Mis 7 Discos Preferidos

Pues llevaba tiempo queriendo hacer esta lista, pero si supieran lo difícil que es poner mis discos preferidos en orden, es un tema que me parte la cabeza, dilemas como "¿qué disco me gusta más?" me hicieron alargar la fecha de este post y hacerlo solo de 7, los que me salieron, prometo que cuando me haya organizado subiré una la lista con 10. Pero para ahora esta bien, como veis son 7 clásicos obvios, pero es Mi lista, así que ahí les va:


1.A Night At The Opera - Queen (1975). Sin duda alguna, el mejor disco de toda la carrera de la Reina del rock, y en mi humilde opinión el mejor de todos los tiempos. Un disco con una producción excelente, cabe decir que para su grabación cada miembro del grupo tenía un estudio para el solo y así poder trabajar libremente en sus canciones sin nadie "molestando". Uno de los discos más ambiciosos que jamas se hayan visto, no era poco lo que los músicos se exigían así mismos, no quisieron hacer un álbum tan pomposo como en Queen II, pero no tan..."simple" como en el debut, los arreglos se cuentan por cientos en este álbum. Por fin forman un disco coherente, sin rellenos, mezclando todo lo que habían trabajado anteriormente, rockers, suites, glam y ante todo la fusión con opera (no confundir con opera rock, son cosas diferentes). Es notoria la influencia glam del álbum de gente como Bolan o Bowie, pero ellos hicieron un álbum propio y con carnet de identidad.


2.Animals - Pink Floyd (1977). La obra cumbre del rock progresivo, no es tan extraña, compleja y virtuosa como pueden ser ELP, sencillamente es creativo, los miembros del grupo no querían  notas a punta pala, querían ser innovadores. Curiosamente este álbum decepcionó al público en su día, no se que le encontrarían, quizá que era más oscuro que sus dos álbumes anteriores, quién sabe. Al igual que en The Dark Side Of The Moon, se trata de un disco conceptual, la Rebelión en la Granja se hace música, y honrosamente. Cada detalle esta perfectamente musicalizado, la soberbia de los cerdos, la arrogancia de los perros y la sublevación de las ovejas. Aquí Roger Waters cogería el timón de la banda, y en The Wall no lo soltaría...


3.The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spider From Mars - David Bowie (1972). Si no consideráramos al ANATO de Queen como un disco glam, este sería la obra cumbre de dicho género. Lo que hace tan grande a este disco es el como se mete Bowie en el papel de Ziggy Stardust, un extraterrestre que llega a salvar la Tierra y para ello se convierte en rockero, cayendo en toda tentación y como era de esperar termina suicidándose, el caso es que David clava el personaje en todo momento, y no solo eso, retrata toda la historia en 11 maravillosas canciones, en la que podemos encontrar de todo: desde preciosas baladas como Lady Stardust hasta fuertes rockers como Suffragette City, ¿en serio que quieren más?


4.Beggars Banquet - The Rolling Stones (1968). Los Stones también sabían coger la guitarra acústica y deleitarnos con números country, delta-blues o folk. El disco es adictivo, en cuanto entiendes su dinámica no lo puedes soltar, parece que lo hicieron a mala idea para engancharte a él. El último disco que grabó Brian Jones, y en el cual aportó unos slides memorables, no hay más que escuchar Jigsaw Puzzle. Además pocos álbumes pueden presumir de abrir con un temazo como es Sympathy For The Devil, idóneo para comenzar una juerga a manos de sus Satánicas Majestades. 


5.Axis: Bold As Love - The Jimi Hendrix Exprience (1967). Conserva el toque psicodélico del Are You Experienced?, pero AYE? era bastante rockero, la guitarra de Hendrix parecía una auténtica ametralladora, mas en Axis la guitarra suena más limpia y sincera, las melodías no son tan forzadas por momentos. Parece un disco mucho más trabajado, de esos que lleva sus años producirlo, pero fue lanzado el mismo año que su predecesor. Va en gustos a mi me gusta más que sus otras dos obras, su único defecto es que no es recomendable para escuchar 5 veces seguidas, hay que llevarlo con paciencia.


6.Thick As A Brick - Jethro Tull (1972). Nunca Jethro Tull fueron tan innovadores, ni en sus discos más rockeros ni en el experimento que sería A Passion Play, pues aquí hacen un disco totalmente suyo, todos los robustos temas de Aqualung, con ciertos toques folky y algo de psicodelia se mezclan esta auténtica obra maestra. Una suite de 40 minutos dividida en dos partes,  la mejor que jamás haya oído; partes divertidas y agradables, secciones guitarreras con fuertes riffs, pasajes con un teclado descontrolado...Toda la esencia del rock progresivo esta aquí, escúchalo!


7.Led Zeppelin II - Led Zeppelin (1969). El primer disco de heavy metal de la historia, por supuesto no es metal como el de hoy, eran los inicios, sabían darle a la maquina pero les faltaba un empujón. Aun así este disco es capaz de tirar catedrales abajo solo con el riff de Whole Lotta Love o Heartbreaker, todo ello con una innegable base de blues. El bajo de JPJ está en su mejor momento aquí y también la voz de Plant, no tan incomoda como en el debut ni tan insoportable como haría posteriormente. 


Disfruten!

The Brew, Sala Nuncajamás (11/03/11)

¡Por fin!
¡Las ganas que yo tenía por ver a esta banda en directo! En cuanto me entere de que se iban a pasar por aquí, me quedo claro que iba a ir. Y por supuesto no me arrepiento, ¡conciertazo el que nos dejaron!
Para los que no los conozcan, The Brew son una banda inglesa, con influencias del rock de los setenta, tales como Led Zeppelin o The Who. La formación es curiosa: al bajo Tim Smith, padre de Kurtis Smith, batería y a la guitarra el joven Jason Barwick,  y no me corto un pelo si digo que es uno de los mejores guitarristas de la actualidad. Si Stevie Ray Vaughan fue el nuevo Hendrix, Jason es el nuevo Stevie, no hay duda.
La sala Nuncajamás estaba petada, y la gente ansiaba ver al trío inglés, en especial a la promesa de la guitarra. No defraudaron, aparecieron bastante puntuales sobre el escenario y comenzaron con el trallazo que es Every Gig Has A Neighbour. Jason no paró de dar saltos y botes en toda la velada, cuiroso, pues el escenario no era precisamente grande, pero aprovechó hasta el más mínimo hueco. Tocaron de por medio Wrong Tunes y Surrender It All bastante airosos, pero el público enloqueció cuando Tim anunció Little Wing, de Hendrix, donde Barwick se lució hasta el alma, con cincuenta florituras, solos con la guitarra a la espalda, slides con el soporte del micro...Parecía irle la vida en ametrallar a la gente con ráfagas de notas. Change In The Air también estuvo en el recital, y la famosa KAM, con una emotiva presentación de dicho tema. Como no, tampoco faltó el solo de Jason con el arco de violín al más puro estilo Page, ni el de batería a manos (nunca mejor dicho) de Kurtis, aporreo las cajas con todas sus fuerzas hasta que se cansó de las baquetas y le dio con las manos. No me cansaré de decirlo, yo ahí veía a Keith Moon, tanto en técnica como en feeling y humor. El bajista, Tim, padre de la banda, parecía disfrutar como el que más ante semejante espectáculo.
Acto seguido vinieron los bises con A Million Dead Stars y todo el público cantándola: "Million dead staaaaaaaars, DEAD STARS!!!" y tras esto una alucinante versión de Voodoo Child (Slight Return), en el que llegó un momento en el que te perdías ante tanto virtuosismo y dominio del wah-wah de Jason. Cerraron la velada con Dazed & Confused de los Zep excelente tema para terminar.
Los tíos estuvieron de buen humor anteanoche, y no decepcionaron al público ovetense. Había tiempo que no disfrutaba tanto.


