Born To Run - Bruce Springsteen (1975)

Artista: Bruce Springsteen
Publicación: 1975
Discográfica: Columbia
Calificación: 10

Mejor canción: Jungleland/2º Puesto: Thunder Road.
Canciones: 1.Thunder Road/2.Tenth Avenue Freeze-Out/3.Night/4.Backstreets/5.Born To Run/6.She's The One/7.Meeting Across The River/8.Jungleland.


Bueno, como imagino, ya se habrán enterado de que el pasado sábado 18 el gran Clarence Clemons nos dejó para siempre, y por ello, he decidido escribir sobre un disco que sin su presencia no habría sido tan genial y explosivo, me refiero, por supuesto, a Born To Run, tercer álbum de estudio de Bruce Springsteen y su E Street Band, por muchos considerados el mejor de su carrera y por otros como todo lo contrario, y siento diferir con estos últimos, pero Born To Run es una maldita obra maestra, no se si mejor que Darkness Of The Edge Of Town, pero un diez de todas formas.
"El Jefe" ya nos había dejado claro que el no se lo tomaba a chiste en sus dos primeros álbumes (Greetings From Asbury Park, NJ y The Wild, The Innocent & E Street Shuffle), que su habilidad para componer crecía y crecía, y además siempre se encontraba en buena compañía, pues la calidad de los miembros de la E Street Band es innegable, los cuales aportaron mucho a Bruce, especialmente en directo, porque es sabido que los conciertos de el Boss son impresionantes.
Cuando Springsteen comenzó la grabación de Born To Run tenía muchas ideas e influencias en la cabeza (Roy Orbinson, Dylan...) y su objetivo era conseguir un sonido parecido al de sus idolos, pero lo que consiguió fue un estilo único y reconocible en cualquier lugar del mundo.
La producción del álbum, a manos de Mike Apple, Jon Landau y el propio Springsteen es impecable, al más puro estilo Phil Spector y su "Wall Of Sound", que es algo así como agotar hasta el último recurso posible y pulir cualquier aspereza.
Rock americano al más puro estilo Springsteen, marcado por el saxo de Clarence Clemons, instrumento clave en la carrera del Boss, y por música negra, la cual Bruce admiraba...es decir: Born To Run.


Abre Thunder Road, con un piano y una armónica que van creando ambiente hasta que aparece la rota pero sentida voz de Bruce con una melodía deliciosa. A la par que van apareciendo instrumentos, el tema va cogiendo ritmo, convirtiéndose en un tema muy animado con un loco (y no por ello malo) piano a manos del genial Roy Bittan. Al final del tema, Clemons irrumpe con un estupendo riff de saxo que da fin a una de las mejores canciones del jefe...¿cómo?¿Que ya se ha acabado?
Sigue otro de los puntos claves del álbum: Tenth Avenue Freeze-Out, donde Bruce y su E Street Band experimentan con el soul y, por supuesto, consiguen lo que se proponen. De fondo se oye  la guitarra de Bruce que sirve como un brillante acompañamiento, pero pasa desapercibida, pues los focos iluminan esta vez a Clarence, que pocas veces sonó tan convincente como en esta canción. La melodía es pegajosa como nunca, ya se sabe la habilidad de Bruce para las lineas vocales.
Night es el tema más corto del álbum, pero son tres minutos de pura emoción: power chords, un saxo esplendido, rock, rock y rock. Como viene siendo usual los temas más breves son siempre los más intensos, y hay mucha gente que puede expresar en dos minutos lo que otros no pueden en 40. Night es, además, uno de los rockers más potentes del álbum.
Sigue Backstreets que comienza lento con Roy Bittan y su piano liderando, hasta que aparecen un hammond y una guitarra dándole un empujón al tema, que se ve sometido a un estupendo crescendo que lo convierte en un tema casi épico, con Springsteen desvivido y gritando como un descosido al final  "Hidin' on the backstreets" (por mucho que se le odie como cantante, a mi me parece que tiene todo un vozarrón).
Continuamos con Born To Run, que aunque esté todo dicho acerca de él, algo habrá que decir al respecto. Para empezar, decir que este tema fue el que salvó la carrera del Boss, pues estaba a punto de caer despedido, y no me extraña porque, además de ser uno de los más temas más comerciales de la primera época de Springsteen, está cuidado hasta el más mínimo detalle. Ahora los protagonistas son la guitarra y el saxo (Clarence, ya se te echa de menos), pero, por otro lado, hay todo un arsenal de instrumentos: hammond, piano, gockenspiel...A pesar de su pomposidad, es uno de los temas más directos e impactantes a primera oída de este jefe del rock.
She's the One es uno de los más curiosos del disco. La batuta la lleva un movido y pegadizo riff de organo del también difunto Danny Federici sobre el que Bruce ejecuta una casi robótica melodía. Entonces aparece una guitarra realmente explosiva, nunca pensé que Springsteen pudiera meter semejante caña a las seis cuerdas. Impresionante.
Sigue Meeting Across The River, que es un cambio drástico de estilo, la E Street Band prueba ahora con el jazz con nada más que piano, saxo y voz. El resultado es una dulce canción, que aunque hay que escucharla varias veces, acaba gustando.
Para cerrar tenemos una de las mayores burradas que haya hecho este señor en su carrera, una épica de 9 minutos y medio llamada Jungleland. Toda una pasada. Born to Run y Backstreets sonaban pomposas, pero esto, esto es superior. Todas aquellas influencias que Bruce había acumulado las vuelca en este temazo. ¡Pasen y vean! Guitarrazos por doquier, melodías exquisitas, furia rocker, y por supuesto, a la mitad de la canción, el conocido y respetado solo de saxofón del maestro Clarence Clemons, simplemente fabuloso, algo fuera de este mundo.
Pocos discos hay a este nivel. No hay mucho más que decir, bueno, en realidad sí: D.E.P Clarence Clemons.

Ok Computer - Radiohead (1997)

Artista: Radiohead
Publicación: 1997
Discográfica: Parlophone
Calificación:10

Mejor canción: Paranoid Android/2º Puesto: pufff... seguramente, Lucky
Canciones: 1.Airbag/2.Paranoid Android/3.Subterranean Homesick Alien/4.Exit Music(For A Film)/5.Let Down/6.Karma Police/7.Fitter Happier/8.Electioneering/9.Climbing Up The Walls/10.No Suprises/11.Lucky/12.The Tourist/


Las nuevas tecnologíasn y un odioso sistema acaparan el mundo y a Thom le aterra esa idea,  toda esa autodestrucción parece ser inminente y el mundo no hace nada, y Yorke, no más puede hacer que transportar la deshumanización a la música.
Pero como todo tiene una cara y un reverso,  la banda consigue sacarle algo bueno a las tecnologías, para hacer, el que es para muchos el mejor disco de los 90s y sus posteriores obras.
 Radiohead alcanza su máximo punto de creatividad en Ok Computer, con unos miembros perfectamente compenetrados y llenos de ideas. 
The Bends vacilaba entre la simplicidad y falta de inspiración de Pablo Honey y la experimentación y la incursión de nuevos sonidos de Ok Computer. Afortunadamente supieron escoger.
En una época donde, la música brit de Oasis y el grunge de Nirvana, controlaba el mundo, Ok Computer fue una ruptura con toda esa monotonía, mostrando diferentes formas de ver la música, mezclando influencias tan dispares como la electrónica, el art-rock, o el rock progresivo de gente como Pink Floyd. También reconocen que querían conseguir algo parecido a Bitches Brew. Ok Computer es un álbum que crea texturas y atmósferas, que realmente parecen espaciales, cada canción tiene su mensaje y es perfectamente transliterado al lenguaje musical. 
Tampoco olvida esa vena lúgubre/depre que predomina en cada canción de Radiohead y que les hace tan característicos.
Otro aspecto que destaco es el trabajo de Jonny Greenwood a la guitarra, a mucha gente no le gusta la técnica de este hombre. Yo le adoro.


Abre Airbag, un denso tema con unas guitarras espectaculares, bastante más rockeras de lo que nos tienen acostumbrados y una batería sintetizada consiguiendo un efecto casi electrónico, al estilo de DJ Shadow, y tras esa base, cientos de instrumentos, inflando el tema, y alejándolo por momentos de la Tierra, sensación que  Thom tiene  después de que un airbag le salvase la vida, como volviendo a nacer.
Sigue Paranoid Android, "la gran suite de los '90s", y su apodo no es para menos. Dividida en varias partes, comienza con una enfermiza sección, entre guitarras acústicas, gemidos y extrañas percusiones, culminados en un sollozo "What's Thaaaaaaat" mientras una voz de fondo se oye decir "I may be paranoid, but not an android", más todo eso se va al garete cuando la potente guitarra de Jonny aparece con un riff no apto para abuelitas sobre el que Thom grita con rencor "You don't remember, you don't remember, why don't you remember my name?" que cae en una solemne "procesión" bajo la lluvia: "Rain down, Rain down", dando un giro completo a lo que el tema era en un principio. La canción trata principalmente sobre la inestabilidad mental y cambios de estado de animo.
Continúa con Subterranean Homesick Alien...¿Alienígenas? Quién sabe si los habrá, pero si los hay están escondidos en las cuerdas de las guitarras de este tema, capaz de crear una atmósfera realmente espacial con cien arreglos que te hacen olvidarte de tu existencia...y la de otros.
Sigue Exit Music (For a Film), uno de los temas más abrumadores de Radiohead y también uno de mis preferidos.  El final de Romeo y Julieta dejó impactado a Yorke, y de eso va el tema, lo que debería haber ocurrido. Comienza con Thom solo frente a las luces, con una acústica acompañándole, y cantando una melodía capaz de bajarle a cualquier persona la moral "Wake from your sleeps". Un teclado parece imitar a un coro eclesiástico, y mientras canta "You can laugh, a spineless laugh" un bajo altamente saturado crea un ambiente oscuro y negro.
Let Down es de lo más lindo que Radiohead haya hecho jamás, pero su onda habitual. Se acerca más al pop que a nada, con un bajo predominante, que no se nota bajo todas esas capas y capas de arpegios guitarreros, creando un ambiente muy agradable, pero lo mejor es su estribillo, excesivamente pegadizo: "Let down and hanging around". La letra va sobre la sensación de que las cosas no van para bien y tu no puedes hacer nada por arreglarlo, o al menos así la veo yo.
Sigue el highlight Karma Police. "Tus actos serán los culpables de tu destino", más o menos de eso trata el karma, y Yorke lo metaforiza con el "policía del karma". Una de las canciones más conocidas y sonadas de la historia del rock. La melodía es muy amena y se te queda con facilidad: "Karma police, arrest this man, he talks in maths", acompañada siempre de la incesante guitarra acústica de Thom, y del precioso, PRECIOSO piano a manos de Jonny.
Fitter Happier, es un experimento, en la que un robot cuenta la rutina de cada día, mientras un piano y diferentes sintetizadores crean un fondo realmente paranoico. Funciona como enlace entre Karma Police y Electioneering.
Un tema que no me gusta mucho  es Electioneering, el verso y el riff son aceptables, llenos de furia y arremetiendo con todo pero el estribillo es realmente feo, la voz suena fatigada e intenta cantar con potencia, para lo cual no le da. Se salva por el genial verso. 
Climbing Up the Walls es lo más perturbador que haya podido oír, Street Spirit es nada al lado de esto. Marcan el ritmo unos porrazos a un bombo y una genial linea de bajo. La voz distorsionada se muestra solitaria, como si un psicópata cantase. Los arreglos de guitarra son insanos, vuelven a uno más loco de lo que el tema está.
Sigue No Suprises, una de sus mejores baladas. El riff inicial de metalófono (o algo por el estilo) es bellísimo y no menos es la melodía, que fluye por si sola. La letra es abrumadora y apática, diciendo resumidamente, que como todo lo que hagas no valdrá para nada, lo mejor es dejarse caer...
Lucky es otro de los mejores momentos de Ok Computer. Sigue la linea de otros temas del álbum como Exit Music o Karma Police,  pero este es mucho más corpulento y con gran influencia de Pink Floyd, en especial esa aguda guitarra por parte de Jonny Greenwood, que realiza un genial trabajo aquí, con arreglos de wah-wah. La guitarra de Thom, suena muy sincera en este tema, siendo un perfecto acompañamiento para esa irónica melodía, todo un anti-himno al optimismo.
Cierra The Tourist, tema idóneo para ello, funcionando casi como coda. La melodía es más pobre, pero tiene un deje delirante que la hace majestuosa, especialmente en esos coros "Hey man slowdown, slowdown!". Sin duda el papel más importante aquí lo tiene Jonny realizando un par de solos para ensueño.


