Truth - Jeff Beck (1968)

Artista: Jeff Beck Group (aunque fue lanzado como disco de Jeff Beck)
Publicación: 1968
Discográfica: EMI Columbia/Epic
Calificación: 9.5

Mejor canción: Blues De Luxe/2º Puesto: I Ain't Superstitious
Canciones: 1. Shape Of Things/ 2. Let Me Love You/ 3. Morning Dew/ 4. You Shook Me/ 5. Ol' Man River/ 6. Greensleeves/7. Rock My Plimsoul/ 8. Beck's Bolero/ 9. Blues De Luxe/ 10. I Ain't Superstitious/


De los Yardbirds salieron tres de los mejores guitarristas conocidos: Eric Clapton, Jimmy Page y Jeff Beck. Tres iconos del blues rock, tres innovadores de la época. Pero hoy solo hablare de Jeff Beck. 
Tras dejar los antes nombrados Yardbirds, formaría un grupo con una alineación épica. Rod Stewart ejercía de vocalista y Ron Wood le daba al bajo. Hoy día puede sonar chocante ver a estas tres personalidades juntas, pero cabe decir que por aquel entonces no los conocían ni en su casa. Nicky Hopkins se encargaba del piano, para el que no tenga idea de quien este señor, realizó un excelente trabajo  en el Beggars Banquet de los Rolling Stones. Un tal Micky Waller tocaba la batería, excepto en dos temas, en los que le cedía el puesto a...¡KEITH MOON! También estuvo Jimmy Page durante esas sesiones, y dejo plasmada su guitarra de doce cuerdas en Beck's Bolero. ¿Quieren que siga? Pues bien, un joven John Paul Jones, que por aquel entonces se dedicaba a los arreglos en diversas bandas, no dejo pasar a Jeff Beck y toco en un par de temas el bajo y el hammond.
Cualquier purista del más clásico rock y del blues rock debería tenerlo entre sus filas, o por lo menos, haberlo escuchado en alguna ocasión.
Estamos ante una de las obras más perfectas hechas jamas en la historia del rock n' roll, y sin duda de los 5 o 10 mejores discos forjados en el blues.
Beck agrega oscuridad, tristeza y melancolía con su depurada técnica, la guitarra llora, ¿alguien lo niega? Simplemente sublime, y Stewart parece dejarse la piel en cada tema, igualando por momentos a los mejores bluesmans blancos, como Joe Cocker.
El más fuerte blues, con uno de los mayores guitar heroes apoyado por una de las mejores voces de blues blanco, con tintes de arena rock y principios del uso del pedal wah-wah, ¿qué más quieren?


Abre con Shape of Things, cover de un antiguo tema suyo con los Yardbirds, digan ustedes pero a mi me gusta más esta versión que la original, es otro tema distinto. Las lineas de bajo de Wood son el punto fuerte de la canción, la guitarra hace de las suyas soltando notas cuando lo ve oportuno, no dando tiempo a respirar a Rod y su fabulosa melodía: "Shape of things before my eyes".
Sigue un potente blues llamado Let Me Love You, dejando todo el protagonismo a Jeff, ametrallando con riffs mortales a los que Ronnie se acopla dando vuletas y vueltas a su bajo. Largos solos entre gemidos de Stewart, la esencia de la banda.
Morning Dew, una balada en la que Jeff comienza a usar el wah-wah, por momentos parece no adaptarse, pero el dominio que tiene sobre el pedal consigue meterlo en cualquier momento de la canción, escuchen esas ráfagas y ráfagas de notas en los pegadizos coros que sin darse cuenta caen al verso y la tranquilidad. Maravilloso.
You Shook Me tiene un gancho especial, aunque no tan buena como la versión de los Zepp, es mucho más glamurosa y arreglada. Beck y Stewart realizan la misma melodía a la vez mientras Nicky Hopkins hace vibrar el piano con estupendos arreglos, dejando casi en ridículo a Jeff (exagerando, claro esta).
Ol' Man River es serio candidato a tema más flojo del álbum. Keith Moon da su primera aparición en el álbum, aporreando un timbal, y aquí Beck decide tocar el bajo, con alguna buena linea, pero poco más, le falta carisma y echarle ganas.
Greensleeves es un tema instrumental, solamente una guitarra acústica, que suena a gloria, enseñándonos otro de los fuertes de Jeff.
Sigue Rock My Plimsoul, con un bastante buen riff, que nada es al lado del posterior solo, por desgracia la canción cae en el aburrimiento por exceso de minutos.
Beck's Bolero recoge la psicodelia que un año antes se había apoderado del mundo. Un ritmo trepidante de batería, a la que Page imita con su ampulosa guitarra mientras Jeff realiza una apasionante e hipnótica melodía guitarrera, y entonces un grito seco da paso a un espectacular riff rockero hasta atrás. Por desgracia la canción es demasiado previsible.
Blues De Luxe, puro sentimiento, por cada parte; ritmo lento, lento, lento con un largo vacío entre frase y frase, en el que el oyente echa a andar la imaginación, con esas teclas resonando, apartándote del mundo de los vivos mientras suenen..."I don't know too much about love, people" nos cuenta Stewart, dando por sentado que es una de las mejores voces que jamas se hayan visto en el "white-blues". Finalmente Jeff decide saltar a escena y decir "Ahí estoy yo". Vuelvo a decir, ¿de veras quieren más?
Cierra otro cover, I Ain't Superstitious, seguramente no sea tan buena como la de Howlin' Wolf, pero le roza los talones. Riff rompecabezas que da paso a la pegadiza melodía, y esos cambios de ritmo en los que Jeff nos muestra de nuevo como se hace hablar a una guitarra. Sin duda el mejor blues (a parte de Blues De Luxe) del álbum.
Es díficil ser un amante del género y no haber oído el disco, en ese caso; no pierdan el tiempo y consíganlo como sea. Hoy día esto es una superbanda, con algunos de los músicos más virtuosos del rock.
Cordiales saludos.