La banda se las trae, especialmente en directo, no son el futuro, sino el presente, así que no les pierdan la pista, merecen mucha más fama de la que tienen.
No tuve con que sacar fotos o vídeos, así que os dejo algún  temazo para los que no los conozcáis:

Tattoo - Rory Gallagher (1973)

Artista: Rory Gallagher
Publicación: 1973
Discográfica: Polydor
Calificación: 10

Mejor canción: A Million Miles Away/ 2º Puesto: Tattoo'd Lady
Canciones: 1.Tattoo'd Lady/2. Cradle Rock/3. 20:20 Vision/4.They Don't Make Them Like You Anymore/5.Livin' Like A Trucker/6.Sleep On A Clothes-Line/7.Who's That Coming?/8.A Million Miles Away/9.Admit It/
BONUS TRACKS: 10.Tucson Arizona/ 11.Just A Little Bit/


Melena ondeando al viento, campestre camisa de cuadros, voz empapada en alcohol y una guitarra soñadora...otros lo llaman Rory Gallagher, un honesto hombre, que dedicó su vida a la guitarra. Infravalorado hasta el hartazgo: ciertamente son pocos los que saben de su obra, pero los que lo conocen es mucho el aprecio que sienten por él.
Ha sido eclipsado por otros artistas de la talla de Eric Clapton o Stevie Ray Vaughan, quedando oculto entre las tinieblas a la espera de que algún melómano se dignara escucharlo. 
Así que aquí estamos para dar a conocer su carrera, aunque veo que entre los bloggers tiene bastante fama.
¿Querían buen blues-rock?Aquí lo tienen, la desgastada Stratocaster de Rory parece tocar sola. En este disco, Tattoo, Gallagher se adentra en el mundo de los "roots" saliendo airoso en cada tema. rock agresivo en Cradle Rock, jazz rock acelerado en They Don't Make Them Like You Any More, baladas infinitas en A Million Miles Away, fuertes rock con acento blusero en Sleep On A Clothes-Line y Who's That Coming?, folk en 20:20 Vision, eléctricos jams en Just A Little Bit...busquen y escuchen, este disco es una hora de completo sentimiento repercutido en una guitarra...hablando de guitarra, si no saben lo  que es tocar bien un instrumento escuchen el dominio que Rory muestra a lo largo de todo el álbum.
También quiero hacer hincapié en Lou Martin, teclista en este disco y en Gerry McAvoy, un bajista no muy virtuoso pero que tocaba muy bien, o por lo menos Rory le daba su papelito en cada canción. El batería Rod de'Ath, también hizo un buen trabajo, aunque por momentos sus baqueteos me pongan de los nervios (Cradle Rock).
Personalmente este es su mejor disco (de estudio). Que lo escuche todo aquel que piense que los "guitar heroes" solo tocan bien en directo.


Abre con Tattoo'd Lady, su tema más famoso. Esta canción me encandiló desde el primer momento, y fue la que me hizo comprar este disco, arriesgándome a que el resto fuera bazofia, pero hubo suerte. La melodía inicial es sin duda alguna la mejor del disco y posiblemente de la carrera del irlandés, "Tattoo'd lady, bearded baby, they're my family", que sorprendente torna a un estribillo que parece otra canción. La canción termina con un solo espectacular, de mis preferidos.
Sigue el abrasante rocker Cradle Rock. El riff es asesino; te tira al suelo y te destroza el esqueleto, hueso a hueso. Y el resto de la canción sigue la misma linea, con el ritmo por las nubes, Rory vociferando y Lou haciendo cabriolas con su órgano. Una bofetada con toda la furia posible.
20:20 Vision es más discreto, un tema folky, lento y con Gallagher pasándoselo bien mientras toca. La melodía es buena, un tanto tímida, a juego con el pianito de fondo.
They Don't Make Them Like You Anymore es un paso hacia un jazz forzado y acelerado. La guitarra repite un lick a lo largo de la canción que resulta familiar. El tema muestra a un Rory despiadado, tanto en la voz como en la guitarra, que aquí hace del tema una joya, aunque cuando lo da todo es en la parte de "Where would I go? What would I do if you should run from me?"
Sigue Livin' Like A Trucker, bastante diferente al resto del disco. El foco gira hacia la guitarra cargada de wah-wah, ejerciendo de instrumento rítmico hasta que un breve pero intenso solo desvela a Rory en estado puro.
Sleep On A Clothes-Line hace mover el cuerpo con ese clandestino riff que hiela la sangre, pero la música no se relaja, y Rory nos deleita con maravillosos pasajes siempre con la guitarra ardiendo, dispuesta a matar.
Sigue uno de los picos cumbres: Who's That Coming?Para el intro se van sumando poco a poco guitarras hasta que la acústica del principio queda obsoleta y Gallagher empieza a meter caña con es pegadiza melodía "Tell me who's that coming, not walking, but running"con slides, armónicas y wah-wahs de fondo consolidando una estupenda base sobre la que el maestro realiza multitud de florituras e improvisaciones.
Llegamos a la cima en A Million Miles Away, la balada perfecta. La guitarra suena limpia, sincera, cargada de sentimiento hasta el alma, penetrando en uno hasta que no le queda la de cerrar los ojos. La melodía es triste y melancólica, y Rory la hace lo más sensible posible con su voz rota. Cada pasaje te transporta a otro lugar, pierdes el sentido cuando repentinamente dice "Why ask how I feel, well how does it look to you" con saxo y otros arreglos de metal para más inri. Cuando toda la banda parece agotada, se introducen en un apoteosis final, con todos los miembros a máxima potencia.
Cierra el disco original Admit It, que sabe a poco después de los otros números. El riff de bajo es consistente, y también lo son el piano y la oxidada guitarra de fondo, pero ya no es lo mismo de los otros temas.
Los dos bonus tracks están bastante bien, uno es Tucson, Arizona una balada country endulzada y solemne, que recuerda a los Eagles.
El otro es Just A Little Bit, un jam de 8 minutos escasos, que abre con la pegadiza melodía "I don't want it all, I just want a little bit", y tras ello se funde en largos solos todos excelentes por supuesto.
Pues este es un disco obligatorio para todo melómano, la guitarra vibra aquí como en pocos otros álbumes.
Saludos.