Quizá algún día la deshumanización sea total. Mientras tanto, ¡disfrutemos de Ok Computer!

Ragged Glory - Neil Young & Crazy Horse(1990)

Artista: Neil Young & Crazy Horse
Publicación: 1990
Discográfica: Reprise
Calificación: 10

Mejor canción: F*!#in Up/2º puesto: imposible.
Canciones: 1.Country Home/2.White Line/F*!#in Up/4.Over And Over/5.Love To Burn/ 6.Farmer John/7.Mansion on the Hill/ 8. Days I Used To Be/9.Love And Only Love/10. Mother Earth (Natural Anthem).


En la imposible tarea de escoger un mejor disco de Neil Young, hablaré hoy del que más puntos tiene para ello.
A lo largo de toda su carrera (que no es corta), Neil fue probando nuevos sonidos sin olvidar nunca sus raíces country, siendo él una gran influencia para los grupos grunge, especialmente para Pearl Jam, los cuales estuvieron muy vinculados al maestro en la década de los noventa, llegando Young a hacer un álbum con la colaboración de PJ, Mirror Ball, que os recomiendo a todos los fans de la música de los noventa. Pero fue especialmente este Ragged Glory el impulso que necesitó todo es movimiento.
No se preocupen, Ragged Glory no es un álbum emo ni mucho menos, si hay algo que tiene Neil Young es humor. Tampoco es un álbum grunge, amigos, solo una gran influencia. RG es la obra más visceral de toda su carrera, en todas la guitarra suena saturada y son pocas las que no terminan con feedbacks o acoples, canciones de 10 minutos en las que medio tema es un solo de guitarra imposible. Pero Neil lo tenía todo controlado, y no por dar cuatro guitarrazos se iba a olvidar de componer aquellas melodías que tanto le caracterizaban en álbumes como Rust Never Sleeps, Everybody  Knows this is Nowhere o Zuma, aunque con la voz mucho más quebrada y dañada, no flojea en el carácter compositivo.
En mi opinión, tampoco hubiera sido nada sin el apoyo de Crazy Horse, la banda que le acompaña en prácticamente toda su discografía, que si bien en Everybody Knows This Is Nowhere o American Stars n Bars servían de gran ayuda, aquí son imprescindibles.
Hard rock, garage, canciones de jam...todo lo que hizo pero pasado de vueltas.


Abre el fantástico Country Home, un tema country pero con una guitarra solista por parte del maestro que te toca lo más hondo. La pegajosa melodía se sucede veces y veces sobre ese maravilloso y fresco fondo guitarrero, que por momentos dejan que el foco gire hacia Neil que en ningún momento para de hacer impresionantes licks y punteos cargando la canción de virtuosismo pero sin olvidar su aire campestre.
Sigue White Line, con el mismo aire que su tema predecesor, mas no tan alegre. Posee una base monótona pero que en ningún momento pierde su magia. Por desgracia se hace demasiado corta.
F*!#in Up es mi preferido, no solo del álbum, sino de toda su carrera. Tras un poco consistente riff, la canción vuelca en un verso con una melodía sublime, siempre terminada en ese coro "Why do I?", con un par de guitarras poderosas de fondo, entre ellas la de Frank Sampedro que coge mucha importancia en este tema, pues pide a voces potencia y furia, terminando con los músicos rabiosos asestando auténticos  rabotazos con sus instrumentos. A menudo era versioneado por Pearl Jam en directo.
Continua Over And Over, que revive la vena country y alegre que predominaba en Country Home, pero alargándola hasta los 8 minutos. La melodía inicial de guitarra es especialmente pegadiza, que pocos instantes después se convertiría en un solo basado en ella. El verso literalmente berreado por Neil desemboca en un maravilloso coro, con todos cantando "Ooover and over again, my love".
Love to Burn llega a los 10 minutos de puro jam. La canción es entretenida en todo momento, el estribillo es el acabose: "You got love to burn, you better take a chance on love". Las secciones de pura guitarra son tan impresionantes como se espera, toda técnica esta aquí resumida, efectos inexplicables y en todo momento empapado del sentimiento que Young le pone a todo.
Sigue el gracioso Farmer John, cover de un tema blues clásico. Es bastante simple, las guitarras suenan secas dejando a la corta voz de Young sola ante el peligro, de vez en cuando se oyen unos "wooooh" garantizando el buen humor.
Mansion On The Hill me gusta aunque se hace enana ante los demás temas del álbum. La instrumentación está totalmente equilibrada aquí sin sobredosis de guitarras pero con solos garantizados. A menudo la canción es llamada a ser psicodélica debido a las voces que se oyen de fondo...
Days That Used To Be, es Dylan electrificado, sin más, incluso Young llegó a confesar que la melodía está basada en My Back Pages. Poco más que decir, es preciosa.
Sigue Love And Only Love, que parece ser una segunda parte de Love To Burn, sigue una estructura parecida, 10 minutos de tema, verso oscuro y misterioso, coros que solo se definen como pura pasión e improvisación con multitud de técnicas. Toda una oda al amor, con frases como "Love was winner there, overcoming hate" o "Love and only love will break it down".
Cierra Mother Earth (Natural Anthem), un himno ecologista, con una guitarra saturada hasta la saciedad como único acompañamiento, ni batería, ni bajo. La melodía tiene un deje de melancolía, de cuando la naturaleza no era dañada por el hombre...


Recomendado para todos los fanes de los grandes guitarristas, de la experimentación, del rock duro...recomendado para cualquiera que le guste la música.
Y para otras acepciones...

Led Zeppelin II - Led Zeppelin (1969)

Artista: Led Zeppelin
Publicación: 1969
Discográfica: Atlantic
Calificación:10

Mejor canción: Heartbreaker o Whole Lotta Love
Canciones: 1.Whole Lotta Love/2.What Is And What Should Never Be/ 3.The Lemon Song/ 4.Thank You/ 5.Heartbreaker/ 6.Livin' Lovin' Maid (She's Just a Woman)/ 7.Ramble On/ 8.Moby DIck/ 9.Bring It On Home/


Estamos ante la obra maestra de los Zep. ¿Por qué? 
En el debut nos encontrábamos ante unos Led Zeppelin que intentaban rockear pero que a la vez estaban levemente influidos por el flower power de aquel entonces, haciéndolo más pomposo de lo necesario y eso los alejaba de lo que ellos son: una banda de hard rock, cruda, feroz,  llena de rabia y blues. Sus experimentos"místicos" son otro historia.
Page y sus compañeros crean aquí un álbum en torno a una ruda base de blues, no hay más que oír por ejemplo The Lemon Song. Esto llevó a que mucha gente considerase que algunas de sus canciones fueran plagios de algunos de los mayores clásicos del blues, a mi por una me entra y por otra me sale esa acusación.
LZ II nos muestra a unos Led Zep sinceros, haciendo lo que mejor se les daba: rockear, asesinar a sangre fría con solos electrizantes y riffs no aptos para abuelitas. Nunca le dieron tan fuerte al mazo como aquí, parecen soltar toda su saña en estas 9 canciones; 9 temazos impresionantes donde Zeppelin están más sueltos que nunca, y lo mejor: saben y les gusta lo que hacen; no hay más que ver la voz de Plant, que anteriormente estaba metida a calzador, por fin encaja. Es una opinión muy subjetiva, pero a mi no me gusta como canta Robert en algunos de los temas del debut, pero para gustos colores, al mismo Plant le defraudaba lo que estaba haciendo y estuvo a punto de irse...¿cómo habría sido LZ sin Robert?
También, como dije en mi anterior post, encontramos en Led Zeppelin II los primeros indicios de heavy metal, ya en canciones anteriores a la fecha como You Really Got Me o Helter Skelter el rock probaba nuevos sonidos, pero este álbum esta lleno de detalles que valdrían para que muy poco después Black Sabbath hiciera un álbum heavy en su totalidad.
Sin más rollos vamos al tema:


Abre Whole Lotta Love y...SU RIFF, uno de los más sencillos jamás hechos explotado hasta la saciedad y sin resultar cansino en ningún momento, uno de los riffs de cabecera para cualquier guitarrista. Pero no solo de él vive el tema,  tras el incesante ritmo de la canción, de repente da un parón inesperado donde Robert empieza a gemir con siniestros guitarrazos de fondo, hasta que aparece Jimmy de nuevo con un solo ultra veloz y burlón para retomar la fuerza del tema. ¿En serio qué no lo has escuchado?¿EN SERIO?
Sigue What Is And What Should Never Be, una balada simple y que poco parece decir, pero en el momento menos esperado Page nos sorprende con una violenta guitarra dejando a cualquier beatle escondido en un rincón, como lo oyen. Más allá de los cambios de ritmo, se esconde una buena melodía excelentemente cantada.
The Lemon Song es también de mis preferidos. El riff inicial es de lo más sucio y callejero que he escuchado jamás, pero vamos al grano: lo que hace aquí John Paul Jones no es normal, amigos, pocas lineas de bajo hay así, más luego todos los jams al final. Otro que se sale en este tema es Plant, aquí demuestra que el también podía ser un buen bluesman, no sobreexplota su voz pero la lleva al limite.
Thank You suena más forzada, aunque está bien como intento. Demasiada miel y mucho arreglo que a poco lleva, mas es interesante por momentos.
Sigue la gran Heartbreaker. De nuevo estamos ante otro gran riff, en este caso más melódico. El verso lleva un ritmo trepidante con un bajo sencillamente ardiente sobre el que Robert dice "Hey Fellas have you read the news?". La guitarra se bate en un duelo con JPJ durante todo el tema y al final acaban totalmente revolucionados, dándolo todo. Sin hablar del alucinante solo del final, en el que todos los miembros de la banda se rinden ante él dejándolo solo ante el peligro.
Living Loving Maid (She's Just a Woman) tiene un deje rocknrollero y country por momentos, es mucho más rápido. La melodía es super pegadiza, siempre terminada con ese guitarrazo que sencillamente te revienta la cabeza. Un caramelo pues es la más corta del álbum.
Ramble On es un total experimento por parte de los Zep, en primer lugar una sección semi-folk, con una guitarra acústica que me pone de los nervios y una parte vocal que no suena sincera, pero todo eso se va a la papelera cuando aparece el verdadero Page dando a todos una patada en el trasero con su guitarra, lo que a Plant le lleva a las de gritar el estribillo con todas sus fuerzas dando la vuelta a la canción pero por desgracia el tema no se mantiene así a lo largo de su duración si no que vuelve a sus tramos lentos con arreglos un tanto ridículos. Sin ser mala es lo más flojo del álbum.
Moby Dick es un tema instrumental con su muy buen riff al inicio, pero rápidamente el foco gira hasta dar con Bonham ahí atrás escondido. Es de las pocas canciones que ruedan alrededor de un solo de batería que me gusten, pues no es un solo virtuoso sino una demostración de que se puede aporrear la batería sin aburrir.
Cierra el excelente Bring It on Home, uno de los mejores covers de blues que haya escuchado. Durante el primer minuto el tema es un curioso experimento blues, tranquilo hasta que explota con un tremendo riff (de nuevo) de guitarra, la cual en este tema no para,  NO PARA, virguerías en todo momento, sobresaliendo por encima de los otros músicos entonces presentes. Maravilloso cierre.
En mi opinión el mejor disco de LZ, el más rockero y el más sincero, sin desmerecer todo lo que hicieron posteriormente, por supuesto.

Tattoo - Rory Gallagher (1973)

Artista: Rory Gallagher
Publicación: 1973
Discográfica: Polydor
Calificación: 10

Mejor canción: A Million Miles Away/ 2º Puesto: Tattoo'd Lady
Canciones: 1.Tattoo'd Lady/2. Cradle Rock/3. 20:20 Vision/4.They Don't Make Them Like You Anymore/5.Livin' Like A Trucker/6.Sleep On A Clothes-Line/7.Who's That Coming?/8.A Million Miles Away/9.Admit It/
BONUS TRACKS: 10.Tucson Arizona/ 11.Just A Little Bit/


Melena ondeando al viento, campestre camisa de cuadros, voz empapada en alcohol y una guitarra soñadora...otros lo llaman Rory Gallagher, un honesto hombre, que dedicó su vida a la guitarra. Infravalorado hasta el hartazgo: ciertamente son pocos los que saben de su obra, pero los que lo conocen es mucho el aprecio que sienten por él.
Ha sido eclipsado por otros artistas de la talla de Eric Clapton o Stevie Ray Vaughan, quedando oculto entre las tinieblas a la espera de que algún melómano se dignara escucharlo. 
Así que aquí estamos para dar a conocer su carrera, aunque veo que entre los bloggers tiene bastante fama.
¿Querían buen blues-rock?Aquí lo tienen, la desgastada Stratocaster de Rory parece tocar sola. En este disco, Tattoo, Gallagher se adentra en el mundo de los "roots" saliendo airoso en cada tema. rock agresivo en Cradle Rock, jazz rock acelerado en They Don't Make Them Like You Any More, baladas infinitas en A Million Miles Away, fuertes rock con acento blusero en Sleep On A Clothes-Line y Who's That Coming?, folk en 20:20 Vision, eléctricos jams en Just A Little Bit...busquen y escuchen, este disco es una hora de completo sentimiento repercutido en una guitarra...hablando de guitarra, si no saben lo  que es tocar bien un instrumento escuchen el dominio que Rory muestra a lo largo de todo el álbum.
También quiero hacer hincapié en Lou Martin, teclista en este disco y en Gerry McAvoy, un bajista no muy virtuoso pero que tocaba muy bien, o por lo menos Rory le daba su papelito en cada canción. El batería Rod de'Ath, también hizo un buen trabajo, aunque por momentos sus baqueteos me pongan de los nervios (Cradle Rock).
Personalmente este es su mejor disco (de estudio). Que lo escuche todo aquel que piense que los "guitar heroes" solo tocan bien en directo.


Abre con Tattoo'd Lady, su tema más famoso. Esta canción me encandiló desde el primer momento, y fue la que me hizo comprar este disco, arriesgándome a que el resto fuera bazofia, pero hubo suerte. La melodía inicial es sin duda alguna la mejor del disco y posiblemente de la carrera del irlandés, "Tattoo'd lady, bearded baby, they're my family", que sorprendente torna a un estribillo que parece otra canción. La canción termina con un solo espectacular, de mis preferidos.
Sigue el abrasante rocker Cradle Rock. El riff es asesino; te tira al suelo y te destroza el esqueleto, hueso a hueso. Y el resto de la canción sigue la misma linea, con el ritmo por las nubes, Rory vociferando y Lou haciendo cabriolas con su órgano. Una bofetada con toda la furia posible.
20:20 Vision es más discreto, un tema folky, lento y con Gallagher pasándoselo bien mientras toca. La melodía es buena, un tanto tímida, a juego con el pianito de fondo.
They Don't Make Them Like You Anymore es un paso hacia un jazz forzado y acelerado. La guitarra repite un lick a lo largo de la canción que resulta familiar. El tema muestra a un Rory despiadado, tanto en la voz como en la guitarra, que aquí hace del tema una joya, aunque cuando lo da todo es en la parte de "Where would I go? What would I do if you should run from me?"
Sigue Livin' Like A Trucker, bastante diferente al resto del disco. El foco gira hacia la guitarra cargada de wah-wah, ejerciendo de instrumento rítmico hasta que un breve pero intenso solo desvela a Rory en estado puro.
Sleep On A Clothes-Line hace mover el cuerpo con ese clandestino riff que hiela la sangre, pero la música no se relaja, y Rory nos deleita con maravillosos pasajes siempre con la guitarra ardiendo, dispuesta a matar.
Sigue uno de los picos cumbres: Who's That Coming?Para el intro se van sumando poco a poco guitarras hasta que la acústica del principio queda obsoleta y Gallagher empieza a meter caña con es pegadiza melodía "Tell me who's that coming, not walking, but running"con slides, armónicas y wah-wahs de fondo consolidando una estupenda base sobre la que el maestro realiza multitud de florituras e improvisaciones.
Llegamos a la cima en A Million Miles Away, la balada perfecta. La guitarra suena limpia, sincera, cargada de sentimiento hasta el alma, penetrando en uno hasta que no le queda la de cerrar los ojos. La melodía es triste y melancólica, y Rory la hace lo más sensible posible con su voz rota. Cada pasaje te transporta a otro lugar, pierdes el sentido cuando repentinamente dice "Why ask how I feel, well how does it look to you" con saxo y otros arreglos de metal para más inri. Cuando toda la banda parece agotada, se introducen en un apoteosis final, con todos los miembros a máxima potencia.
Cierra el disco original Admit It, que sabe a poco después de los otros números. El riff de bajo es consistente, y también lo son el piano y la oxidada guitarra de fondo, pero ya no es lo mismo de los otros temas.
Los dos bonus tracks están bastante bien, uno es Tucson, Arizona una balada country endulzada y solemne, que recuerda a los Eagles.
El otro es Just A Little Bit, un jam de 8 minutos escasos, que abre con la pegadiza melodía "I don't want it all, I just want a little bit", y tras ello se funde en largos solos todos excelentes por supuesto.
Pues este es un disco obligatorio para todo melómano, la guitarra vibra aquí como en pocos otros álbumes.
Saludos.

