muy bien que suenen los de Liverpool, los de Mr. Mecury ganan a Lennon, Mccartney, Harrison y Ringo en más de una ocasión, hasta la grandisima Yesterday parece mala al lado de Bohemian Rhapsody. Y muchos comentan que Queen es una banda sobre valorada, ok en muchos casos lo fue, pero hablando de sobrevaloración, saludo a los Beatles, pues yo creo que los verdaderos creadores del rock son los Rolling, porque cuando los beatles empezaron, hacían Rock n Roll que ya estaba popularizado en los 50, pero los Stones se les adelantaron. Aunque parezca mentira después de lo que he escrito, me gustan los Beatles, peor es que no aguantaba más sin decirlo.
Como ya había dicho antes, Queen tuvo un momento más bajo en los 80, que gracias a Dios, fue resuelto con The Miracle. Y en el Innuendo, de sus mejores álbumes, nos dijo adiós medio moribundo. Y hasta en sus últimos días, cantó como en el priemero.
No se para que empiezo por los 80 en vez de los 70 jeje. Debutaron con un álbum homónimo de potentisimo rock, y luego pasaron a un sonido más progresivo con Queen 2 mi disco preferido preferido de ellos, tras un buen tramite llamado Sheer Heart Attack, llega A Night At The Ópera su pico alto, con su mayor canción que no la nombro para no ser repetitivo y luego tres álbumes más cada uno de un nivel alucinante A Day At The Races, News of The World y Jazz y el principio del bajón The Game.
En el 95 sacaron tras la muerte de Freddie, Made In Heaven, un recopilatorio de "rarezas", temas inacabados, o canciones de los miembros en solitario. En 97 sacan la canción dedicada a Mercury One by One (Only the Good Die Young). Y se separan. Aunque más tarde Brian May, Roger Taylor y Paul Rodgers forman Queen + Paul Rodgers. Pero eso no es Queen, simplemente que fueron vagos y en vez de llamarse de cualquier otro modo mantuvieron el nombre pero con Rodgers de Free y Bad Company. Y sacaron el álbum The Cosmos Rocks.
Y estoy agradecido a este genial grupo por además de por su música, porque gracias a las canciones Under Pressure e Innuendo conocí a Bowie y a Yes.
Formación
Freddie Mercury - vocalista y pianista. Uno de los mejores compositores que al mundo le dio por dar. Y ya puestos es EL MEJOR VOCALISTA. La pena que el SIDA lo mató. Un gran talento además de que supone toda la imagen y carisma del grupo.
Brian May - guitarrista y vocalista. Guitarrista? eso es poco para describirlo, ES DE LOS MEJORES, capaz de hacer orquestas de guitarra como God Save The Queen o Procession. Otro de los grandes compositores. Lo entenderán con darle una escuchadita a Withe Queen, Father To Son, Brighton Rock o Prophets Song. También se atrevió a cantar con una voz suave, tranquilizante y timida.
John Deacon - Bajista. El miembro más desconocido de Queen por su timidez. Muy buen bajista. Solía componer poco pero cuando componía era capaz de hacer maravillas como You're My Best Friend o Spread Your Wings.
Roger Taylor - Batería y vocalista. Ok es bastante buen batería, pero componiendo puff, lo mejor que hizo fue I'm Love With My Car, pero vale la pena no escuchar Radio Ga Ga, aunque por desgracia sale mucho por la radio (Ga Ga jeje). Y gran parte de las canciones que componía, las cantaba él con su voz áspera.
Discografía de Estudio
1973. Queen.
1974. Queen II.
1974. Sheer Heart Attack.
1975. A Night At The Opera.
1976. A Day At The Races.
1977. News Of The World.
1978. Jazz.
1980. The Game.
1980. Flash Gordom.
1982. Hot Space.
1984. The Works.
1986. A Kind Of Mágic.
1989. The Miracle.
1991. Innuendo.
1995. Made In Heaven.