Beggars Banquet - The Rolling Stones (1968)

Artista: The Rolling Stones
Publicación: 1968
Discográfica: Decca Records
Calificación: 10

Mejor canción: Sympathy For The Devil/ 2º Puesto: Stray Cat Blues o Jigsaw puzzle
Canciones: 1.Sympathy For The Devil/ 2.No Expectations/ 3. Dear Doctor/ 4.Parachute Woman/ 5.Jigsaw Puzzle/ 6.Street Fighting Man/7.Prodigal Son/ 8. Stray Cat Blues/ 9.Factory Girl/ 10. Salt Of The Earth/


Se que es saltarse gran parte de la discografía de la banda, pero no he podido resistir la tentación. ¿Quién no es capaz de resistirse a este álbum?
Para empezar, no crean que este álbum es un bestialidad de riffs y rock n roll en estado puro como pudo ser Sticky Fingers, este disco es salvaje pero a la vez delicado, ¿cómo puede ser eso? Pues fácil queridos lectores, el ambiente Rollinga y todo lo que este conlleva esta presente a lo largo de toda la obra, pero en este disco los Stones deciden rockear sin necesidad de mucha guitarra eléctrica. Blues, country, delta-blues...reminiscencias a gente como Robert Johnson o Leadbelly pero sin falta de empapar el álbum de covers. Su primera etapa queda aquí perfeccionada pero sin tanta electricidad. Interesante ¿no creen?
Cada escucha te atrapa más que la anterior y, lo que al principio parecía un disco chatarrero y mendigo se convierte en la perfección a manos de los Jagger/Richards. Estos, se han olvidado de la experimentación y de la psicodelia que Brian había aportado al grupo un año atrás. 
Hablando del rey de Roma, Brian Jones parece pasar desapercibido aquí, poco más aporta que los slides y algún instrumento raro. La relación que Jones mantenía con los demás miembros iba a pique, pues les resultaba un estorbo, andaba bajo vigilancia de la policía por posesión de drogas, y sus giras ya no eran lo mismo. El que en un principio valía por miles paso a ser un cero a la izquierda.
Entretenido, adictivo, descarado...UN DISCO DE LOS STONES. Este disco es uno de los de cabecera para la propia banda, fíjense en la estructura de Beggars Banquet con respecto a Let It Bleed (pensaba que eran paranoias mías, pero el señor Federico me lo confirmó).
Seguramente sea mi preferido del grupo, solo Let It Bleed parece hacerle la competencia xD


Abre la GIGANTESCA Sympathy For The Devil, MI canción de los Stones, ninguna como esta. Congas y bongos dan inicio al álbum al que pronto se le suma un piano espectacular, que va acelerando él solo la canción. La melodía es perfecta "Please allow me to introduce myself, I'm a man of wealth and taste" mientras el bajo hace virguerías. Entre hooo-hooos Jagger va encabronando su voz, hasta que llega un momento en que solo le queda las de aullar, y justo ahí PUM aparece Keith con un solo electrizantemente sucio, que al final de tema se las juega con la voz de Mick, ya a grito pelado. No conoces el rock si nunca la has escuchado.
Sigue la linda balada country/blues No Expectations con la slide-guitar de Brian Jones armonizando el tema, el piano agrega belleza y el bajo profundidad, y la voz...como retrata lo que el tema simboliza (ya sabrán que uno de los temas mas comunes en el country son las vidas desgraciadas, dejadas al destino), todo ello en conjunto conforma una de las más lindas baladas de los Rolling.
Dear Doctor es uno de mis preferidos, sobre ese ritmo de vals, la banda parece pasar un rato estupendo, la melodía es pegadiza hasta la médula, Jagger y Richards cantan en dueto, aportando cada uno lo que su voz da. Esos armoniqueos sobre los que, hacia el 2:25, Mick parece berrar no bajan de maravillosos. "So help me, please doctor, I'm heavy"
Sigue Parachute Woman un blues sucio, descuidado y oscuro, que parece un adelanto de Midnight Rambler. La guitarra eléctrica haciendo la melodía de semejante manera: borrosa y difuminada. 
Jigsaw Puzzle es otro de los puntos más altos. Linda, bella, suave al tacto y...a la escucha. Al inicio parece aburrida, pero poco a poco se van sumando y sumando instrumentos bajo esa perfecta y delicada melodía hasta que...lo que parecía un aburrido tema pop/folky se convierte en uno de los mejores. Las guitarras acústicas que llevan el ritmo parecen ir aumentando y aumentando, hasta llegar a la apoteosis, para la cual el bajo ya nos había deleitado con lineas y lineas redondas, que parecen girar sobre si mismas.
Sigue el archiconocidísimo Street Fighting Man, un tema que rockea y patea culos hasta la saciedad con unas guitarras acústicas distorsionadas, que producen el ambiente más sucio de la obra. La melodía es también muy sencilla pero preocupantemente pegajosa.
Sigue Prodigal Son un tema folk-blues con unos platillos chisporroteantes sobre los que Keith nos muestra sus habilidades sobre la guitarra acústica.
Stray Cat Blues es lo más parecido a lo que los Rolling harían posteriormente. Mick Jagger se muestra vacilón y pervertido, con la voz especialmente pasota. Los riffs y el más puro rock n roll aparecen aquí a manos de Keith, que suelta notas y notas con su guitarra taladrando las neuronas. Pero, paradójicamente, en el tema más Stone del álbum aparece de nuevo el infravalorado Nicky Hopkins con su piano,  con su veloz piano.
Facotry Girl aporta poco más que una sensible mandolina, pues no es un tema que me atraiga mucho, parece un relleno, pero pasa desapercibido ante tanto monstruo.
Cierra Salt Of The Earth, con su bella melodía que, al aparecer Mick se suma un piano para hacer las funciones. Los slides de Brian Jones no son tan perfectos como en Jigsaw Puzzle pero cumple.Tema perfecto para acabar semejante álbum. Y excelente trabajo del coro femenino de L.A.
Gran álbum, aunque de nada te vale si aún no has escuchado nada de la banda. Te atrapa, te atrapa y no te suelta.
Saludos!