This Was - Jethro Tull(1968)

Artista: Jethro Tull
Publicación: 1968
Discográfica: Chrysalis Records
Calificación: 7.5

Mejor Canción: A Song For Jeffrey/ 2º Puesto: Beggar's Farm o It's Breaking Me Up.
Canciones: 1.My Sunday Feeling/ 2. Some Day The Sun Won't Shine For You/ 3.Beggar's Farm/ 4.Move On Alone/ 5.Serenade To A Cuckoo/ 6.Dharma For One/ 7.It's Breaking Me Up/ 8.Cat's Squirrel/ 9. A Song For Jeffrey/ 10. Round/


Perdonen mi tardanza durante estos días, pero entre que estoy falto de inspiración y  que el ordenador anda tonto, ya son casi tres semanas sin subir nada.
Hoy les presento un olvidado álbum que se hace llamar This Was. Se trata de un semi-rutinario disco de blues de la época. No es tan aburrido y monótono por dos razones.
En primer lugar está él cuidado que Mick Abrahams (Ovación)  pone en su guitarra. Es un placer escuchar cada sección que Mick realiza en este disco, véase It's Breaking Me Up o Some Day The Sun Won't Shine For You.
La segunda razón por la que este debut se salva es la creatividad que Ian Anderson arrastraba ya desde el primer día (y eso que en la encuesta solo obtuvo 4 votos). Era original hasta para el más genérico blues; metía su mítica flauta en cualquier tema y encajaba a la perfección. Cada armoniqueo del disco es una delicia, y ya resaltaba su vena rockera y progresiva (Beggar's Farm)
Pero el álbum no se iba a llevar un 7.5 así como así. Como principal error veo los temas instrumentales, los cuales alargaban demasiado y resultaban muy pesadas. Peor lo ponemos conociendo la situación, 4 de los 10 temas del álbum son instrumentales, de los cuales uno es fabuloso (Serenade To A Cucko), otro demencial (Dharma For One), otro aburrido (Cat's Squirrel) y otro que no da para nada (Round).
Por suerte Anderson supo compensar la otra parte del disco, la cual sale airosa de la prueba.
Pues lo dicho el blues más limpio e interno que Jethro Tull hizo nunca anda por estas fechas.
Para los que nunca hayan escuchado a los Tull, no les recomiendo empezar por aquí; en todo caso por Stand Up, Aqualung o Too Old Too Rock N' Roll: Too Young o Die!, y tras estas obras escuchar el magnus opus: Thick As A Brick.

Abre My Sunday Feeling, un hard rock con un magnífico riff guitarra/flauta. La canción tiene ritmo y actitud, pero le falta agresividad a Anderson en la voz, tranquilos, Aqualung no tardaría mucho en llegar.
Sigue uno de mis preferidos: Some Day The Sun Won't Shine For You un estupendo blues en el que la guitarra y la armónica suenan paralelos, mientras la voz de Ian (doblada) suena convincente y portadora de emoción.
Beggar's Farm es un adelanto de lo que años adelante llegaría. Rock Progresivo discreto, dando mucha importancia a los arpegios de Mick que se acoplan al perfecto riff de flauta a manos de Anderson. Suena aburrido por el verso pero quien no se viene arriba (en lo musicalmente hablando) cuando Ian dice "You Don't Fool Me" o en ese cañero final. Fantástico tema para iniciarse con Jethro.
La siguiente es un music-hall llamado Move On Alone, nostálgico pero optimista. La melodía es sublime, y nada menos es la fabulosa sección de viento que acompaña.
Sigue el más aclamado tema del álbum: Serenade To A Cuckoo, donde Ian demuestra otra vez que es el mejor flautista del rock, escuchen cuanto sentimiento lleva cada nota de esta canción. Y no podía pasar sin dar un aplauso al trabajo que Mick hace en este tema, desde los más simples acordes el perfecto solo.
Todo se viene abajo con Dharma For One, lo siento pero no soporto los solos de batería, y menos un tema exclusivo para ello.
Revivimos con It's Breaking Me Up y el mejor riff del disco, puntiagudo y blusero hasta el alma, y ¡fijense como la armónica lo imita! Y para alcanzar la perfección tenemos la impresionante performance de Ian Anderson a la voz.
Cat's Squirrel se hace demasiado larga, salva la calidad del solo.
El mejor tema para mi es A Song For Jeffrey, la cual empieza con lentamente con la flauta y el bajo, sonando progresivos, pero enseguida se anima la cosa con la armónica luciéndose y unos slides de guitarra esplendidos, dando ese ambiente blues country que reina en este álbum. La melodía es muy pegadiza, y le da un toque negro distorsionando la voz, aunque aquí Anderson cante muy de nariz. 
Cierra el efímero Round que, como ya antes dije; no da para nada.
Buen debut, aunque no es más que un momento por el que Anderson quiso pasar, como hizo a lo largo de su carrera.
Les dejo el mítico vídeo de A Song For Jeffrey en el Rock n' Roll Circus con Tommy Iommy a la guitarra. 
Disfrútenlo
Mis saludos.