Beggars Banquet - The Rolling Stones (1968)

Artista: The Rolling Stones
Publicación: 1968
Discográfica: Decca Records
Calificación: 10

Mejor canción: Sympathy For The Devil/ 2º Puesto: Stray Cat Blues o Jigsaw puzzle
Canciones: 1.Sympathy For The Devil/ 2.No Expectations/ 3. Dear Doctor/ 4.Parachute Woman/ 5.Jigsaw Puzzle/ 6.Street Fighting Man/7.Prodigal Son/ 8. Stray Cat Blues/ 9.Factory Girl/ 10. Salt Of The Earth/


Se que es saltarse gran parte de la discografía de la banda, pero no he podido resistir la tentación. ¿Quién no es capaz de resistirse a este álbum?
Para empezar, no crean que este álbum es un bestialidad de riffs y rock n roll en estado puro como pudo ser Sticky Fingers, este disco es salvaje pero a la vez delicado, ¿cómo puede ser eso? Pues fácil queridos lectores, el ambiente Rollinga y todo lo que este conlleva esta presente a lo largo de toda la obra, pero en este disco los Stones deciden rockear sin necesidad de mucha guitarra eléctrica. Blues, country, delta-blues...reminiscencias a gente como Robert Johnson o Leadbelly pero sin falta de empapar el álbum de covers. Su primera etapa queda aquí perfeccionada pero sin tanta electricidad. Interesante ¿no creen?
Cada escucha te atrapa más que la anterior y, lo que al principio parecía un disco chatarrero y mendigo se convierte en la perfección a manos de los Jagger/Richards. Estos, se han olvidado de la experimentación y de la psicodelia que Brian había aportado al grupo un año atrás. 
Hablando del rey de Roma, Brian Jones parece pasar desapercibido aquí, poco más aporta que los slides y algún instrumento raro. La relación que Jones mantenía con los demás miembros iba a pique, pues les resultaba un estorbo, andaba bajo vigilancia de la policía por posesión de drogas, y sus giras ya no eran lo mismo. El que en un principio valía por miles paso a ser un cero a la izquierda.
Entretenido, adictivo, descarado...UN DISCO DE LOS STONES. Este disco es uno de los de cabecera para la propia banda, fíjense en la estructura de Beggars Banquet con respecto a Let It Bleed (pensaba que eran paranoias mías, pero el señor Federico me lo confirmó).
Seguramente sea mi preferido del grupo, solo Let It Bleed parece hacerle la competencia xD


Abre la GIGANTESCA Sympathy For The Devil, MI canción de los Stones, ninguna como esta. Congas y bongos dan inicio al álbum al que pronto se le suma un piano espectacular, que va acelerando él solo la canción. La melodía es perfecta "Please allow me to introduce myself, I'm a man of wealth and taste" mientras el bajo hace virguerías. Entre hooo-hooos Jagger va encabronando su voz, hasta que llega un momento en que solo le queda las de aullar, y justo ahí PUM aparece Keith con un solo electrizantemente sucio, que al final de tema se las juega con la voz de Mick, ya a grito pelado. No conoces el rock si nunca la has escuchado.
Sigue la linda balada country/blues No Expectations con la slide-guitar de Brian Jones armonizando el tema, el piano agrega belleza y el bajo profundidad, y la voz...como retrata lo que el tema simboliza (ya sabrán que uno de los temas mas comunes en el country son las vidas desgraciadas, dejadas al destino), todo ello en conjunto conforma una de las más lindas baladas de los Rolling.
Dear Doctor es uno de mis preferidos, sobre ese ritmo de vals, la banda parece pasar un rato estupendo, la melodía es pegadiza hasta la médula, Jagger y Richards cantan en dueto, aportando cada uno lo que su voz da. Esos armoniqueos sobre los que, hacia el 2:25, Mick parece berrar no bajan de maravillosos. "So help me, please doctor, I'm heavy"
Sigue Parachute Woman un blues sucio, descuidado y oscuro, que parece un adelanto de Midnight Rambler. La guitarra eléctrica haciendo la melodía de semejante manera: borrosa y difuminada. 
Jigsaw Puzzle es otro de los puntos más altos. Linda, bella, suave al tacto y...a la escucha. Al inicio parece aburrida, pero poco a poco se van sumando y sumando instrumentos bajo esa perfecta y delicada melodía hasta que...lo que parecía un aburrido tema pop/folky se convierte en uno de los mejores. Las guitarras acústicas que llevan el ritmo parecen ir aumentando y aumentando, hasta llegar a la apoteosis, para la cual el bajo ya nos había deleitado con lineas y lineas redondas, que parecen girar sobre si mismas.
Sigue el archiconocidísimo Street Fighting Man, un tema que rockea y patea culos hasta la saciedad con unas guitarras acústicas distorsionadas, que producen el ambiente más sucio de la obra. La melodía es también muy sencilla pero preocupantemente pegajosa.
Sigue Prodigal Son un tema folk-blues con unos platillos chisporroteantes sobre los que Keith nos muestra sus habilidades sobre la guitarra acústica.
Stray Cat Blues es lo más parecido a lo que los Rolling harían posteriormente. Mick Jagger se muestra vacilón y pervertido, con la voz especialmente pasota. Los riffs y el más puro rock n roll aparecen aquí a manos de Keith, que suelta notas y notas con su guitarra taladrando las neuronas. Pero, paradójicamente, en el tema más Stone del álbum aparece de nuevo el infravalorado Nicky Hopkins con su piano,  con su veloz piano.
Facotry Girl aporta poco más que una sensible mandolina, pues no es un tema que me atraiga mucho, parece un relleno, pero pasa desapercibido ante tanto monstruo.
Cierra Salt Of The Earth, con su bella melodía que, al aparecer Mick se suma un piano para hacer las funciones. Los slides de Brian Jones no son tan perfectos como en Jigsaw Puzzle pero cumple.Tema perfecto para acabar semejante álbum. Y excelente trabajo del coro femenino de L.A.
Gran álbum, aunque de nada te vale si aún no has escuchado nada de la banda. Te atrapa, te atrapa y no te suelta.
Saludos!

Truth - Jeff Beck (1968)

Artista: Jeff Beck Group (aunque fue lanzado como disco de Jeff Beck)
Publicación: 1968
Discográfica: EMI Columbia/Epic
Calificación: 9.5

Mejor canción: Blues De Luxe/2º Puesto: I Ain't Superstitious
Canciones: 1. Shape Of Things/ 2. Let Me Love You/ 3. Morning Dew/ 4. You Shook Me/ 5. Ol' Man River/ 6. Greensleeves/7. Rock My Plimsoul/ 8. Beck's Bolero/ 9. Blues De Luxe/ 10. I Ain't Superstitious/


De los Yardbirds salieron tres de los mejores guitarristas conocidos: Eric Clapton, Jimmy Page y Jeff Beck. Tres iconos del blues rock, tres innovadores de la época. Pero hoy solo hablare de Jeff Beck. 
Tras dejar los antes nombrados Yardbirds, formaría un grupo con una alineación épica. Rod Stewart ejercía de vocalista y Ron Wood le daba al bajo. Hoy día puede sonar chocante ver a estas tres personalidades juntas, pero cabe decir que por aquel entonces no los conocían ni en su casa. Nicky Hopkins se encargaba del piano, para el que no tenga idea de quien este señor, realizó un excelente trabajo  en el Beggars Banquet de los Rolling Stones. Un tal Micky Waller tocaba la batería, excepto en dos temas, en los que le cedía el puesto a...¡KEITH MOON! También estuvo Jimmy Page durante esas sesiones, y dejo plasmada su guitarra de doce cuerdas en Beck's Bolero. ¿Quieren que siga? Pues bien, un joven John Paul Jones, que por aquel entonces se dedicaba a los arreglos en diversas bandas, no dejo pasar a Jeff Beck y toco en un par de temas el bajo y el hammond.
Cualquier purista del más clásico rock y del blues rock debería tenerlo entre sus filas, o por lo menos, haberlo escuchado en alguna ocasión.
Estamos ante una de las obras más perfectas hechas jamas en la historia del rock n' roll, y sin duda de los 5 o 10 mejores discos forjados en el blues.
Beck agrega oscuridad, tristeza y melancolía con su depurada técnica, la guitarra llora, ¿alguien lo niega? Simplemente sublime, y Stewart parece dejarse la piel en cada tema, igualando por momentos a los mejores bluesmans blancos, como Joe Cocker.
El más fuerte blues, con uno de los mayores guitar heroes apoyado por una de las mejores voces de blues blanco, con tintes de arena rock y principios del uso del pedal wah-wah, ¿qué más quieren?


Abre con Shape of Things, cover de un antiguo tema suyo con los Yardbirds, digan ustedes pero a mi me gusta más esta versión que la original, es otro tema distinto. Las lineas de bajo de Wood son el punto fuerte de la canción, la guitarra hace de las suyas soltando notas cuando lo ve oportuno, no dando tiempo a respirar a Rod y su fabulosa melodía: "Shape of things before my eyes".
Sigue un potente blues llamado Let Me Love You, dejando todo el protagonismo a Jeff, ametrallando con riffs mortales a los que Ronnie se acopla dando vuletas y vueltas a su bajo. Largos solos entre gemidos de Stewart, la esencia de la banda.
Morning Dew, una balada en la que Jeff comienza a usar el wah-wah, por momentos parece no adaptarse, pero el dominio que tiene sobre el pedal consigue meterlo en cualquier momento de la canción, escuchen esas ráfagas y ráfagas de notas en los pegadizos coros que sin darse cuenta caen al verso y la tranquilidad. Maravilloso.
You Shook Me tiene un gancho especial, aunque no tan buena como la versión de los Zepp, es mucho más glamurosa y arreglada. Beck y Stewart realizan la misma melodía a la vez mientras Nicky Hopkins hace vibrar el piano con estupendos arreglos, dejando casi en ridículo a Jeff (exagerando, claro esta).
Ol' Man River es serio candidato a tema más flojo del álbum. Keith Moon da su primera aparición en el álbum, aporreando un timbal, y aquí Beck decide tocar el bajo, con alguna buena linea, pero poco más, le falta carisma y echarle ganas.
Greensleeves es un tema instrumental, solamente una guitarra acústica, que suena a gloria, enseñándonos otro de los fuertes de Jeff.
Sigue Rock My Plimsoul, con un bastante buen riff, que nada es al lado del posterior solo, por desgracia la canción cae en el aburrimiento por exceso de minutos.
Beck's Bolero recoge la psicodelia que un año antes se había apoderado del mundo. Un ritmo trepidante de batería, a la que Page imita con su ampulosa guitarra mientras Jeff realiza una apasionante e hipnótica melodía guitarrera, y entonces un grito seco da paso a un espectacular riff rockero hasta atrás. Por desgracia la canción es demasiado previsible.
Blues De Luxe, puro sentimiento, por cada parte; ritmo lento, lento, lento con un largo vacío entre frase y frase, en el que el oyente echa a andar la imaginación, con esas teclas resonando, apartándote del mundo de los vivos mientras suenen..."I don't know too much about love, people" nos cuenta Stewart, dando por sentado que es una de las mejores voces que jamas se hayan visto en el "white-blues". Finalmente Jeff decide saltar a escena y decir "Ahí estoy yo". Vuelvo a decir, ¿de veras quieren más?
Cierra otro cover, I Ain't Superstitious, seguramente no sea tan buena como la de Howlin' Wolf, pero le roza los talones. Riff rompecabezas que da paso a la pegadiza melodía, y esos cambios de ritmo en los que Jeff nos muestra de nuevo como se hace hablar a una guitarra. Sin duda el mejor blues (a parte de Blues De Luxe) del álbum.
Es díficil ser un amante del género y no haber oído el disco, en ese caso; no pierdan el tiempo y consíganlo como sea. Hoy día esto es una superbanda, con algunos de los músicos más virtuosos del rock.
Cordiales saludos.