Truth - Jeff Beck (1968)

Artista: Jeff Beck Group (aunque fue lanzado como disco de Jeff Beck)
Publicación: 1968
Discográfica: EMI Columbia/Epic
Calificación: 9.5

Mejor canción: Blues De Luxe/2º Puesto: I Ain't Superstitious
Canciones: 1. Shape Of Things/ 2. Let Me Love You/ 3. Morning Dew/ 4. You Shook Me/ 5. Ol' Man River/ 6. Greensleeves/7. Rock My Plimsoul/ 8. Beck's Bolero/ 9. Blues De Luxe/ 10. I Ain't Superstitious/


De los Yardbirds salieron tres de los mejores guitarristas conocidos: Eric Clapton, Jimmy Page y Jeff Beck. Tres iconos del blues rock, tres innovadores de la época. Pero hoy solo hablare de Jeff Beck. 
Tras dejar los antes nombrados Yardbirds, formaría un grupo con una alineación épica. Rod Stewart ejercía de vocalista y Ron Wood le daba al bajo. Hoy día puede sonar chocante ver a estas tres personalidades juntas, pero cabe decir que por aquel entonces no los conocían ni en su casa. Nicky Hopkins se encargaba del piano, para el que no tenga idea de quien este señor, realizó un excelente trabajo  en el Beggars Banquet de los Rolling Stones. Un tal Micky Waller tocaba la batería, excepto en dos temas, en los que le cedía el puesto a...¡KEITH MOON! También estuvo Jimmy Page durante esas sesiones, y dejo plasmada su guitarra de doce cuerdas en Beck's Bolero. ¿Quieren que siga? Pues bien, un joven John Paul Jones, que por aquel entonces se dedicaba a los arreglos en diversas bandas, no dejo pasar a Jeff Beck y toco en un par de temas el bajo y el hammond.
Cualquier purista del más clásico rock y del blues rock debería tenerlo entre sus filas, o por lo menos, haberlo escuchado en alguna ocasión.
Estamos ante una de las obras más perfectas hechas jamas en la historia del rock n' roll, y sin duda de los 5 o 10 mejores discos forjados en el blues.
Beck agrega oscuridad, tristeza y melancolía con su depurada técnica, la guitarra llora, ¿alguien lo niega? Simplemente sublime, y Stewart parece dejarse la piel en cada tema, igualando por momentos a los mejores bluesmans blancos, como Joe Cocker.
El más fuerte blues, con uno de los mayores guitar heroes apoyado por una de las mejores voces de blues blanco, con tintes de arena rock y principios del uso del pedal wah-wah, ¿qué más quieren?


Abre con Shape of Things, cover de un antiguo tema suyo con los Yardbirds, digan ustedes pero a mi me gusta más esta versión que la original, es otro tema distinto. Las lineas de bajo de Wood son el punto fuerte de la canción, la guitarra hace de las suyas soltando notas cuando lo ve oportuno, no dando tiempo a respirar a Rod y su fabulosa melodía: "Shape of things before my eyes".
Sigue un potente blues llamado Let Me Love You, dejando todo el protagonismo a Jeff, ametrallando con riffs mortales a los que Ronnie se acopla dando vuletas y vueltas a su bajo. Largos solos entre gemidos de Stewart, la esencia de la banda.
Morning Dew, una balada en la que Jeff comienza a usar el wah-wah, por momentos parece no adaptarse, pero el dominio que tiene sobre el pedal consigue meterlo en cualquier momento de la canción, escuchen esas ráfagas y ráfagas de notas en los pegadizos coros que sin darse cuenta caen al verso y la tranquilidad. Maravilloso.
You Shook Me tiene un gancho especial, aunque no tan buena como la versión de los Zepp, es mucho más glamurosa y arreglada. Beck y Stewart realizan la misma melodía a la vez mientras Nicky Hopkins hace vibrar el piano con estupendos arreglos, dejando casi en ridículo a Jeff (exagerando, claro esta).
Ol' Man River es serio candidato a tema más flojo del álbum. Keith Moon da su primera aparición en el álbum, aporreando un timbal, y aquí Beck decide tocar el bajo, con alguna buena linea, pero poco más, le falta carisma y echarle ganas.
Greensleeves es un tema instrumental, solamente una guitarra acústica, que suena a gloria, enseñándonos otro de los fuertes de Jeff.
Sigue Rock My Plimsoul, con un bastante buen riff, que nada es al lado del posterior solo, por desgracia la canción cae en el aburrimiento por exceso de minutos.
Beck's Bolero recoge la psicodelia que un año antes se había apoderado del mundo. Un ritmo trepidante de batería, a la que Page imita con su ampulosa guitarra mientras Jeff realiza una apasionante e hipnótica melodía guitarrera, y entonces un grito seco da paso a un espectacular riff rockero hasta atrás. Por desgracia la canción es demasiado previsible.
Blues De Luxe, puro sentimiento, por cada parte; ritmo lento, lento, lento con un largo vacío entre frase y frase, en el que el oyente echa a andar la imaginación, con esas teclas resonando, apartándote del mundo de los vivos mientras suenen..."I don't know too much about love, people" nos cuenta Stewart, dando por sentado que es una de las mejores voces que jamas se hayan visto en el "white-blues". Finalmente Jeff decide saltar a escena y decir "Ahí estoy yo". Vuelvo a decir, ¿de veras quieren más?
Cierra otro cover, I Ain't Superstitious, seguramente no sea tan buena como la de Howlin' Wolf, pero le roza los talones. Riff rompecabezas que da paso a la pegadiza melodía, y esos cambios de ritmo en los que Jeff nos muestra de nuevo como se hace hablar a una guitarra. Sin duda el mejor blues (a parte de Blues De Luxe) del álbum.
Es díficil ser un amante del género y no haber oído el disco, en ese caso; no pierdan el tiempo y consíganlo como sea. Hoy día esto es una superbanda, con algunos de los músicos más virtuosos del rock.
Cordiales saludos.

This Was - Jethro Tull(1968)

Artista: Jethro Tull
Publicación: 1968
Discográfica: Chrysalis Records
Calificación: 7.5

Mejor Canción: A Song For Jeffrey/ 2º Puesto: Beggar's Farm o It's Breaking Me Up.
Canciones: 1.My Sunday Feeling/ 2. Some Day The Sun Won't Shine For You/ 3.Beggar's Farm/ 4.Move On Alone/ 5.Serenade To A Cuckoo/ 6.Dharma For One/ 7.It's Breaking Me Up/ 8.Cat's Squirrel/ 9. A Song For Jeffrey/ 10. Round/