Broken Boy Soldiers - The Raconteurs (2006)

Artista: The Raconteurs
Publicación: 2006
Discográfica: Third Man Records
Calificación: 10

Mejor canción: Level/ 2º Puesto: Together...o incluso Blue Veins
Canciones: 1. Steady As She Goes/ 2. Hands/ 3. Broken Boy Soldier/4. Intimate Secretary/ 5. Together/ 6. Level/ 7. Store Bought Bones/ 8. Yellow Sun/ 9. Call it a Day/ 10. Blue Veins/


NOTA: Querido lector o lectora de Camino Al Rock, los que ya hayáis leído la entrada os habreis fijado de que la nota del disco era un 9+ y ahora es un 10. ¿Razones? Simplemente el escucharlo un día más me ha hecho darme cuenta de que una sola canción no puede hacer del álbum bazofia. Perdón por las molestias (lo dicho, parece que lleve toda la vida en esto XD)  


Jack White es una de las mas importantes personalidades musicales del milenio,  estamos ante un genio a la altura de los grandes del siglo pasado, nada les tiene que envidiar, y si además recordamos a todos esos grupos  dosmileros tipo Linkin' Park, la genialidad  de Jack aumenta, demostrándonos que es uno de los 5 mejores músicos de la actualidad.
Pero ¿que pasaría si a él le sumamos a alguien como Brendan Benson? Conseguiríamos una de las más curiosas y efectivas mezclas de la música contemporánea, o dicho de otra forma: The Raconteurs.
Benson y White tienen estilos un tanto diferentes, Brendan va a tonos más clásicos, a los orígenes, mientras que Jack tiende al rock más crudo y duro, y es la diversidad musical de sus miembros la que crea un sonido único e inconfundible; esa mezcla entre blues, flok, rock duro y por momentos progresivo, pero siempre con melodías dignas de un grupo pop. Es la armonía contra la experimentación, la sencillez contra lo complejo,la luz contra la oscuridad...
Escucharlo es toda una experiencia,  al principio uno no sabe donde se ha metido ni lo que ocurre, la cabeza te da vueltas y no comprendes NADA, la falta de coherencia entre los temas; unos raruños y otros de lo más poppy...mas con el tiempo se vuelve adictivo incluso sus canciones más extrañas (Broken Boy Soldier).
Jack White vuelve a demostrar todo su potencial en esta banda, replicando que él no suele fallar. La gran capacidad de Brendan Benson consigue equilibrar el álbum, pero sin hacerlo regular; más bien sería lúdico por decirlo de alguna manera, hasta sus puntos más flojos tienen un algo que les hace no caer en la aberración y ser un tanto entretenidos.
Para los amantes de White Stripes: la cosa ha cambiado mucho y posiblemente no os guste si lo que buscáis es una banda sencilla e instantánea.


Abre con Steady As She Goes, el tema más exitoso del álbum. El bajo de Jack Lawrence lleva la batuta con un riff excelente sobre el que las guitarras rasguean acordes simplistas, pero suficientes para acompañar. La melodía, especialmente la del estribillo, es muy pegadiza, mientras la del verso parece dar vueltas sobre si misma.
Sigue Hands una canción mucho más rockera, con Jack y Brenda dándole fuerte a las cuerdas en un gran riff que se desvanece para dejar paso al verso en el que la parte vocal arruina el tema, digamos que es una voz "sin sustancia".
Continuamos con Broken Boy Soldier, el tema más raro, experimental y oscuro del álbum. La batería consigue un sonido chatarrero, mientras la guitarra practica deslizantes agudos que pasan desapercibidos detrás de una linea de sintetizador continua y suspendida en el tostado y ensangrentado ambiente culminado por la desgarradora y distorsionada voz de Jack.
Intimate Secretary es mucho más flojo que los tres anteriores, básicamente porque es un desorden, distintas secciones con melodías muy vagas que intentan protegerse de un medianamente buen riff...
Together realza la vista, con dulces ganchos melódicos de la mano de Brendan, que canta tranquilo como si problemas no hubiera en el mundo, todo ello sobre una base bien cimentada por discretas guitarras acústicas, profundos bajo y un hipnótico órgano.
Level es incluso mejor, aún siendo una extraña canción. Tras su fantasmal intro desemboca en una parte más "seria", con mucha más caña y guitarrazos dignos de los Sabbath, pausados pero contundentes, como tiene que ser! En el último verso White funciona de lorito de repetición (para bien) de Brendan actuando de eco.
Store Bought Bones es un tema cañero aunque más flojo que el anterior. El riff y dominio del tema lo lleva un eclesiástico órgano, con Patrick Keeler haciendo sonar los platillos y Lawrence remarcando su bajo.
Le sigue Yellow Sun con la batería saliéndose del papel y un duelo entre acústica y teclado a ver cual sale más airoso.
Call It a Day es otro tema acústico muy lindo, que no sería nada sin esa enganchadiza melodía culminada siempre en coros con guitarros eléctricos.
Cierra Blue Veins un umbrío blues, lleno de feeling por parte de Jack White, tanto en la voz como en las seis cuerdas, dejando a Benson un papel secundario. Transmite tantas cosas...está a la altura de Together y de Level, y lo encuentro infravalorado.