Space Oddity - David Bowie (1969)

2010-06-29T20:27:00.000+02:00

Artista - David Bowie

Publicación - 1969

Discográfica - Philips (Reino Unido)

Mercury (Estados Unidos)
RCA reedición 1972
Rykodisc reedición 30 de enero de 1990
Virgin (estados Unidos)/EMI reedición 1999

Calificación - 7

¿Mejor álbum de Bowie? - No
Mejor canción - Space Oddity/ 2º Puesto - Unwashed and Someewhat Slightly Dazed

Lista de canciones - 1.Space Oddity/2. Uwashed and Somewhat Slightly Dazed/ 3.(/Don't Sit Down)/ 4. Letter to Hermione/ 5. Cygnet Comitee/ 6. Janine/ 7. An Occasional Dream/ 8. Wild Eyed Boy from Freecloud/ 9. God Knows I'm Good/ 10. Memory from a Free Festival.

Muy buenas a todos. Iba a hacer una reseña a Jethro Tull pero cambié de idea y me decidí por Bowie. Esto no es ni mucho lo mejor que hizo, pero fue un pequeño empujón, sin esto no hubiera habido Ziggy Stardust ni The Man Who Sold The World ni nada, y me direis, " no se parece en nada" ya lo se, pero este disco no es que tuviera gran difusión a pesar de la canción homónima, y eso le valió para espabilarse y lanzar grandes maravillas. Como ya he dicho, la canción Space Oddity es absolutamente tremenda, supongo que la habrán visto en la lista de las mejores canciones, y es que lo es.

Este es sin duda uno de los discos más infravalorados de la historia, y no debería a pesar de que le ponga un 7. Porque si le pusiera un 10 sería que solo escuché la canción que da titulo al disco, si tuviera un 9 o un 8 es que solo habría escuchado las canciones en rojo y algunas en verde. Pero la verdad es que hay canciones que son un puro relleno y eso baja la nota, y yo no debo criticar un álbum solo las mejores canciones. En muchos discos hay que escuchar zurullos de canciones para atender a dos aceptables y eso NO. Aún así está bastante bien

Se preguntarán, ¿qué vamos a escuchar? Ok, cuando le den al play en donde quieran que los estén escuchando, podrán percibir un sonido folk, folk rock, folk rock progresivo y rock progresivo. Muy a lo cantautor hippie . Se aprecia una pesada y aburrida guitarrilla acústica a lo largo del trabajo. También he podido escuchar alguna que otra flauta y muchos sintetizadores. No es su mejor álbum. Y a mucha gente le cuesta mucho adaptarse, pero con un par de escuchadas ya te acostumbras a esos sonidos hippie/psicodelicos.

Bueno para los que no conozcan a David Bowie (espero que sean pocos) empezó con un trabajo desastroso, fracaso, irritante e incluso horripilante de título homónimo que no valió para nada, no se molesten en escucharlo. Más tarde llegó este que es de lo que estamos hablando, y a partir de ahí llego su racha alucinante. Muchos trabajos de un calibre muy alto, algo así como la era de oro de Pink Floyd. Bowie se a adaptado a todos los estilo. Desde el folk la psicodelia y el rock progresivo hasta la música electrónica, pasando por el glam rock, glam pop, pop, rock experimental etc. Por eso le llaman el Camaleón del Rock. Sin duda su pico más alto fue el Ziggy Stardust que es también uno de los discos más importantes de la historia, sí, sí han oído bien de los mejores. Al principio sus letras hablaban del espacio ya ven, Space Oddity, Life on Mars? o Ziggy Stardust and the Spider From Mars y es algo que luego aplicaba en la múscia con grandes toques espaciales. La verdad es que yo lo conocí por el Under Pressure de Queen y la primera canción que escuché de él fue Space Oddity que me la enseñó un amigo, y por eso le tengo tanto aprecio, al ser la primera de él...