Unplugged - Eric Clapton (1992)

Artista - Eric Clapton
Publicación - 1992
Discográfica - Reprise Records
Calificación: 9-

Momento cumbre: Nobody Knows You When You're Down and Out/ 2º Puesto: Rollin' and Tamblin'
Canciones: 1. Signe/ 2. Before You Accuse Me/ 3. Hey Hey/4. Tear In Heaven/5. Lonely Stranger/ 6. Nobody Knows You When You're Down And Out/ 7. Layla/ 8. Running On Faith/ 9. Walkin' Blues/ 10. Alberta/ 11. San Francisco Bay Blues/ 12. Malted Milk/ 13. Old Love/ 14. Rollin' and Tumblin'/


Sé que hay mucha gente por el mundo que tiene ciertos perjuicios en contra de Clapton, y esta vez les daré la razón. Lo que piensan es lo siguiente; Eric vive del cuento. Ahí queda dicho. Recuerden cuando este señor era un rey de la música, piensen en Cream, en John Mayal, en los Dominos e incluso en sus setentas en solitario, era impresionante, y a la gente le encantaba, recuerden Clapton Is God, pero entonces pensó: "funciono, tengo fama e incluso soy bueno, voy a seguir publicando y me saco unas pelas". Así fue como acabo Mr. Mano-lenta. Siguió sacando discos al mercado pero componía a toda prisa, y si se le acababa la imaginación se iba a los covers,  y así luego hacía lo que hacía (cof cof Pilgrim cof cof), aunque cuando el quería sacaba álbumes excelentes, escuchen From The Cradle, de los mejores trabajos para guitarra que escuchado nunca. Digamos que le pasó  lo mismo que a Santana.
Pues bien, siguiendo esa formula llegó al '92 y se fue a la MTV y grabó un disco Unplugged, ya saben; acústico. Y realmente fue bueno, tan bueno que lo llevó a ganar premios Grammy, aunque todo sea dicho, ¿ustedes creen que esos supuestos "críticos" se fijaron en más canciones que Tears In Heaven? Jojo, esos si que viven del cuento. Y para colmo, tras este trabajo saco el impresionante From The Cradle, parecía que había resucitado, pero tras esto, se desplomó en la nada con el absurdo Pilgrim...
Ya saben el aprecio que tengo hacia este señor, especialmente a su forma de tocar, y es que el se deja la piel en el mástil  sin apenas enterarse de lo que está haciendo, es como si las notas le salieran del alma, no como Satriani o Vai. 
A lo que vamos, el Unplugged es un álbum mítico hoy en día, y aunque este muy sobrevalorado, no dejará de ser una joya, y no me falta confianza para decir que es el mejor concierto acústico de la historia (por lo menos de la MTV). Todo el directo sigue la misma linea, mucho blues, la mayoría covers de canciones de dicho estilo, que se han convertido en clásicos, como Rollin' And Tumblin', además de algunos de sus temas más conocidos, por ejemplo Layla, y el famosísimo Tears In Heaven que presentó por primera vez aquel día, y que dejó al público conmocionado.
Ciertamente es un gran guitarrista dentro del ambiente acústico, sabe como hacerla sonar.


Abre con Signe, un tema instrumental con una buena melodía de guitarra, y una perfecta coordinación entre Clapton y el acompañante.
Sigue Before You Accuse, me que me gusta mucho más esta versión que la del disco Journeyman. Un blues muy marcado y con mucho ritmo, sin batería, dejando a los guitarros toda la magia.
Hey Hey, es un tema para lucirse con las seis cuerdas, ya que parte vocal no tiene mucha " Hey hey, hey hey baby hey". 
La siguiente es Tears In Heaven. La dulce balada que causó empatía hacia Eric y la muerte de su hijo, la canción es un clásico en sus conciertos, nunca falta. Es lenta, con unos bongos acompañando a la triste voz de Clapton, que produce un fuerte pesar en la parte de " I must be strong, and carry on". También mete un órgano para darle ambiente, y le queda que ni pintado. 
Lonely Stranger es otro tema pausado, con ciertas raíces negras. El piano que ayuda es simplemente bello, como el tema.
Nobody Knows You When You're Down And Out, es mi preferido del álbum. Es un blues de Jimmy Cox, con un cierto toque modernista para la época de Cox. Clapton canta con una voz sentimental hasta el alma, y de nuevo el piano suena a gloria, escuchenlo bien, es un grande de las teclas ese tal Chuck Leavell. ¿Y que me dicen de esos agudos acordes que Eric pellizca al más puro estilo negro?
Otra que tubo muy buena aceptación fue Layla, a la cual le cambiaron el inicial riff, por otro menos efectivo, pero perfecto para guitarra acústica.Por lo demás es como la original, mas fue uno de los puntazos del concierto.
Le sigue Running On Faith, un tema pop, arreglado con lindos slides sobre la dulce sección de acordes que la hacen deliciosa.
Luego Eric tocaría el clásico de Robert Johnson: Walkin' Blues, imitando a la perfección el estilo de este, que no me voy a poner a explicar, porque es único.
Continúa el recital con Alberta, un tema folk de toda la vida, con una melodía muy pegadiza "Alberta, Alberta, where you stay last night?", y vuelve a la carga Chuck con sus rafagas de notas, e impresionantes licks.
San Francisco Bay Blues aporta diversión al concierto, con innumerables tipos de percusión y guitarras de 12 cuerdas. Un tema muy alegre y bucólico, ya mítico por los solos de kazoos.
Malted Milk es otro de Johnson semejante a Walkin' Blues, que Eric vuelve a interpretar de forma excelente.
Sigue Old Love, al que también le cambiaron el riff por uno parecido al de Layla. No es la versión que mas me guste de este tema, pero se merece estar en rojo aunque solo sea por los solos del final.
Y terminamos con Rollin' and Tamblin', de Muddy Waters, con todo el público dando palmas como cosacos y Clapton contetandose así mismo con ese maravilloso riff. Perfecto para cerrar.
Si les gusta el blues clásico denle una oída, no les disgustará.

Queen II - Queen (1974)

Artista - Queen

Publicación - 1974

Discográfica - E.M.I./Parlophone (Europa) Elektra/Hollywood (US

Calificación: 9

Mejor Canción: Father To Son/ 2º Puesto: March Of The Black Queen u Ogre Battle.

Canciones: 1.Procession/2.Father To Son/ 3.White Queen (As It Began)/ 4.Some Day One Day/ 5. The Loser In The End/ 6. Ogre Battle/ 7. The Fairy Feller's Master Stroke/ 8. Nevermore/ 9. The March Of The Black Queen/ 10. Funny How Love Is/ 11. Seven Seas Of Rye/

Oscuro, pomposo, extravagante, barroco, grandioso...Más o menos así describiría el disco de forma rápida. Si quisiera profundizar y meterme en detalles, sería daros mucho la vara, es tan amplía su composición...Es muy variado y diverso, aunque en el fondo todo sigue la misma línea.
Caracterizado principalmente por su ampulosidad, el estar lleno de arreglos hasta el fondo es el problema que todo el mundo le atribuye, mas en el fondo yo creo que es lo que le hace un disco tan gigantesco, intenten imaginar cualquiera de sus temas con solamente una guitarra, una batería, un bajo y un piano, sería horrendo, asqueroso a cualquier oreja.
En Queen II deciden probar con sonidos más complejos, pistas multi track, coros en todos los lados...todo ello para conseguir un estilo semejante al progresivo, más bien al sinfónico. 
Brian May, si bien en su debut  rockeaba con riffs impresionantes, en este segundo trabajo se dedica más bien a solos imposibles (The March Of The Black Queen) y orquestaciones de guitarras, que no necesariamente tiene que ser al estilo Procession. 
En otros temas como Ogre Battle o Father To Son se decanta por romper las cuerdas, aporrear su guitarra y hacer vibrar las seis cuerdas alcanzando un punto único en toda su carrera, que solo igualaría en Live Killers y algún directillo más.
En ocasiones toda esa pomposidad que predomina en todo el álbum, llega a ser excesiva, lo cual es raro, pues Queen se las arregla muy bien para equilibrar sus instrumentaciones (bueno, siempre no, casi siempre), muchas veces los coros son empalagosos, y las canciones piden a gritos que se les quite partes.
Pero yo a este disco le tengo mucho aprecio, no fue ni mucho menos el primero que escuché, y me cuesta mucho escoger un disco favorito de Queen ( el A Night At The Opera no cuenta, es el mejor y mi preferido de toda la historia), ya que tengo etapas en las que prefiero a uno y otras en las que me lanzo con otro, pero creo que si no contamos el ANATO, este (y quizá también Jazz y A Day At The Races) sería el que más escucho y disfruto escuchando.
El álbum se divide en dos mitades, "La Reina Blanca" (May y Taylor) y "La Reina Negra" (Mercury), no es precisamente una opera rock, visto desde el punto de que las letras no tienen coherencia entre si, y hay canciones que solo sirven como enlace. 