Unplugged - Eric Clapton (1992)

Artista - Eric Clapton
Publicación - 1992
Discográfica - Reprise Records
Calificación: 9-

Momento cumbre: Nobody Knows You When You're Down and Out/ 2º Puesto: Rollin' and Tamblin'
Canciones: 1. Signe/ 2. Before You Accuse Me/ 3. Hey Hey/4. Tear In Heaven/5. Lonely Stranger/ 6. Nobody Knows You When You're Down And Out/ 7. Layla/ 8. Running On Faith/ 9. Walkin' Blues/ 10. Alberta/ 11. San Francisco Bay Blues/ 12. Malted Milk/ 13. Old Love/ 14. Rollin' and Tumblin'/


Sé que hay mucha gente por el mundo que tiene ciertos perjuicios en contra de Clapton, y esta vez les daré la razón. Lo que piensan es lo siguiente; Eric vive del cuento. Ahí queda dicho. Recuerden cuando este señor era un rey de la música, piensen en Cream, en John Mayal, en los Dominos e incluso en sus setentas en solitario, era impresionante, y a la gente le encantaba, recuerden Clapton Is God, pero entonces pensó: "funciono, tengo fama e incluso soy bueno, voy a seguir publicando y me saco unas pelas". Así fue como acabo Mr. Mano-lenta. Siguió sacando discos al mercado pero componía a toda prisa, y si se le acababa la imaginación se iba a los covers,  y así luego hacía lo que hacía (cof cof Pilgrim cof cof), aunque cuando el quería sacaba álbumes excelentes, escuchen From The Cradle, de los mejores trabajos para guitarra que escuchado nunca. Digamos que le pasó  lo mismo que a Santana.
Pues bien, siguiendo esa formula llegó al '92 y se fue a la MTV y grabó un disco Unplugged, ya saben; acústico. Y realmente fue bueno, tan bueno que lo llevó a ganar premios Grammy, aunque todo sea dicho, ¿ustedes creen que esos supuestos "críticos" se fijaron en más canciones que Tears In Heaven? Jojo, esos si que viven del cuento. Y para colmo, tras este trabajo saco el impresionante From The Cradle, parecía que había resucitado, pero tras esto, se desplomó en la nada con el absurdo Pilgrim...
Ya saben el aprecio que tengo hacia este señor, especialmente a su forma de tocar, y es que el se deja la piel en el mástil  sin apenas enterarse de lo que está haciendo, es como si las notas le salieran del alma, no como Satriani o Vai. 
A lo que vamos, el Unplugged es un álbum mítico hoy en día, y aunque este muy sobrevalorado, no dejará de ser una joya, y no me falta confianza para decir que es el mejor concierto acústico de la historia (por lo menos de la MTV). Todo el directo sigue la misma linea, mucho blues, la mayoría covers de canciones de dicho estilo, que se han convertido en clásicos, como Rollin' And Tumblin', además de algunos de sus temas más conocidos, por ejemplo Layla, y el famosísimo Tears In Heaven que presentó por primera vez aquel día, y que dejó al público conmocionado.
Ciertamente es un gran guitarrista dentro del ambiente acústico, sabe como hacerla sonar.


Abre con Signe, un tema instrumental con una buena melodía de guitarra, y una perfecta coordinación entre Clapton y el acompañante.
Sigue Before You Accuse, me que me gusta mucho más esta versión que la del disco Journeyman. Un blues muy marcado y con mucho ritmo, sin batería, dejando a los guitarros toda la magia.
Hey Hey, es un tema para lucirse con las seis cuerdas, ya que parte vocal no tiene mucha " Hey hey, hey hey baby hey". 
La siguiente es Tears In Heaven. La dulce balada que causó empatía hacia Eric y la muerte de su hijo, la canción es un clásico en sus conciertos, nunca falta. Es lenta, con unos bongos acompañando a la triste voz de Clapton, que produce un fuerte pesar en la parte de " I must be strong, and carry on". También mete un órgano para darle ambiente, y le queda que ni pintado. 
Lonely Stranger es otro tema pausado, con ciertas raíces negras. El piano que ayuda es simplemente bello, como el tema.
Nobody Knows You When You're Down And Out, es mi preferido del álbum. Es un blues de Jimmy Cox, con un cierto toque modernista para la época de Cox. Clapton canta con una voz sentimental hasta el alma, y de nuevo el piano suena a gloria, escuchenlo bien, es un grande de las teclas ese tal Chuck Leavell. ¿Y que me dicen de esos agudos acordes que Eric pellizca al más puro estilo negro?
Otra que tubo muy buena aceptación fue Layla, a la cual le cambiaron el inicial riff, por otro menos efectivo, pero perfecto para guitarra acústica.Por lo demás es como la original, mas fue uno de los puntazos del concierto.
Le sigue Running On Faith, un tema pop, arreglado con lindos slides sobre la dulce sección de acordes que la hacen deliciosa.
Luego Eric tocaría el clásico de Robert Johnson: Walkin' Blues, imitando a la perfección el estilo de este, que no me voy a poner a explicar, porque es único.
Continúa el recital con Alberta, un tema folk de toda la vida, con una melodía muy pegadiza "Alberta, Alberta, where you stay last night?", y vuelve a la carga Chuck con sus rafagas de notas, e impresionantes licks.
San Francisco Bay Blues aporta diversión al concierto, con innumerables tipos de percusión y guitarras de 12 cuerdas. Un tema muy alegre y bucólico, ya mítico por los solos de kazoos.
Malted Milk es otro de Johnson semejante a Walkin' Blues, que Eric vuelve a interpretar de forma excelente.
Sigue Old Love, al que también le cambiaron el riff por uno parecido al de Layla. No es la versión que mas me guste de este tema, pero se merece estar en rojo aunque solo sea por los solos del final.
Y terminamos con Rollin' and Tamblin', de Muddy Waters, con todo el público dando palmas como cosacos y Clapton contetandose así mismo con ese maravilloso riff. Perfecto para cerrar.
Si les gusta el blues clásico denle una oída, no les disgustará.