Perdonen mi tardanza durante estos días, pero entre que estoy falto de inspiración y  que el ordenador anda tonto, ya son casi tres semanas sin subir nada.
Hoy les presento un olvidado álbum que se hace llamar This Was. Se trata de un semi-rutinario disco de blues de la época. No es tan aburrido y monótono por dos razones.
En primer lugar está él cuidado que Mick Abrahams (Ovación)  pone en su guitarra. Es un placer escuchar cada sección que Mick realiza en este disco, véase It's Breaking Me Up o Some Day The Sun Won't Shine For You.
La segunda razón por la que este debut se salva es la creatividad que Ian Anderson arrastraba ya desde el primer día (y eso que en la encuesta solo obtuvo 4 votos). Era original hasta para el más genérico blues; metía su mítica flauta en cualquier tema y encajaba a la perfección. Cada armoniqueo del disco es una delicia, y ya resaltaba su vena rockera y progresiva (Beggar's Farm)
Pero el álbum no se iba a llevar un 7.5 así como así. Como principal error veo los temas instrumentales, los cuales alargaban demasiado y resultaban muy pesadas. Peor lo ponemos conociendo la situación, 4 de los 10 temas del álbum son instrumentales, de los cuales uno es fabuloso (Serenade To A Cucko), otro demencial (Dharma For One), otro aburrido (Cat's Squirrel) y otro que no da para nada (Round).
Por suerte Anderson supo compensar la otra parte del disco, la cual sale airosa de la prueba.
Pues lo dicho el blues más limpio e interno que Jethro Tull hizo nunca anda por estas fechas.
Para los que nunca hayan escuchado a los Tull, no les recomiendo empezar por aquí; en todo caso por Stand Up, Aqualung o Too Old Too Rock N' Roll: Too Young o Die!, y tras estas obras escuchar el magnus opus: Thick As A Brick.

Abre My Sunday Feeling, un hard rock con un magnífico riff guitarra/flauta. La canción tiene ritmo y actitud, pero le falta agresividad a Anderson en la voz, tranquilos, Aqualung no tardaría mucho en llegar.
Sigue uno de mis preferidos: Some Day The Sun Won't Shine For You un estupendo blues en el que la guitarra y la armónica suenan paralelos, mientras la voz de Ian (doblada) suena convincente y portadora de emoción.
Beggar's Farm es un adelanto de lo que años adelante llegaría. Rock Progresivo discreto, dando mucha importancia a los arpegios de Mick que se acoplan al perfecto riff de flauta a manos de Anderson. Suena aburrido por el verso pero quien no se viene arriba (en lo musicalmente hablando) cuando Ian dice "You Don't Fool Me" o en ese cañero final. Fantástico tema para iniciarse con Jethro.
La siguiente es un music-hall llamado Move On Alone, nostálgico pero optimista. La melodía es sublime, y nada menos es la fabulosa sección de viento que acompaña.
Sigue el más aclamado tema del álbum: Serenade To A Cuckoo, donde Ian demuestra otra vez que es el mejor flautista del rock, escuchen cuanto sentimiento lleva cada nota de esta canción. Y no podía pasar sin dar un aplauso al trabajo que Mick hace en este tema, desde los más simples acordes el perfecto solo.
Todo se viene abajo con Dharma For One, lo siento pero no soporto los solos de batería, y menos un tema exclusivo para ello.
Revivimos con It's Breaking Me Up y el mejor riff del disco, puntiagudo y blusero hasta el alma, y ¡fijense como la armónica lo imita! Y para alcanzar la perfección tenemos la impresionante performance de Ian Anderson a la voz.
Cat's Squirrel se hace demasiado larga, salva la calidad del solo.
El mejor tema para mi es A Song For Jeffrey, la cual empieza con lentamente con la flauta y el bajo, sonando progresivos, pero enseguida se anima la cosa con la armónica luciéndose y unos slides de guitarra esplendidos, dando ese ambiente blues country que reina en este álbum. La melodía es muy pegadiza, y le da un toque negro distorsionando la voz, aunque aquí Anderson cante muy de nariz. 
Cierra el efímero Round que, como ya antes dije; no da para nada.
Buen debut, aunque no es más que un momento por el que Anderson quiso pasar, como hizo a lo largo de su carrera.
Les dejo el mítico vídeo de A Song For Jeffrey en el Rock n' Roll Circus con Tommy Iommy a la guitarra. 
Disfrútenlo
Mis saludos.

Broken Boy Soldiers - The Raconteurs (2006)

Artista: The Raconteurs
Publicación: 2006
Discográfica: Third Man Records
Calificación: 10

Mejor canción: Level/ 2º Puesto: Together...o incluso Blue Veins
Canciones: 1. Steady As She Goes/ 2. Hands/ 3. Broken Boy Soldier/4. Intimate Secretary/ 5. Together/ 6. Level/ 7. Store Bought Bones/ 8. Yellow Sun/ 9. Call it a Day/ 10. Blue Veins/


NOTA: Querido lector o lectora de Camino Al Rock, los que ya hayáis leído la entrada os habreis fijado de que la nota del disco era un 9+ y ahora es un 10. ¿Razones? Simplemente el escucharlo un día más me ha hecho darme cuenta de que una sola canción no puede hacer del álbum bazofia. Perdón por las molestias (lo dicho, parece que lleve toda la vida en esto XD)  


Jack White es una de las mas importantes personalidades musicales del milenio,  estamos ante un genio a la altura de los grandes del siglo pasado, nada les tiene que envidiar, y si además recordamos a todos esos grupos  dosmileros tipo Linkin' Park, la genialidad  de Jack aumenta, demostrándonos que es uno de los 5 mejores músicos de la actualidad.
Pero ¿que pasaría si a él le sumamos a alguien como Brendan Benson? Conseguiríamos una de las más curiosas y efectivas mezclas de la música contemporánea, o dicho de otra forma: The Raconteurs.
Benson y White tienen estilos un tanto diferentes, Brendan va a tonos más clásicos, a los orígenes, mientras que Jack tiende al rock más crudo y duro, y es la diversidad musical de sus miembros la que crea un sonido único e inconfundible; esa mezcla entre blues, flok, rock duro y por momentos progresivo, pero siempre con melodías dignas de un grupo pop. Es la armonía contra la experimentación, la sencillez contra lo complejo,la luz contra la oscuridad...
Escucharlo es toda una experiencia,  al principio uno no sabe donde se ha metido ni lo que ocurre, la cabeza te da vueltas y no comprendes NADA, la falta de coherencia entre los temas; unos raruños y otros de lo más poppy...mas con el tiempo se vuelve adictivo incluso sus canciones más extrañas (Broken Boy Soldier).
Jack White vuelve a demostrar todo su potencial en esta banda, replicando que él no suele fallar. La gran capacidad de Brendan Benson consigue equilibrar el álbum, pero sin hacerlo regular; más bien sería lúdico por decirlo de alguna manera, hasta sus puntos más flojos tienen un algo que les hace no caer en la aberración y ser un tanto entretenidos.
Para los amantes de White Stripes: la cosa ha cambiado mucho y posiblemente no os guste si lo que buscáis es una banda sencilla e instantánea.