El primer tema es Space Oddity algo de lo mejor que ha hecho. Rock, folk y psicodelia, que más se puede pedir. Las increíbles hazañas del comandante Tom, es lo mejor del disco. Tiene una armonía inicial bastante oscura con sintetizadores notables durante todo el tema. Para cantarlo creo que lo grabo en dos tomas para hacer un efecto de dos voces. Mientras canta se escucha "ten, nine, eight, seven..." y cuando llega al cero todo se para y comienza el despegue con unos sintetizadores que abren paso a una melodía más alegre y tiene un cambio de alegre a más triste y de repente una guitarra abre un ritmo más movido que dura poco y da paso a un solo. LO MEJOR.

Unwashed And Somewhat Slightly Dazed es otro punto alto, largo pero bueno. Empieza débil, pero esos momentos más animados con esa genial melodía y esa fantástica guitarra eléctrica, me encanta, y una armónica potentísima WUAU y esa voz, yo diría distorsionada, y tiene uno de lo pocos solos del álbum, la segunda mejor.

(Don't Sit Down) solo dura 44 segundos, lo que suena no está mal, pero bueno, es lo que es, está muy bien la guitarra que suena. Al final Bowie se parte de la risa..

Letter to Hermione Tu Tu Tu Tu, jaja, una melodía preciosa melancólica, pero buena. Es de las más guapas, pero no de las mejores, tiene algún pequeño arreglo, pero no de mucho destaque.

Cygnet Comitee es una muy larga canción, cargadísima de arreglos y he de reconocer que al final se hace MUY pesada. Psicodelia al poder!! eso verán, muchísimos sintetizadores, lo mejor cuando dice "I gaven them life, I gave them all" con un potente ritmo allá por el minuto 2:50 hay alguna buena guitarra, tiene demasiados cambios y momentos oscurísimos, pero acaba resultando pesada.

Janine es más alegre con un genial riff, y una melodía muy bucólica, y se deja de la oscuridad de del anterior tema. Siempre me gustó mucho, para ponerse de buen humor es de lo mejor.

An Occasional Dream es quizá el tema más bajo junto con el siguiente, Wild Eyed Boy from Freecloud, y como voy muy mal de tiempo, hablo de ellos a la vez. Ambos son muy hippies, el An Occasional Dream tiene un estribillo algo mejor que el del otro, pero no son los mejores.
God I´m Good es otro buen tema con un pegajoso estribillo, pero muy buena. (Perdonen las prisas y mi escasez)
Memory of a Free Festival, es un gran hmn, con ese intro tan suave de acordeón, y de repente se oye a gente y diferentes ruidos y aparece uno de los coros más alucinantes que he visto nunca, pegadizo y tremendo. Es de lo mejor del álbum.
Espero que les haya gustado la crítica. Saludos. Les hablo Soydelamalena.

Bad Company - Bad Company (1973)

2010-06-07T17:35:00.001+02:00

Artista - Bad Company
Publicación - 1973
Discográfica - Swan Song
Island Record (UK)
Calificación: 9+

¿ Mejor álbum del grupo? - de lo que escuchado de ellos SI
Mejor canción: Bad Company/2º puesto - Ready for Love
Canciones (ambos CDs) : 1.Can't Get Enough/ 2. Rock Steady/ 3. Ready for Love/ 4. Don't let me Down//5. Bad Company/ 6. The Way I choose/ 7. Movin' on/8. Seagull