Queen II - Queen (1974)

Artista - Queen

Publicación - 1974

Discográfica - E.M.I./Parlophone (Europa) Elektra/Hollywood (US

Calificación: 9

Mejor Canción: Father To Son/ 2º Puesto: March Of The Black Queen u Ogre Battle.

Canciones: 1.Procession/2.Father To Son/ 3.White Queen (As It Began)/ 4.Some Day One Day/ 5. The Loser In The End/ 6. Ogre Battle/ 7. The Fairy Feller's Master Stroke/ 8. Nevermore/ 9. The March Of The Black Queen/ 10. Funny How Love Is/ 11. Seven Seas Of Rye/

Oscuro, pomposo, extravagante, barroco, grandioso...Más o menos así describiría el disco de forma rápida. Si quisiera profundizar y meterme en detalles, sería daros mucho la vara, es tan amplía su composición...Es muy variado y diverso, aunque en el fondo todo sigue la misma línea.
Caracterizado principalmente por su ampulosidad, el estar lleno de arreglos hasta el fondo es el problema que todo el mundo le atribuye, mas en el fondo yo creo que es lo que le hace un disco tan gigantesco, intenten imaginar cualquiera de sus temas con solamente una guitarra, una batería, un bajo y un piano, sería horrendo, asqueroso a cualquier oreja.
En Queen II deciden probar con sonidos más complejos, pistas multi track, coros en todos los lados...todo ello para conseguir un estilo semejante al progresivo, más bien al sinfónico. 
Brian May, si bien en su debut  rockeaba con riffs impresionantes, en este segundo trabajo se dedica más bien a solos imposibles (The March Of The Black Queen) y orquestaciones de guitarras, que no necesariamente tiene que ser al estilo Procession. 
En otros temas como Ogre Battle o Father To Son se decanta por romper las cuerdas, aporrear su guitarra y hacer vibrar las seis cuerdas alcanzando un punto único en toda su carrera, que solo igualaría en Live Killers y algún directillo más.
En ocasiones toda esa pomposidad que predomina en todo el álbum, llega a ser excesiva, lo cual es raro, pues Queen se las arregla muy bien para equilibrar sus instrumentaciones (bueno, siempre no, casi siempre), muchas veces los coros son empalagosos, y las canciones piden a gritos que se les quite partes.
Pero yo a este disco le tengo mucho aprecio, no fue ni mucho menos el primero que escuché, y me cuesta mucho escoger un disco favorito de Queen ( el A Night At The Opera no cuenta, es el mejor y mi preferido de toda la historia), ya que tengo etapas en las que prefiero a uno y otras en las que me lanzo con otro, pero creo que si no contamos el ANATO, este (y quizá también Jazz y A Day At The Races) sería el que más escucho y disfruto escuchando.
El álbum se divide en dos mitades, "La Reina Blanca" (May y Taylor) y "La Reina Negra" (Mercury), no es precisamente una opera rock, visto desde el punto de que las letras no tienen coherencia entre si, y hay canciones que solo sirven como enlace. 