Abre con Steady As She Goes, el tema más exitoso del álbum. El bajo de Jack Lawrence lleva la batuta con un riff excelente sobre el que las guitarras rasguean acordes simplistas, pero suficientes para acompañar. La melodía, especialmente la del estribillo, es muy pegadiza, mientras la del verso parece dar vueltas sobre si misma.
Sigue Hands una canción mucho más rockera, con Jack y Brenda dándole fuerte a las cuerdas en un gran riff que se desvanece para dejar paso al verso en el que la parte vocal arruina el tema, digamos que es una voz "sin sustancia".
Continuamos con Broken Boy Soldier, el tema más raro, experimental y oscuro del álbum. La batería consigue un sonido chatarrero, mientras la guitarra practica deslizantes agudos que pasan desapercibidos detrás de una linea de sintetizador continua y suspendida en el tostado y ensangrentado ambiente culminado por la desgarradora y distorsionada voz de Jack.
Intimate Secretary es mucho más flojo que los tres anteriores, básicamente porque es un desorden, distintas secciones con melodías muy vagas que intentan protegerse de un medianamente buen riff...
Together realza la vista, con dulces ganchos melódicos de la mano de Brendan, que canta tranquilo como si problemas no hubiera en el mundo, todo ello sobre una base bien cimentada por discretas guitarras acústicas, profundos bajo y un hipnótico órgano.
Level es incluso mejor, aún siendo una extraña canción. Tras su fantasmal intro desemboca en una parte más "seria", con mucha más caña y guitarrazos dignos de los Sabbath, pausados pero contundentes, como tiene que ser! En el último verso White funciona de lorito de repetición (para bien) de Brendan actuando de eco.
Store Bought Bones es un tema cañero aunque más flojo que el anterior. El riff y dominio del tema lo lleva un eclesiástico órgano, con Patrick Keeler haciendo sonar los platillos y Lawrence remarcando su bajo.
Le sigue Yellow Sun con la batería saliéndose del papel y un duelo entre acústica y teclado a ver cual sale más airoso.
Call It a Day es otro tema acústico muy lindo, que no sería nada sin esa enganchadiza melodía culminada siempre en coros con guitarros eléctricos.
Cierra Blue Veins un umbrío blues, lleno de feeling por parte de Jack White, tanto en la voz como en las seis cuerdas, dejando a Benson un papel secundario. Transmite tantas cosas...está a la altura de Together y de Level, y lo encuentro infravalorado.

Unplugged - Eric Clapton (1992)

Artista - Eric Clapton
Publicación - 1992
Discográfica - Reprise Records
Calificación: 9-

Momento cumbre: Nobody Knows You When You're Down and Out/ 2º Puesto: Rollin' and Tamblin'
Canciones: 1. Signe/ 2. Before You Accuse Me/ 3. Hey Hey/4. Tear In Heaven/5. Lonely Stranger/ 6. Nobody Knows You When You're Down And Out/ 7. Layla/ 8. Running On Faith/ 9. Walkin' Blues/ 10. Alberta/ 11. San Francisco Bay Blues/ 12. Malted Milk/ 13. Old Love/ 14. Rollin' and Tumblin'/


Sé que hay mucha gente por el mundo que tiene ciertos perjuicios en contra de Clapton, y esta vez les daré la razón. Lo que piensan es lo siguiente; Eric vive del cuento. Ahí queda dicho. Recuerden cuando este señor era un rey de la música, piensen en Cream, en John Mayal, en los Dominos e incluso en sus setentas en solitario, era impresionante, y a la gente le encantaba, recuerden Clapton Is God, pero entonces pensó: "funciono, tengo fama e incluso soy bueno, voy a seguir publicando y me saco unas pelas". Así fue como acabo Mr. Mano-lenta. Siguió sacando discos al mercado pero componía a toda prisa, y si se le acababa la imaginación se iba a los covers,  y así luego hacía lo que hacía (cof cof Pilgrim cof cof), aunque cuando el quería sacaba álbumes excelentes, escuchen From The Cradle, de los mejores trabajos para guitarra que escuchado nunca. Digamos que le pasó  lo mismo que a Santana.
Pues bien, siguiendo esa formula llegó al '92 y se fue a la MTV y grabó un disco Unplugged, ya saben; acústico. Y realmente fue bueno, tan bueno que lo llevó a ganar premios Grammy, aunque todo sea dicho, ¿ustedes creen que esos supuestos "críticos" se fijaron en más canciones que Tears In Heaven? Jojo, esos si que viven del cuento. Y para colmo, tras este trabajo saco el impresionante From The Cradle, parecía que había resucitado, pero tras esto, se desplomó en la nada con el absurdo Pilgrim...
Ya saben el aprecio que tengo hacia este señor, especialmente a su forma de tocar, y es que el se deja la piel en el mástil  sin apenas enterarse de lo que está haciendo, es como si las notas le salieran del alma, no como Satriani o Vai. 
A lo que vamos, el Unplugged es un álbum mítico hoy en día, y aunque este muy sobrevalorado, no dejará de ser una joya, y no me falta confianza para decir que es el mejor concierto acústico de la historia (por lo menos de la MTV). Todo el directo sigue la misma linea, mucho blues, la mayoría covers de canciones de dicho estilo, que se han convertido en clásicos, como Rollin' And Tumblin', además de algunos de sus temas más conocidos, por ejemplo Layla, y el famosísimo Tears In Heaven que presentó por primera vez aquel día, y que dejó al público conmocionado.
Ciertamente es un gran guitarrista dentro del ambiente acústico, sabe como hacerla sonar.


Abre con Signe, un tema instrumental con una buena melodía de guitarra, y una perfecta coordinación entre Clapton y el acompañante.
Sigue Before You Accuse, me que me gusta mucho más esta versión que la del disco Journeyman. Un blues muy marcado y con mucho ritmo, sin batería, dejando a los guitarros toda la magia.
Hey Hey, es un tema para lucirse con las seis cuerdas, ya que parte vocal no tiene mucha " Hey hey, hey hey baby hey". 
La siguiente es Tears In Heaven. La dulce balada que causó empatía hacia Eric y la muerte de su hijo, la canción es un clásico en sus conciertos, nunca falta. Es lenta, con unos bongos acompañando a la triste voz de Clapton, que produce un fuerte pesar en la parte de " I must be strong, and carry on". También mete un órgano para darle ambiente, y le queda que ni pintado. 
Lonely Stranger es otro tema pausado, con ciertas raíces negras. El piano que ayuda es simplemente bello, como el tema.
Nobody Knows You When You're Down And Out, es mi preferido del álbum. Es un blues de Jimmy Cox, con un cierto toque modernista para la época de Cox. Clapton canta con una voz sentimental hasta el alma, y de nuevo el piano suena a gloria, escuchenlo bien, es un grande de las teclas ese tal Chuck Leavell. ¿Y que me dicen de esos agudos acordes que Eric pellizca al más puro estilo negro?
Otra que tubo muy buena aceptación fue Layla, a la cual le cambiaron el inicial riff, por otro menos efectivo, pero perfecto para guitarra acústica.Por lo demás es como la original, mas fue uno de los puntazos del concierto.
Le sigue Running On Faith, un tema pop, arreglado con lindos slides sobre la dulce sección de acordes que la hacen deliciosa.
Luego Eric tocaría el clásico de Robert Johnson: Walkin' Blues, imitando a la perfección el estilo de este, que no me voy a poner a explicar, porque es único.
Continúa el recital con Alberta, un tema folk de toda la vida, con una melodía muy pegadiza "Alberta, Alberta, where you stay last night?", y vuelve a la carga Chuck con sus rafagas de notas, e impresionantes licks.
San Francisco Bay Blues aporta diversión al concierto, con innumerables tipos de percusión y guitarras de 12 cuerdas. Un tema muy alegre y bucólico, ya mítico por los solos de kazoos.
Malted Milk es otro de Johnson semejante a Walkin' Blues, que Eric vuelve a interpretar de forma excelente.
Sigue Old Love, al que también le cambiaron el riff por uno parecido al de Layla. No es la versión que mas me guste de este tema, pero se merece estar en rojo aunque solo sea por los solos del final.
Y terminamos con Rollin' and Tamblin', de Muddy Waters, con todo el público dando palmas como cosacos y Clapton contetandose así mismo con ese maravilloso riff. Perfecto para cerrar.
Si les gusta el blues clásico denle una oída, no les disgustará.