Unos pequeños pálpitos, sobre los que Brian toca un centenar de guitarras (en el fondo todas son la misma xD), conforman el pequeño intro llamado Procession, al que rápidamente se une el grandísimo Father To Son, con una delicada melodía "A word in your ear, from father to son", con perfectos arreglos de May, que pasan desapercibidos, pero son una delicia, y en el 2:08 la Red Special empieza a soltar gritos y berridos, mandando todo al garete y pasando por el disco como un trolebús. Mas luego Mercury volvería con sus maravillosas partes vocales, esta vez denotando más potencia y fuerza.
Le sigue White Queen (As It Began), la que muchos consideran la mejor balada de Queen, yo no pienso asi, porque, jojo póngase ustedes a buscar la mejor balada de Queen. Freddie parece contar todas sus penas, con voz temblorosa y arrebatadora, cuenta la desafortunada historia de la Reina Blanca, a la cual May le da más tristeza con sus oscuros arpegios de fondo, que sin avisar se transforman en un contundente trallazo a la guitarra para el impresionante estribillo.
Some Day One Day es un tema folk, que se hace demasiado largo, y como en si no da para mucho resulta un tanto aburrido. Brian toca la guitarra con algún efecto que da la sensación de que el sonido este dando vueltas sobre si misma (creo que se llama Phaser)
The Loser In The End está un tanto incomprendida, ya que es uno de los mejores temas de Taylor, pero con el tiempo la gente le acaba cogiendo manía a Roger. Es un fuerte rocker, con un audaz riff acústico/eléctrico durante todo el tema sobre el que Brian May se lanza a tonos mucho más agudos.
Ogre Battle abre la segunda cara del álbum. Tras el grito de Roger comienza un espectacular intro de guitarra y batería rebobinada, al que más tarde se une Mercury con una pegadiza melodía, cantada con toda su maestría. Es el tema más cañero de todo el álbum, puede hasta con la parte dura de Father To Son. Son incontables los licks que Brian pone a prueba en este tema, demostrando su dominio.
The Fairy Feller's Master Stroke pierde aceite, aunque reconozcámoslo; no es tan malo, tiene unas cuantas partes muy melódicas, aptas para cualquiera, su único defecto es el falsete de Freddie - del cual es un maestro -, a veces es agobiante.
Nevermore sirve de enlace, pueden escucharla tantas veces como quieran, no les cansara NUNCA, es conmovedor esa parte de "You send me to the path of nevermore, when you say you didn´t love me anymore".
The March Of The Black Queen es el resumen de todo el disco, todos los adjetivos del incio de la reseña le quedan como anillo al dedo. No deja de ser mi segunda preferida, todas esas partes de piano donde Freddie muestra toda su destreza a como cantante y teclista, o ese perfecto coro de " Here comes The Black Queen, pokin in the pile" emulando opera, y por supuesto todos los solos de guitarra, todos, y si tengo que elegir uno me quedo con  el del 2:08. Toda la esencia del álbum y de Queen esta en este tema.
Por desgracia Funny How Love Is es mala con gana y ampulosa hasta la saciedad, y uno de los coros más estúpidos escuchados...Una pena.
Cierra el mítico Seven Seas Of Rhye y su veloz riff de piano y los fuertes rasgueos de Brian, unas cuantas melodías perfectas y muy contundente, ¿que más queréis?
Si sois impacientes olvidaros de este Queen II, pero no sabéis lo que os perdéis. 

The Dark Side Of The Moon - Pink Floyd (1973)

Artista - Pink Floyd
Publicación - 1973
Discográfica - Harvest, Capitol
Calificación - 10-

Mejor canción: Time/ 2º puesto: Us And Them.
Canciones: 1.Speak To Me/Breathe/ 2. On The Run/ 4. Time/ 5. The Great Gig In The Sky/ 6. Money/ 7. Us And Them/ 8. Any Colour You Like/ 9. Brain Damage/ 10. Eclipse/


Menuda racha de discazos llevamos por aquí, la verdad es que cuando uno se pone a escribir en el blog, lo hace con la idea de mostrar a los lectores  sus gustos y demás, yo siempre intento buscar discos que me gusten y que piense que os van a gustar, rehuyo subir discos asquerosos para poner suspensos, que hay bastantes. Debería encontrarme de muy mala hueva.
 Pues hoy os traigo el disco más revolucionario de la historia, más revolucionario que Sergeant Peppers, por ejemplo. Yo lo de revolucionario lo entiendo como un disco que consiguió gran fama y respeto por parte de las personas que lo escucharon, todo eso se ve reflejado en las ventas. Lo encuentro más revolucionario que Back In Black, que lo supera en ventas, porque el Dark Side es anterior a cualquier movimiento de masas por conseguir un álbum, además del tiempo que estuvo y está en todo tipo de lista de ventas. "Es el mejor disco de Pink Floyd" o "Es el mejor disco de la historia", todo el mundo lo tiene endiosado. Es cierto que esta bastante sobrevalorado, no se puede negar, pero según mi opinión no tanto como los sabios críticos dicen. Llevo muchos años escuchando a Floyd, es más, es el grupo que escucho desde que tengo uso de razón, y os puedo asegurar que lo mismo que con el tiempo se ha ido sobrestimando, gente como Starostin, Isaac o incluso el Dr. Federico se han encargado de   infravalorarlo. Escúchenme, o en su defecto léanme, es el segundo mejor disco de Pink Floyd, y el más indicado para iniciarse a amar a esta banda, no empiecen con El Muro o con Animals, no tendría sentido, no entenderían lo que ocurre, o eso creo yo, así que si no han prestado su oreja a los de Waters y Gilmour denle una oída a esta obra.
Quizá lo que haga tan grande a este álbum sea el que todavía no hay una rivalidad clara entre los miembros, y a la hora de componer sabían combinar la majestuosidad de cada uno en su instrumento. 
Atmósferas mágicas creadas en su mayoría por los innumerables coros femeninos junto con los teclados de Wright, y todo ello crea el ambiente característico del Dark Side Of The Moon, pomposo, espacial y sobre todo INNOVADOR. La innovación y la experimentación hacen grande a todo el álbum. Pero todas esas instrumentaciones estratosféricas no se quedan a palo seco, es aún más maravilloso el ver que la parte musical de cada canción sabe expresar a la perfección de que hablan los temas, creo que el mejor ejemplo es Breathe. 
Con este disco Pink Floyd conformó su primera obra conceptual, todas las rolas giran entorno a un tema común. El contexto es muy subjetivo, cada persona tiene una perspectiva diferente de sus letras, yo creo que retrata al ser humano en cualquiera de las situaciones, nacimiento, locura y visión de la muerte.


PUM-PUM, PUM-PUM, el disco y la vida nace con los latidos de Sepak To Me, que rápidamente se convierte en la delicada Breathe  sintiendo la brisa en la piel, Gilmour crea ambiente con lindos slides mientras Mason da fuerte a su batería, ayudando están Waters con simples lineas de bajo acopladas a la mítica melodía "Breathe, breathe in the air"
Tras ese maravilloso inicio el álbum cae en la miseria con la aberración que es On The Run, una improvisación de sintetizadores locos que no llevan a ningún lado.
Los relojes, campanas y timbres dan vida a Time, el mejor tema de Pink Floyd. Graves notas sostenidas a la vez que Nick toca cada caja de su batería y Wright  hipnotiza con sus teclas, y sin previo aviso David aparece con su guitarra y su voz partida en dos pero dulce y melódica, y tras esplendidos versos llega el maravilloso solo, uno de los cinco mejores de toda la historia, sin duda alguna. 
The Great Gig In The Sky asume todo tipo de penas, sus inminentes acordes piano y lentos deslices de Gilmour preparan a la voz de Clare Torry, la cual hace lo nunca visto con su voz, impresionante, señores y señoras, ¿acaso ha definido alguien  tan bien alguna vez la muerte, la depresión, la enfermedad y todo tipo de desastres sin decir ni una sola palabra?
Dicen que el dinero es el mayor mal de la humanidad, lo sea o no, Pink Floyd muestra toda su rabia ante todos esos temas con la gran Money, y su famosísimo riff de bajo sobre pequeños licks de David y ecos e fondo que parecen retraerse y dejar toda la fama a Dick Parry, mas eso no ocurre y asusta a todo virtuoso con otro perfecto solo.
Más magia produce aún Us And Them, con su sensacional teclado tocando delicadamente un arpegio precioso y la voz llena de delay, y entonces...el espectacular estribillo del tema, no apto para sentimentales, los coros que ayudan lo endiosan y lo hacen grande. El saxo también coge un importante papel con el fantástico solo.
Any Colour You Like sigue una estructura semejante a la de On The Run, pero muuuucho mejor, eso cae de cajón. Esta basada principalmente en una experimentación entre VCS 3 y guitarra, y que seguramente represente todo el daño producido por drogas y demases.
Le sigue Brain Damage, la cual retrata la locura, a mi parecer, lo hace sin problema alguno, vamos, que le queda como anillo al dedo, principalmente la voz de Waters, que el ya canta con voz de loco de por si, pero aquí ya se se sale, además esos acordes temblorosos de David son ya la gota que colmó el vaso.
Y cierra la pesimista Eclipse, que esta muy bien, aunque es poco más que unos coros sobre un riff de teclado lento y grandioso.
Pues bueno, nadie como Pink Floyd para retratar cualquier sensación en una canción o disco.

The Bends - Radiohead (1995)

Artista: Radiohead
Publicación: 1995
Discográfica: Parlophone
Calificación: 10-

Mejor canción: Fake Plastic Trees / 2º Puesto, algo imposible de elegir.
Canciones: 1. Planet Telex/ 2. The Bends/ 3. High & Dry/ 4. Fake Plastic Trees/ 5. Bones/ 6. (Nice Dream)/ 7. Just/ 8. My Iron Lung/ 9. Bullet Proof...I Wish I Was/ 10. Black Star/ 11. Sulk/12. Street Spirit (Fade Out)/


Sinceramente, hace nada que empecé a escuchar a esta peculiar banda. Debería darme asco de mi mismo. No había escuchado NADA (bueno...Karma Police...) hasta este verano. Fue el mundillo blogger el que me ayudo a incarles el oído. Acabe cansándome de mi mismo por no haberles prestado atención. Me tragué del tirón sus tres primeros álbumes, y estuve mucho tiempo anclado en el Ok Computer,el cual me había eclipsado sus dos anteriores trabajos. No me acordé más de ellos, hasta que hace nada, el Hombre Mojón, con sus temas selectos de Radiohead me hizo pasarme por sus inicios. El Pablo Honey me pareció cutre y ruidoso, pero The Bends, realzó mi animo a meterme en sus mundos.
Los de (jamón de) Yorke siempre tuvieron fama de deprimidos, emos y todos esos rollos, y por ahí van los tiros de su música, especialmente después de este, pero The Bends no me parece precisamente pesimista, hombre, hay alguna como Just, Street Spirit  o (Nice Dream), pero no es lo más abundante, simplemente cumplen su papel en el álbum.
Para mi, es un álbum de transición hacia nuevos sonidos, pero conservando la viveza de Pablo Honey, obviamente perfeccionada, todo ello lleva a una mezcla parecida al Brit.
Es asequible, llega con facilidad; sin muchos rodeos, tardará tan poco como a mi en gustaros, quizá se demore más en apreciar la grandiosidad de temas como My Iron Lung, Just o incluso Street Spirit, pero son solo tres canciones, y el álbum tiene 12.
Suena repetitivo, ya lo sé, pero, ¿quién iba a pensar que esto sean Radiohead?
Creep es la canción más famosa de la banda, mas yo me quedo con cualquier tema de The Bends antes que Creep, la aborrezco.