Unos pequeños pálpitos, sobre los que Brian toca un centenar de guitarras (en el fondo todas son la misma xD), conforman el pequeño intro llamado Procession, al que rápidamente se une el grandísimo Father To Son, con una delicada melodía "A word in your ear, from father to son", con perfectos arreglos de May, que pasan desapercibidos, pero son una delicia, y en el 2:08 la Red Special empieza a soltar gritos y berridos, mandando todo al garete y pasando por el disco como un trolebús. Mas luego Mercury volvería con sus maravillosas partes vocales, esta vez denotando más potencia y fuerza.
Le sigue White Queen (As It Began), la que muchos consideran la mejor balada de Queen, yo no pienso asi, porque, jojo póngase ustedes a buscar la mejor balada de Queen. Freddie parece contar todas sus penas, con voz temblorosa y arrebatadora, cuenta la desafortunada historia de la Reina Blanca, a la cual May le da más tristeza con sus oscuros arpegios de fondo, que sin avisar se transforman en un contundente trallazo a la guitarra para el impresionante estribillo.
Some Day One Day es un tema folk, que se hace demasiado largo, y como en si no da para mucho resulta un tanto aburrido. Brian toca la guitarra con algún efecto que da la sensación de que el sonido este dando vueltas sobre si misma (creo que se llama Phaser)
The Loser In The End está un tanto incomprendida, ya que es uno de los mejores temas de Taylor, pero con el tiempo la gente le acaba cogiendo manía a Roger. Es un fuerte rocker, con un audaz riff acústico/eléctrico durante todo el tema sobre el que Brian May se lanza a tonos mucho más agudos.
Ogre Battle abre la segunda cara del álbum. Tras el grito de Roger comienza un espectacular intro de guitarra y batería rebobinada, al que más tarde se une Mercury con una pegadiza melodía, cantada con toda su maestría. Es el tema más cañero de todo el álbum, puede hasta con la parte dura de Father To Son. Son incontables los licks que Brian pone a prueba en este tema, demostrando su dominio.
The Fairy Feller's Master Stroke pierde aceite, aunque reconozcámoslo; no es tan malo, tiene unas cuantas partes muy melódicas, aptas para cualquiera, su único defecto es el falsete de Freddie - del cual es un maestro -, a veces es agobiante.
Nevermore sirve de enlace, pueden escucharla tantas veces como quieran, no les cansara NUNCA, es conmovedor esa parte de "You send me to the path of nevermore, when you say you didn´t love me anymore".
The March Of The Black Queen es el resumen de todo el disco, todos los adjetivos del incio de la reseña le quedan como anillo al dedo. No deja de ser mi segunda preferida, todas esas partes de piano donde Freddie muestra toda su destreza a como cantante y teclista, o ese perfecto coro de " Here comes The Black Queen, pokin in the pile" emulando opera, y por supuesto todos los solos de guitarra, todos, y si tengo que elegir uno me quedo con  el del 2:08. Toda la esencia del álbum y de Queen esta en este tema.
Por desgracia Funny How Love Is es mala con gana y ampulosa hasta la saciedad, y uno de los coros más estúpidos escuchados...Una pena.
Cierra el mítico Seven Seas Of Rhye y su veloz riff de piano y los fuertes rasgueos de Brian, unas cuantas melodías perfectas y muy contundente, ¿que más queréis?
Si sois impacientes olvidaros de este Queen II, pero no sabéis lo que os perdéis. 

The Dark Side Of The Moon - Pink Floyd (1973)

Artista - Pink Floyd
Publicación - 1973
Discográfica - Harvest, Capitol
Calificación - 10-

Mejor canción: Time/ 2º puesto: Us And Them.
Canciones: 1.Speak To Me/Breathe/ 2. On The Run/ 4. Time/ 5. The Great Gig In The Sky/ 6. Money/ 7. Us And Them/ 8. Any Colour You Like/ 9. Brain Damage/ 10. Eclipse/


Menuda racha de discazos llevamos por aquí, la verdad es que cuando uno se pone a escribir en el blog, lo hace con la idea de mostrar a los lectores  sus gustos y demás, yo siempre intento buscar discos que me gusten y que piense que os van a gustar, rehuyo subir discos asquerosos para poner suspensos, que hay bastantes. Debería encontrarme de muy mala hueva.
 Pues hoy os traigo el disco más revolucionario de la historia, más revolucionario que Sergeant Peppers, por ejemplo. Yo lo de revolucionario lo entiendo como un disco que consiguió gran fama y respeto por parte de las personas que lo escucharon, todo eso se ve reflejado en las ventas. Lo encuentro más revolucionario que Back In Black, que lo supera en ventas, porque el Dark Side es anterior a cualquier movimiento de masas por conseguir un álbum, además del tiempo que estuvo y está en todo tipo de lista de ventas. "Es el mejor disco de Pink Floyd" o "Es el mejor disco de la historia", todo el mundo lo tiene endiosado. Es cierto que esta bastante sobrevalorado, no se puede negar, pero según mi opinión no tanto como los sabios críticos dicen. Llevo muchos años escuchando a Floyd, es más, es el grupo que escucho desde que tengo uso de razón, y os puedo asegurar que lo mismo que con el tiempo se ha ido sobrestimando, gente como Starostin, Isaac o incluso el Dr. Federico se han encargado de   infravalorarlo. Escúchenme, o en su defecto léanme, es el segundo mejor disco de Pink Floyd, y el más indicado para iniciarse a amar a esta banda, no empiecen con El Muro o con Animals, no tendría sentido, no entenderían lo que ocurre, o eso creo yo, así que si no han prestado su oreja a los de Waters y Gilmour denle una oída a esta obra.
Quizá lo que haga tan grande a este álbum sea el que todavía no hay una rivalidad clara entre los miembros, y a la hora de componer sabían combinar la majestuosidad de cada uno en su instrumento. 
Atmósferas mágicas creadas en su mayoría por los innumerables coros femeninos junto con los teclados de Wright, y todo ello crea el ambiente característico del Dark Side Of The Moon, pomposo, espacial y sobre todo INNOVADOR. La innovación y la experimentación hacen grande a todo el álbum. Pero todas esas instrumentaciones estratosféricas no se quedan a palo seco, es aún más maravilloso el ver que la parte musical de cada canción sabe expresar a la perfección de que hablan los temas, creo que el mejor ejemplo es Breathe. 
Con este disco Pink Floyd conformó su primera obra conceptual, todas las rolas giran entorno a un tema común. El contexto es muy subjetivo, cada persona tiene una perspectiva diferente de sus letras, yo creo que retrata al ser humano en cualquiera de las situaciones, nacimiento, locura y visión de la muerte.