Queen II - Queen (1974)

Artista - Queen

Publicación - 1974

Discográfica - E.M.I./Parlophone (Europa) Elektra/Hollywood (US

Calificación: 9

Mejor Canción: Father To Son/ 2º Puesto: March Of The Black Queen u Ogre Battle.

Canciones: 1.Procession/2.Father To Son/ 3.White Queen (As It Began)/ 4.Some Day One Day/ 5. The Loser In The End/ 6. Ogre Battle/ 7. The Fairy Feller's Master Stroke/ 8. Nevermore/ 9. The March Of The Black Queen/ 10. Funny How Love Is/ 11. Seven Seas Of Rye/

Oscuro, pomposo, extravagante, barroco, grandioso...Más o menos así describiría el disco de forma rápida. Si quisiera profundizar y meterme en detalles, sería daros mucho la vara, es tan amplía su composición...Es muy variado y diverso, aunque en el fondo todo sigue la misma línea.
Caracterizado principalmente por su ampulosidad, el estar lleno de arreglos hasta el fondo es el problema que todo el mundo le atribuye, mas en el fondo yo creo que es lo que le hace un disco tan gigantesco, intenten imaginar cualquiera de sus temas con solamente una guitarra, una batería, un bajo y un piano, sería horrendo, asqueroso a cualquier oreja.
En Queen II deciden probar con sonidos más complejos, pistas multi track, coros en todos los lados...todo ello para conseguir un estilo semejante al progresivo, más bien al sinfónico. 
Brian May, si bien en su debut  rockeaba con riffs impresionantes, en este segundo trabajo se dedica más bien a solos imposibles (The March Of The Black Queen) y orquestaciones de guitarras, que no necesariamente tiene que ser al estilo Procession. 
En otros temas como Ogre Battle o Father To Son se decanta por romper las cuerdas, aporrear su guitarra y hacer vibrar las seis cuerdas alcanzando un punto único en toda su carrera, que solo igualaría en Live Killers y algún directillo más.
En ocasiones toda esa pomposidad que predomina en todo el álbum, llega a ser excesiva, lo cual es raro, pues Queen se las arregla muy bien para equilibrar sus instrumentaciones (bueno, siempre no, casi siempre), muchas veces los coros son empalagosos, y las canciones piden a gritos que se les quite partes.
Pero yo a este disco le tengo mucho aprecio, no fue ni mucho menos el primero que escuché, y me cuesta mucho escoger un disco favorito de Queen ( el A Night At The Opera no cuenta, es el mejor y mi preferido de toda la historia), ya que tengo etapas en las que prefiero a uno y otras en las que me lanzo con otro, pero creo que si no contamos el ANATO, este (y quizá también Jazz y A Day At The Races) sería el que más escucho y disfruto escuchando.
El álbum se divide en dos mitades, "La Reina Blanca" (May y Taylor) y "La Reina Negra" (Mercury), no es precisamente una opera rock, visto desde el punto de que las letras no tienen coherencia entre si, y hay canciones que solo sirven como enlace. 


Unos pequeños pálpitos, sobre los que Brian toca un centenar de guitarras (en el fondo todas son la misma xD), conforman el pequeño intro llamado Procession, al que rápidamente se une el grandísimo Father To Son, con una delicada melodía "A word in your ear, from father to son", con perfectos arreglos de May, que pasan desapercibidos, pero son una delicia, y en el 2:08 la Red Special empieza a soltar gritos y berridos, mandando todo al garete y pasando por el disco como un trolebús. Mas luego Mercury volvería con sus maravillosas partes vocales, esta vez denotando más potencia y fuerza.
Le sigue White Queen (As It Began), la que muchos consideran la mejor balada de Queen, yo no pienso asi, porque, jojo póngase ustedes a buscar la mejor balada de Queen. Freddie parece contar todas sus penas, con voz temblorosa y arrebatadora, cuenta la desafortunada historia de la Reina Blanca, a la cual May le da más tristeza con sus oscuros arpegios de fondo, que sin avisar se transforman en un contundente trallazo a la guitarra para el impresionante estribillo.
Some Day One Day es un tema folk, que se hace demasiado largo, y como en si no da para mucho resulta un tanto aburrido. Brian toca la guitarra con algún efecto que da la sensación de que el sonido este dando vueltas sobre si misma (creo que se llama Phaser)
The Loser In The End está un tanto incomprendida, ya que es uno de los mejores temas de Taylor, pero con el tiempo la gente le acaba cogiendo manía a Roger. Es un fuerte rocker, con un audaz riff acústico/eléctrico durante todo el tema sobre el que Brian May se lanza a tonos mucho más agudos.
Ogre Battle abre la segunda cara del álbum. Tras el grito de Roger comienza un espectacular intro de guitarra y batería rebobinada, al que más tarde se une Mercury con una pegadiza melodía, cantada con toda su maestría. Es el tema más cañero de todo el álbum, puede hasta con la parte dura de Father To Son. Son incontables los licks que Brian pone a prueba en este tema, demostrando su dominio.
The Fairy Feller's Master Stroke pierde aceite, aunque reconozcámoslo; no es tan malo, tiene unas cuantas partes muy melódicas, aptas para cualquiera, su único defecto es el falsete de Freddie - del cual es un maestro -, a veces es agobiante.
Nevermore sirve de enlace, pueden escucharla tantas veces como quieran, no les cansara NUNCA, es conmovedor esa parte de "You send me to the path of nevermore, when you say you didn´t love me anymore".
The March Of The Black Queen es el resumen de todo el disco, todos los adjetivos del incio de la reseña le quedan como anillo al dedo. No deja de ser mi segunda preferida, todas esas partes de piano donde Freddie muestra toda su destreza a como cantante y teclista, o ese perfecto coro de " Here comes The Black Queen, pokin in the pile" emulando opera, y por supuesto todos los solos de guitarra, todos, y si tengo que elegir uno me quedo con  el del 2:08. Toda la esencia del álbum y de Queen esta en este tema.
Por desgracia Funny How Love Is es mala con gana y ampulosa hasta la saciedad, y uno de los coros más estúpidos escuchados...Una pena.
Cierra el mítico Seven Seas Of Rhye y su veloz riff de piano y los fuertes rasgueos de Brian, unas cuantas melodías perfectas y muy contundente, ¿que más queréis?
Si sois impacientes olvidaros de este Queen II, pero no sabéis lo que os perdéis. 