Hola caminantes, hoy voy a hablar sobre una banda mítica del rock, blues rock y hard rock: Bad Company. No es la más famosa ni mucho menos, pero debería ser una de ellas. No la intenten comparar con bandas como Black Sabath, porque no irán a ningún lado. Bad Company es un rol diferente, no es el hard rock estilo de Black Sabath, Deep Purple etc. es más bien una banda de rock con unas bases de rock and roll y blues, muy marcadas como Status Quo, esto se ve en canciones del disco como Movin' On o Rock Steady, esta ultima es un hard blues rock. En sus canciones destaca la clara sencillez, en algunas de forma absoluta como en Can't Get Enough, con muchas quintas... También tienen alguna que otra balada como Ready for Love.
Este es un disco complicado de calificar, he estado entre el 8, 8.5 y 9 me decidí por 9. Por esa sencillez que tienen (pero están muy bien a pesar de ello) aunque así es un gran disco, todo su gran poderío se ve por ejemplo la canción Bad Company, es la mejor rotundamente, sin duda. Se la recomiendo hasta con una venda en los ojos, es uno de esos temas que siempre están ahí y es también lo mejor que hizo esta banda.
Esta banda es una SUPERBANDA, es decir está formada por miembros de otros grupos de alto nivel son: el cantante, pianista y guitarra ocasional Paul Rodgers ( de Free) el guitarrista Mick Ralphs (de Moot The Hoople) a la batería Simon Kirke ( también de Free) y el bajista Bozz Burrel ( de King Krimson), se formó tras la disolución de todas ellas. Cada miembro es de los mejores en su instrumento y Paul Rodgers era el principal, aunque también hay algún tema acreditado a Ralphs y uno con la participación de Kirke.

El álbum empieza con el "one, two, one two three" de Can't Get Enough, que es de los más famosos de la banda y de los mejores, con un potente riff, y un ritmo durante toda la canción abrasante, tremendo, sorprendente, y ese pegadizo Can't Get Enough Your Love del estribillo y fijense en la batería increible! y dos sencillos solos con fuertes agudos, el primero a dos guitarras, wua! de lo mejor del álbum apesar de su sencillez.
Rock Steady es un hard rock blues, por lo menos yo lo catalogaría así, un riff potente aún más que el anterior, y una voz muy lucida durante toda canción con un grito tremendo cuando dice ROCK STEADY!! Siempre me gustó más la versión en directo, con unas guitarras más punzantes y Rodgers más lucida todavía.
Llega Ready For Love, para los que les gusta el Bad Company cañero, pues a esta no le dan mucha importancia pero para otros toda una maravilla, yo que soy apto para todos los gustos, la destaco bien destacada. Una de las baladas. Tiene una guitarra en flanger, arpegiando acordes, y un piano, que es posiblemente el mejor del álbum tiene un sublime solo de piano, y escuchen la guitarra del estribillo y pre-estribillo, ya un poco distorsionada. Paul como siempre un crack de la voz.
Sigue Don't let me Down, no es cover de los Beatles, es de Rodgers y Ralphs. Otra baladita. Con un intro de piano y guitarra pausado. El estribillo, con sus coristas y todo, es muy muy pegadizo y muy repetitivo. El momento cumbre el solo de saxo que se entrelaza con el de guitarra que casi no se aprecia.
Para abrir el segundo cd aparace Bad Company, LA MEJOR, con ese intro de piano con murmullos guitarra deslizante, te dice que va a ser la mejor, una melodía muy buena y ese estribillo donde entra una guitarra con quintas para darle la caña que se merece, Rodgers siempre lo anuncia con frases como "I Can Hear Them Say" ( Puedo oírles decir) y un par de solo con nivel. QUE GRAN CANCIÓN.
Llega otra balada The Way I Chose, con una guitarra en flanger pero de vez en cuando se oye algún, pinito más solista. Un solo de metales y otro de guitarra. Parece una canción lejana.
Movin' On, como dice el título para moverse, el mejor tema en cuanto a bajo. Seguimos con otra muy al estilo de Status Quo, aunque la técnica es mas complicada pero sin salirse del tiesto. Un solo con slide destaca, repito otra vez, ESCUCHEN ESE BAJO!! Muy buena también.
Seagull, es un tema acústico, durante toda la canción se repite la misma guitarra, además de que no hay más instrumentos que ese y una pandereta, un pegadizo mmmmmm al principio, una preciosa letra algún na na na. Es muy sencillo pero es la típica que gusta a todo el mundo.
Bueno pues espero que les haya gustado esta crítica y para los que lo hayan escuchado, pues el disco.