PUM-PUM, PUM-PUM, el disco y la vida nace con los latidos de Sepak To Me, que rápidamente se convierte en la delicada Breathe  sintiendo la brisa en la piel, Gilmour crea ambiente con lindos slides mientras Mason da fuerte a su batería, ayudando están Waters con simples lineas de bajo acopladas a la mítica melodía "Breathe, breathe in the air"
Tras ese maravilloso inicio el álbum cae en la miseria con la aberración que es On The Run, una improvisación de sintetizadores locos que no llevan a ningún lado.
Los relojes, campanas y timbres dan vida a Time, el mejor tema de Pink Floyd. Graves notas sostenidas a la vez que Nick toca cada caja de su batería y Wright  hipnotiza con sus teclas, y sin previo aviso David aparece con su guitarra y su voz partida en dos pero dulce y melódica, y tras esplendidos versos llega el maravilloso solo, uno de los cinco mejores de toda la historia, sin duda alguna. 
The Great Gig In The Sky asume todo tipo de penas, sus inminentes acordes piano y lentos deslices de Gilmour preparan a la voz de Clare Torry, la cual hace lo nunca visto con su voz, impresionante, señores y señoras, ¿acaso ha definido alguien  tan bien alguna vez la muerte, la depresión, la enfermedad y todo tipo de desastres sin decir ni una sola palabra?
Dicen que el dinero es el mayor mal de la humanidad, lo sea o no, Pink Floyd muestra toda su rabia ante todos esos temas con la gran Money, y su famosísimo riff de bajo sobre pequeños licks de David y ecos e fondo que parecen retraerse y dejar toda la fama a Dick Parry, mas eso no ocurre y asusta a todo virtuoso con otro perfecto solo.
Más magia produce aún Us And Them, con su sensacional teclado tocando delicadamente un arpegio precioso y la voz llena de delay, y entonces...el espectacular estribillo del tema, no apto para sentimentales, los coros que ayudan lo endiosan y lo hacen grande. El saxo también coge un importante papel con el fantástico solo.
Any Colour You Like sigue una estructura semejante a la de On The Run, pero muuuucho mejor, eso cae de cajón. Esta basada principalmente en una experimentación entre VCS 3 y guitarra, y que seguramente represente todo el daño producido por drogas y demases.
Le sigue Brain Damage, la cual retrata la locura, a mi parecer, lo hace sin problema alguno, vamos, que le queda como anillo al dedo, principalmente la voz de Waters, que el ya canta con voz de loco de por si, pero aquí ya se se sale, además esos acordes temblorosos de David son ya la gota que colmó el vaso.
Y cierra la pesimista Eclipse, que esta muy bien, aunque es poco más que unos coros sobre un riff de teclado lento y grandioso.
Pues bueno, nadie como Pink Floyd para retratar cualquier sensación en una canción o disco.

The Bends - Radiohead (1995)

Artista: Radiohead
Publicación: 1995
Discográfica: Parlophone
Calificación: 10-

Mejor canción: Fake Plastic Trees / 2º Puesto, algo imposible de elegir.
Canciones: 1. Planet Telex/ 2. The Bends/ 3. High & Dry/ 4. Fake Plastic Trees/ 5. Bones/ 6. (Nice Dream)/ 7. Just/ 8. My Iron Lung/ 9. Bullet Proof...I Wish I Was/ 10. Black Star/ 11. Sulk/12. Street Spirit (Fade Out)/


Sinceramente, hace nada que empecé a escuchar a esta peculiar banda. Debería darme asco de mi mismo. No había escuchado NADA (bueno...Karma Police...) hasta este verano. Fue el mundillo blogger el que me ayudo a incarles el oído. Acabe cansándome de mi mismo por no haberles prestado atención. Me tragué del tirón sus tres primeros álbumes, y estuve mucho tiempo anclado en el Ok Computer,el cual me había eclipsado sus dos anteriores trabajos. No me acordé más de ellos, hasta que hace nada, el Hombre Mojón, con sus temas selectos de Radiohead me hizo pasarme por sus inicios. El Pablo Honey me pareció cutre y ruidoso, pero The Bends, realzó mi animo a meterme en sus mundos.
Los de (jamón de) Yorke siempre tuvieron fama de deprimidos, emos y todos esos rollos, y por ahí van los tiros de su música, especialmente después de este, pero The Bends no me parece precisamente pesimista, hombre, hay alguna como Just, Street Spirit  o (Nice Dream), pero no es lo más abundante, simplemente cumplen su papel en el álbum.
Para mi, es un álbum de transición hacia nuevos sonidos, pero conservando la viveza de Pablo Honey, obviamente perfeccionada, todo ello lleva a una mezcla parecida al Brit.
Es asequible, llega con facilidad; sin muchos rodeos, tardará tan poco como a mi en gustaros, quizá se demore más en apreciar la grandiosidad de temas como My Iron Lung, Just o incluso Street Spirit, pero son solo tres canciones, y el álbum tiene 12.
Suena repetitivo, ya lo sé, pero, ¿quién iba a pensar que esto sean Radiohead?
Creep es la canción más famosa de la banda, mas yo me quedo con cualquier tema de The Bends antes que Creep, la aborrezco.