The Dark Side Of The Moon - Pink Floyd (1973)

Artista - Pink Floyd
Publicación - 1973
Discográfica - Harvest, Capitol
Calificación - 10-

Mejor canción: Time/ 2º puesto: Us And Them.
Canciones: 1.Speak To Me/Breathe/ 2. On The Run/ 4. Time/ 5. The Great Gig In The Sky/ 6. Money/ 7. Us And Them/ 8. Any Colour You Like/ 9. Brain Damage/ 10. Eclipse/


Menuda racha de discazos llevamos por aquí, la verdad es que cuando uno se pone a escribir en el blog, lo hace con la idea de mostrar a los lectores  sus gustos y demás, yo siempre intento buscar discos que me gusten y que piense que os van a gustar, rehuyo subir discos asquerosos para poner suspensos, que hay bastantes. Debería encontrarme de muy mala hueva.
 Pues hoy os traigo el disco más revolucionario de la historia, más revolucionario que Sergeant Peppers, por ejemplo. Yo lo de revolucionario lo entiendo como un disco que consiguió gran fama y respeto por parte de las personas que lo escucharon, todo eso se ve reflejado en las ventas. Lo encuentro más revolucionario que Back In Black, que lo supera en ventas, porque el Dark Side es anterior a cualquier movimiento de masas por conseguir un álbum, además del tiempo que estuvo y está en todo tipo de lista de ventas. "Es el mejor disco de Pink Floyd" o "Es el mejor disco de la historia", todo el mundo lo tiene endiosado. Es cierto que esta bastante sobrevalorado, no se puede negar, pero según mi opinión no tanto como los sabios críticos dicen. Llevo muchos años escuchando a Floyd, es más, es el grupo que escucho desde que tengo uso de razón, y os puedo asegurar que lo mismo que con el tiempo se ha ido sobrestimando, gente como Starostin, Isaac o incluso el Dr. Federico se han encargado de   infravalorarlo. Escúchenme, o en su defecto léanme, es el segundo mejor disco de Pink Floyd, y el más indicado para iniciarse a amar a esta banda, no empiecen con El Muro o con Animals, no tendría sentido, no entenderían lo que ocurre, o eso creo yo, así que si no han prestado su oreja a los de Waters y Gilmour denle una oída a esta obra.
Quizá lo que haga tan grande a este álbum sea el que todavía no hay una rivalidad clara entre los miembros, y a la hora de componer sabían combinar la majestuosidad de cada uno en su instrumento. 
Atmósferas mágicas creadas en su mayoría por los innumerables coros femeninos junto con los teclados de Wright, y todo ello crea el ambiente característico del Dark Side Of The Moon, pomposo, espacial y sobre todo INNOVADOR. La innovación y la experimentación hacen grande a todo el álbum. Pero todas esas instrumentaciones estratosféricas no se quedan a palo seco, es aún más maravilloso el ver que la parte musical de cada canción sabe expresar a la perfección de que hablan los temas, creo que el mejor ejemplo es Breathe. 
Con este disco Pink Floyd conformó su primera obra conceptual, todas las rolas giran entorno a un tema común. El contexto es muy subjetivo, cada persona tiene una perspectiva diferente de sus letras, yo creo que retrata al ser humano en cualquiera de las situaciones, nacimiento, locura y visión de la muerte.


PUM-PUM, PUM-PUM, el disco y la vida nace con los latidos de Sepak To Me, que rápidamente se convierte en la delicada Breathe  sintiendo la brisa en la piel, Gilmour crea ambiente con lindos slides mientras Mason da fuerte a su batería, ayudando están Waters con simples lineas de bajo acopladas a la mítica melodía "Breathe, breathe in the air"
Tras ese maravilloso inicio el álbum cae en la miseria con la aberración que es On The Run, una improvisación de sintetizadores locos que no llevan a ningún lado.
Los relojes, campanas y timbres dan vida a Time, el mejor tema de Pink Floyd. Graves notas sostenidas a la vez que Nick toca cada caja de su batería y Wright  hipnotiza con sus teclas, y sin previo aviso David aparece con su guitarra y su voz partida en dos pero dulce y melódica, y tras esplendidos versos llega el maravilloso solo, uno de los cinco mejores de toda la historia, sin duda alguna. 
The Great Gig In The Sky asume todo tipo de penas, sus inminentes acordes piano y lentos deslices de Gilmour preparan a la voz de Clare Torry, la cual hace lo nunca visto con su voz, impresionante, señores y señoras, ¿acaso ha definido alguien  tan bien alguna vez la muerte, la depresión, la enfermedad y todo tipo de desastres sin decir ni una sola palabra?
Dicen que el dinero es el mayor mal de la humanidad, lo sea o no, Pink Floyd muestra toda su rabia ante todos esos temas con la gran Money, y su famosísimo riff de bajo sobre pequeños licks de David y ecos e fondo que parecen retraerse y dejar toda la fama a Dick Parry, mas eso no ocurre y asusta a todo virtuoso con otro perfecto solo.
Más magia produce aún Us And Them, con su sensacional teclado tocando delicadamente un arpegio precioso y la voz llena de delay, y entonces...el espectacular estribillo del tema, no apto para sentimentales, los coros que ayudan lo endiosan y lo hacen grande. El saxo también coge un importante papel con el fantástico solo.
Any Colour You Like sigue una estructura semejante a la de On The Run, pero muuuucho mejor, eso cae de cajón. Esta basada principalmente en una experimentación entre VCS 3 y guitarra, y que seguramente represente todo el daño producido por drogas y demases.
Le sigue Brain Damage, la cual retrata la locura, a mi parecer, lo hace sin problema alguno, vamos, que le queda como anillo al dedo, principalmente la voz de Waters, que el ya canta con voz de loco de por si, pero aquí ya se se sale, además esos acordes temblorosos de David son ya la gota que colmó el vaso.
Y cierra la pesimista Eclipse, que esta muy bien, aunque es poco más que unos coros sobre un riff de teclado lento y grandioso.
Pues bueno, nadie como Pink Floyd para retratar cualquier sensación en una canción o disco.