Abre con la espacial Planet Telex, con sintetizadores a reventar, que son más de media canción, le dan forma, pero la hacen un tanto pomposa. Los versos son cañeros y potentes, sin embargo, el estribillo no es muy de mi gusto.
The Bends es mucho mejor, un rocker con todas las letras, con el mejor riff de todo el disco, y si te descuidas, de Radiohead (no puedo hablar con seguridad, los siguientes a Kid A, son desconocidos para mi, excepto alguna canción). Thom versea con desgana al principio, pero en los siguientes la voz se anima con la guitarra de Jonny ayudándolo. El estribillo es de lo más pegadizo " My baby it´s got the bends, oh no, we don´t have any real friends"
Sigue High n Dry, tema que sonó a reventar en todos los lados. Se trata de una balada melódica y dulce, con pegajosas melodías durante toda la canción. La guitarra de Thom tiene un papel más importante que el de Jonny, acompañando de manera perfecta.
Fake Plastic Trees es la mejor del disco con muucha diferencia, puede con cualquier otra. Yorke hace florituras con su voz, pasando de graves a agudos sin termino medio. La lentitud acústica es todo un punto, crea el ambiente necesario, y para realzarlo, el hammond, que le da pequeños tintes tristes. Pero su punto más alto llega cuando en el minuto 2:36 Jonny da a conocer su guitarra eléctrica, la canción la pedía a voces, y Greenwood lo da todo. De lo que conozco de la banda, es mi preferida.
Bones es más fuerte, que las dos anteriores, y juega con la base de Planet Telex, con los teclados y el bajo dominando hasta que en el estribillo, Thom ataca con su voz y desemboca en un riff a toda potencia, un pelín rockanrollero. Puede ser más floja, pero sirve de enlace entre dos grandes.
La siguiente es (Nice Dream), esta tira a sonidos del estilo del Ok Computer, lento y textura suave, con la acústica mandando pero con Jonny ayudando con arpegios simples, pero que le vienen que ni pintada. Es hipnotizante como ella sola.
Just es un tema grunge sin ninguna duda, desganado e indiferente, mas aún así de las mejores. Los versos suenan más tranquilos, Greenwood los remata con una sencilla melodía guitarril, y tras un momento de unísono entre guitarra y voz, la canción explota en un impresionante estribillo.
La más loca es My Iron Lung, que entra como Lucky In The Sky With Diamonds, algo parecido, ya sabéis, arpegiado y vibrante, y para sorpresa de todos se convierte en algo, como diría Jesulín: "en dos palabras: im-prezionante", capaz de reventar una casa.
Bullet Proof... I Wish I Was no me gusta demasiado, lenta y tranquila, intenta llegar a Fake Plastic Trees, pero se queda muy atrás, para mi gusto es un relleno.
Sirve como puente de rellenos Black Star, que es mejor, con un efectivo riff y una parte vocal melodramática a lo largo del tema.
Sulk es lo peor del disco, no me gusta nada, quizá un poco sus coros, pero poco. Es aburrida, ese es su problema, nada más, y este es un disco para disfrutarlo a tope, y no me parece que Sulk ayude. Por lo menos compensa el peso de las demás.
Street Spirit (Fade Out) la suelen catalogar como la mejor, seguramente de las que yo tengo como candidatas al segundo puesto vaya más adelantada. Es un tema triste, deprimente, pesimista... ya saben por donde voy ¿no?, pero me parece que todo eso la hace un tema de unas inimaginables magnitudes, el como va cambiando la sección de acordes pero manteniendo el riff, es lo que me enamora de ella.
Gran disco, os puedo decir con toda seguridad, que os gustará.

Is This It - The Strokes (2001)

Artista - The Strokes
Publicación - 2001
Discográfica - RCA
Calificación: 9+

Mejor Canción: Is This It (Sí, Is This It)/ 2º Puesto: Someday o New York City Cops.

Canciones: 1.Is This It/ 2. The Modern Age/ 3. Soma/ 4. Barely Legal/ 5. Someday/ 6. Alone, Together/ 7. Last Nite/ 8. Hard To Explain/ 9. New York City Cops/ 10. Trying Your Luck/ 11. Take It Or Leave It/

Estamos por fin ante un disco que ya venía haciendo falta postearlo. Más que nada porque llevo una temporada publicando música setentera, y se que hay gente que le interesa también las buenas bandas modernas, que aunque hay pocas, hay.

Y el movimiento indie, no empezó ni con Franz Ferdinand ni con The Killers, ciertamente no empezó ni siquiera con los Strokes. Mucha gente cree que esta banda fue la que invento la música independiente, pero las cosas no son así, muchos grupos antes de los dosmiles hicieron música a la que nadie le encontraba un estilo, que era un género único en la banda. A la mayoría los tacharon de rock alternativo, pero en muchos casos se equivocaron, el alternativo está más indicado a los que reivindicaban el rock progresivo, y el indie era indie.

The Strokes se encargaron de popularizar el término. No solo el término, si no también la imagen, ser auténticos y nunca vistos pero sin ser excesivamente extravagantes, lo que góticos o moko hoteleros no entienden.

Música basada principalmente en rock de garaje, osea, bien distorsionado y un sonido abrumador, pero con melodías pop impepinables, sobre un ambiente un tanto bajo de moral pero espacial en gran parte de las canciones, conseguido por ese efecto de la voz de Julian Casablancas, a bajo volumen e intentando sonar a voz negra. 

Las guitarras son sencillisimas, imitan sonidos post-punk, y consiguen que les quede bien, muy bien.

Es complicado no haber oído hablar nunca de él, Is This It, fue nombrado y renombrado hasta la saciedad. Bastante lleno de vitalidad y ritmo. El sonido esta completamente definido, y ya son inconfundibles.

Abre con la homónima, que para mi, y debo ser el único, me parece la mejor del álbum. Julian canta lentamente y suave, dejando oír más a la guitarra , que hipnotiza, buscando igualar la melodía vocal, pero anclándose en un sencillo riff. Unos licks de bajo eclipsan a toda la banda. Canción efectiva como ella sola.

Le sigue The Modern Age, que tras el intro punkarro se introduce en un aura espacial con unos buenos golpes de batería de Moretti, la canción es tranquila, sencilla, su función es introducirte, capturarte y no soltarte. Me encanta ese momento en que la voz de Julian suena desgarradora en el 1:13.

Soma es quizás inferior a las anteriores, por culpa de ese riff, que no me gusta, y como se repite durante casi toda la canción ni la melodía puede pararlo.

Berely Legal tampoco es nada del otro mundo, esta vez es la parte vocal la que me echa atrás, porque en esta las guitarras no son tan malas, pero en conjunto es un tanto excesiva.

Sigue mi segunda preferida, Someday, con un intro mucho más directo, y una melodía clara y dulce. El estribillo es su punto fuerte, haciendo dueto entre voz y guitarra, creando un efecto precioso. Julian desgarra su voz más que en cualquier otro tema, lo cual hace que la canción sea única.

Alone, Together es mastodóntica, el riff es impresionante, pero lo es  aún mas la combinación entre este y verso, hacen un efecto convicente. Una canción con mucha potencia, que hacia falta.

La más famosa y con más reconocimiento es Last Nite, sin duda una maravilla, pero no la mejor. La parte vocal inicial es muy atractiva, cambiando de forma continua los acordes, y fabricando una atmósfera fiestera y a la vez delicada.

Hard To Explain me parece floja y sobrevalorada, es la que menos me gusta del álbum. Intenta parecerse a un rollo electrónico alternativo pero se queda corta.

New York City Cops realza la moral con un espectacular riff, y mucho más cañera que Alone, Together, y de las pocas del disco con un solo de guitarra, y las cosas como son, fantástico. Igualando el nivelazo de Someday.

Le sigue la melódica Trying You Luck, de la  que me gustan su verso, su intro y su puente y, me parece que todo eso vale más que el estribillo (0:35), un tanto malo.

Y cierra con un tema muy directo Take It Or   Leave It, concreto y conciso, con un lick de guitarra  durante toda la canción que en el estribillo Julian lo retrata con la voz, explotando.

Un gran disco lleno de himnos, seguro que os gusta.

Jimi Plays Monterey - Jimi Hendrix Experience (1986)

Artista: Jimi Hendrix Experience
Publicación: 1986, creo, pero la grabación fue en el 1967.
Discográfica: Reprise
Calificación: 9.5

Momento Cumbre: Wild Thing y el "quemamiento" de guitarra o The Wind Creis Mary.
Canciones: 1. Killing Floor/ 2. Foxy Lady/ 3. Like A Rolling Stone/ 4. Rock Me Baby/ 5. Hey Joe/ 6. Can You See Me/ 7. The Wind Cries Mary/ 8. Purple Haze/ 9. Wild Thing.


Definitivamente me he decidido. Me he decidido a reseñar un álbum en directo. Harto de escuchar grupos superficiales, que sacan un aburrido disco de estudio y luego en el escenario se lo montan como nacidos para ello, y yo pienso, ¿no les compensaría sacar solo discos en directo? Intenta escuchar dos álbumes de Kiss seguidos sin acabar mirando la tapa para ver cuánto duran. ¿Nunca os encontrasteis en esa situación?
Por suerte con el tito Jimi, no pasa lo mismo.  Bueno, pasa pero en parte. Sus tres obras con los Experience fueron perfectas, pero Hendrix vivía de la carretera,  a él, en los discos de estudio lo que le importaba era meter canciones, eso sí, bien seleccionadas, para luego poder dárselo todo  a su público. Mucha gente hizo eso, pero Jimi componía con mucha sabiduría, y evitaba lo malo, tiene pocas canciones malas en sus 3 trabajos, especialmente Are You Experienced? y Electric Ladyland, que tenían mas de 16 temas dentro, y casi ninguno era relleno.
Normalmente, los grupos en concierto podrían hacer cualquiera de estas tres cosas:
1. Tocar los temas de forma idéntica a la original.
2. Tocar todos lo arreglos que se les ocurrieron después de la publicación del álbum, y no les dio tiempo a meterlos en él por impacientes.
3. Dar un concierto salvaje, lleno de sentimiento, solos extraterrestres y amplis al máximo.
Jimi encaja en el último bando, pero descaradamente. No hay más que verlo, cada gesto y cada movimiento que hace, son una muestra de su dedicación al público y del amor que tiene a su instrumento. Cada nota que se le ocurría dar era él en estado puro. Cada Yeah! que soltaba, viniera a cuento o no, era la muestra de como disfrutaba sobre el escenario (eso, o que se había jartao antes de tocar).
Pero el concierto se tuvo que hacer famoso por algo. Y al ver la portada ya se nota , he aquí, como tras dar un espectacular concert, coge su guitarra la arroja al suelo y le prende fuego. Jimi decía que había que sacrificar lo que más se quería. Y se ve clarito como el agua a quien era.
Además su presencia en el Monterrey Pop Festival, lo catapultó a la fama mundial, especialmente en su país, ya que hasta ese momento, era reconocido poco más que en las Islas Británicas..


Tras la presentación de Brian Jones, Hendrix, hace vibrar su guitarra con un riff imposible, demasiado veloz para el ojo humano, mientras mueve las plumas que llevaba al cuello y Mitch Mitchell da golpes a su bateria salvajemente, retumbando en los oídos de la gente, que se mueve al ritmo de la música.
Tras el acelerado Killing Floor, los Experience deciden darle a Foxy Lady, reventando las cuerdas y dándole mil vueltas a su guitarra (literalemente, menudo solo) y creando un ambiente de tensión al parar todos y dejar solo a Jimi para decir con vacile "Wuuuuu Foxy Lady!"
Hendrix suelta la boa y empieza a tocar los inconfundibles acordes de Like A Rolling Stone, de Dylan,  y comienza a recitar la poética letra y soltar carcajadas, sin levantar demasiado el tono de voz, ni hacer los gallos de Bob, creando una excelente perfomance (como me gusta usar esa palabra). 
Anuncia Rock Me Baby, pero advierte de que no sera el clásico Rock Me Baby, y os aseguro que no es el clásico Rock Me Baby. Sigue la pauta del Killing Floor, a todo lo que da,  haciendo sabeDioscuantas guitarras al mismo tiempo, ritmos raudos y solos que no caben en la pantalla, una ametralladora de notas sin duda alguna.
Más tarde tocarían uno de sus temas más famosos: Hey Joe, la que toca más tranquilo, pero lleno de orgullo, y a la vez una versión más triste y melancólica en la parte vocal notable, con un deje más aburrido, mas aún así crea unas melodías preciosas con su guitarra. Y se me olvidaba, el famoso ¿solo? con los dientes.
Can You See Me, es para mi, el momento más aburrido y monotono, simplemente porque ya había demasiado blues rock, en el concierto, y este ya se excede.
Uno de los momentos para ensueño del concierto fue cuando tocaron The Wind Cries Mary, era clavada a la del estudio, pero me parece que solo con ese tema consiguió tanta atención del público, los cuales aprestaban sus oídos ante la linda balada que Jimi tocaba con delicadeza, sin demasiado virtuosismo, pero capaz de calmar a una multitud.
Y tras la preciosa Wind Cries Mary, llega Purple Haze, con toda la técnica, pureza y potencia que ella requiere, y Hendrix nos ofrece una de sus mejores presentaciones en vivo de la canción, y Noel Redding y Mitch Mitchell luciendose en sus respectivos instrumentos, expresando que la banda no es solo Hendrix.
Y cierra el otro momento cumbre, Wild Thing, un pedazo de canción, con ritmo y melodía como mandan los cánones, esto es un cover y no el Spaguetti Incindent, que coros de Noel más resultones, y además el SACRIFICIO DE LA GUITARRA, Hendrix coge su Stratocaster y la arroja por el suelo, la quema y luego la espeta contra el suelo, lo que queda (osea el mástil) lo lanza a la gente. Esto sí es rock en estado puro.

Led Zeppelin - Led Zeppelin (1969)

Artista: Led Zeppelin.
Publicación: 1969
Discográfica: Atlantic Records.
Calificación: 9+

¿Mejor disco de Led Zeppelin? - No
Mejor Canción: Dazed & Confused/ 2º Puesto: Babe I'm Gonna Leave You.
Canciones: 1.Good Times Bad Times/2.Babe I'm Gonna Leave You/3. You Shook Me/ 4.Dazed & Confused/5. Your Time Is Gonna Come/ 6. Black Mountain Side/ 7. Comunication Breakdown/ 8. I Can't Quit You Baby/ 9. How Many More Times?/


Esta vez la espera se alargó más, porque también tuve una semana ajetreada, así que aprovecho el puente para subir una reseña.
Nos adentramos en los años en que el rock n roll se marcho a meditar y volvió convertido en rock. Todo ocurrió por la segunda mitad de los sesenta, la cosa empezaría entre el 66 y el 67, esos dos años fueron fundamentales para la creación de un nuevo genero.
Todo ese proceso de invención lo tendríamos que dividir en tres grupos: en primer lugar los padres, que son Robert Johnson y Willie Dixon, que fueron quienes popularizaron el blues. Más tarde llegarían los inventores, entre los que se encuentran los Stones, Beatles, Jimi Hendrix, Cream, Pink Floyd y Led Zeppelin. Y luego los perfeccionistas, quienes dieron forma a todos los anteriores. Este es un grupo muy extenso ya que llega hasta nuestros días, pero va liderado por aquella banda que no digo su nombre por no resultar repetitivo.
Pero yo quisiera centrarme uno de los conjuntos pertenecientes a los inventores, Led Zeppelin. Aparecieron cuando el tema ya se daba por zanjado, pero estos nos demostraron que no, y cogiendo el hard rock virtuoso de Hendrix y el blues de Dixon y Cream, lo mezclaron y crearon un nuevo genero para la collección. Un rock con riffs mucho más efectivos voces gritonas y acentuación blusera.
A lo largo de la majestuosa carrera Zeppeliniana fueron mejorándolo, cogiendo carrerilla y caña, pero toda discografía tiene un debut, y el de Zepp se acerca más a sonidos más Hard Blues que nada, tirando muchas veces a recordar a Cream. Mucho momento psicodélico, y ante todo, la genialidad de Jimmy Page. El guitarrista con este primer disco ya no le hace falta mejorar sus técnicas practicamente nada, los riffs ya mueven las tejas del tejado y los solos ya son soberbios. Luego su creatividad, le falta un pelín, aunque ya nos da temas excelentes, digamos que aún le queda conseguir un punto más alto si cabe de originalidad, ese punto en el que todo el mundo se arrodillaría ante la banda. 
Otra persona a la que veo sobresaliente es a John Paul Jones, el bajo me parece soberbio en este álbum, no hay más que oír el riff de Good Times Bad Times, o la locura que producen esos tonos tan graves durante el intro de Dazed & Confuesed. 
Tampoco podría acabar sin hablar de sus otros miembros, Bonham y Plant. La batería todavía no se luce lo necesario, pero vemos todo su talento. Y la voz de Plant, me parece que en este trabajo es insuperable para él.
Pero el problema del álbum que no le da ni para el nueve y medio es su segunda mitad, que a mi gusto es más floja y anda distraída, divagando, estando a todo y estando a nada, lo que nos confunde es que meten por el medio unos temas tan buenos como Communication Breakdown y How Mny More Times? que nos hace dudar.
De todas formas, me parece un álbum muy completo.


Abre con Good Times Bad Times, aturdiendo con un acorde a todo volumen, que se convierte en una melodía guitarra/voz, haciendo un unísono muy agradable, que se desploma en un puente potentísimo que a la vez recae un solo muy rápido al más puro estilo Page.
Sigue el segundo mejor tema, Babe I'm Gonna Leave You, tema acústico en el que Robert muestra sus facultades vocales creando todo tipo de sensaciones, modulando su voz, poco a poco y dejándonos como ilusos que no nos enteramos. Predomina un ambiente siniestro, y Jimmy Intenta que las seis cuerdas suenen huecas. La canción al final necesita explotar y obviamente lo hace.
You Shook Me es un corte de blues, con un slide liderando, Plant lo imita deslizando los más agudos tonos vocales vistos a graves notas. Sin duda me quedo con esa base rítmica con la pausada batería dando fuertes golpes.
En el cuarto track llegamos al Magnus Opus, Dazed & Confused un psicodélico tema, con un bajo sublime y de nuevo una perfomance de Plant hiela-sangre, la guitarra de Jimmy Page emula unos gritos, y lo consigue, hasta hace bien poco pensé que era Robert el que gritaba como un descosido. Posee el famoso riff que luego Black Sbbath supuestamente plagiaron en su tema Paranoid. Largos minutos de improvisación y experimentación con todo tipo de instrumentos y otro momento épico, el de el solo con el arco de violín.
Your Time Is Gonna Come intenta fastidiarnos el día, un himno hippie con unos coros demasiado empalagosos, todo lo contrario que sus versos que me parecen perfectos, poppys, vibrantes y llenos de sentimiento.
Black Mountain Side por más que lo escucho no me atrae, no me llega, no me tira. Es un tema instrumental que solo cuenta con dos guitarras acústicas y unos bongos, pero no tiene nada de particular.
Aparece Communication Breakdown para aliviar, con un ritmo machacón  a todo lo que da mientras  Plant hace florituras con su voz. No da mucho más de si, pero es bueno.
I Can't Quit You Baby es otro blues, no me gusta tanto como You Shook Me,  quizá porque este último es más resultón y lucido, pero I Can't Quit You Baby posee momentos memorables como esos toques de Bonham.
Cierra How Many More Times? un intro lleno de wah wah que recuerda al primer álbum de los Stooges, y luego un efectivo riff que suena a Black Keys por todos lados. Tras esa parte tan rocker parece imitar a Dazed & Confused.
Un gran álbum que cualquiera puede disfrutar. Ese mismo año llegaría su obra maestra.