Abre con la espacial Planet Telex, con sintetizadores a reventar, que son más de media canción, le dan forma, pero la hacen un tanto pomposa. Los versos son cañeros y potentes, sin embargo, el estribillo no es muy de mi gusto.
The Bends es mucho mejor, un rocker con todas las letras, con el mejor riff de todo el disco, y si te descuidas, de Radiohead (no puedo hablar con seguridad, los siguientes a Kid A, son desconocidos para mi, excepto alguna canción). Thom versea con desgana al principio, pero en los siguientes la voz se anima con la guitarra de Jonny ayudándolo. El estribillo es de lo más pegadizo " My baby it´s got the bends, oh no, we don´t have any real friends"
Sigue High n Dry, tema que sonó a reventar en todos los lados. Se trata de una balada melódica y dulce, con pegajosas melodías durante toda la canción. La guitarra de Thom tiene un papel más importante que el de Jonny, acompañando de manera perfecta.
Fake Plastic Trees es la mejor del disco con muucha diferencia, puede con cualquier otra. Yorke hace florituras con su voz, pasando de graves a agudos sin termino medio. La lentitud acústica es todo un punto, crea el ambiente necesario, y para realzarlo, el hammond, que le da pequeños tintes tristes. Pero su punto más alto llega cuando en el minuto 2:36 Jonny da a conocer su guitarra eléctrica, la canción la pedía a voces, y Greenwood lo da todo. De lo que conozco de la banda, es mi preferida.
Bones es más fuerte, que las dos anteriores, y juega con la base de Planet Telex, con los teclados y el bajo dominando hasta que en el estribillo, Thom ataca con su voz y desemboca en un riff a toda potencia, un pelín rockanrollero. Puede ser más floja, pero sirve de enlace entre dos grandes.
La siguiente es (Nice Dream), esta tira a sonidos del estilo del Ok Computer, lento y textura suave, con la acústica mandando pero con Jonny ayudando con arpegios simples, pero que le vienen que ni pintada. Es hipnotizante como ella sola.
Just es un tema grunge sin ninguna duda, desganado e indiferente, mas aún así de las mejores. Los versos suenan más tranquilos, Greenwood los remata con una sencilla melodía guitarril, y tras un momento de unísono entre guitarra y voz, la canción explota en un impresionante estribillo.
La más loca es My Iron Lung, que entra como Lucky In The Sky With Diamonds, algo parecido, ya sabéis, arpegiado y vibrante, y para sorpresa de todos se convierte en algo, como diría Jesulín: "en dos palabras: im-prezionante", capaz de reventar una casa.
Bullet Proof... I Wish I Was no me gusta demasiado, lenta y tranquila, intenta llegar a Fake Plastic Trees, pero se queda muy atrás, para mi gusto es un relleno.
Sirve como puente de rellenos Black Star, que es mejor, con un efectivo riff y una parte vocal melodramática a lo largo del tema.
Sulk es lo peor del disco, no me gusta nada, quizá un poco sus coros, pero poco. Es aburrida, ese es su problema, nada más, y este es un disco para disfrutarlo a tope, y no me parece que Sulk ayude. Por lo menos compensa el peso de las demás.
Street Spirit (Fade Out) la suelen catalogar como la mejor, seguramente de las que yo tengo como candidatas al segundo puesto vaya más adelantada. Es un tema triste, deprimente, pesimista... ya saben por donde voy ¿no?, pero me parece que todo eso la hace un tema de unas inimaginables magnitudes, el como va cambiando la sección de acordes pero manteniendo el riff, es lo que me enamora de ella.
Gran disco, os puedo decir con toda seguridad, que os gustará.

Is This It - The Strokes (2001)

Artista - The Strokes
Publicación - 2001
Discográfica - RCA
Calificación: 9+

Mejor Canción: Is This It (Sí, Is This It)/ 2º Puesto: Someday o New York City Cops.

Canciones: 1.Is This It/ 2. The Modern Age/ 3. Soma/ 4. Barely Legal/ 5. Someday/ 6. Alone, Together/ 7. Last Nite/ 8. Hard To Explain/ 9. New York City Cops/ 10. Trying Your Luck/ 11. Take It Or Leave It/

Estamos por fin ante un disco que ya venía haciendo falta postearlo. Más que nada porque llevo una temporada publicando música setentera, y se que hay gente que le interesa también las buenas bandas modernas, que aunque hay pocas, hay.

Y el movimiento indie, no empezó ni con Franz Ferdinand ni con The Killers, ciertamente no empezó ni siquiera con los Strokes. Mucha gente cree que esta banda fue la que invento la música independiente, pero las cosas no son así, muchos grupos antes de los dosmiles hicieron música a la que nadie le encontraba un estilo, que era un género único en la banda. A la mayoría los tacharon de rock alternativo, pero en muchos casos se equivocaron, el alternativo está más indicado a los que reivindicaban el rock progresivo, y el indie era indie.

The Strokes se encargaron de popularizar el término. No solo el término, si no también la imagen, ser auténticos y nunca vistos pero sin ser excesivamente extravagantes, lo que góticos o moko hoteleros no entienden.

Música basada principalmente en rock de garaje, osea, bien distorsionado y un sonido abrumador, pero con melodías pop impepinables, sobre un ambiente un tanto bajo de moral pero espacial en gran parte de las canciones, conseguido por ese efecto de la voz de Julian Casablancas, a bajo volumen e intentando sonar a voz negra. 

Las guitarras son sencillisimas, imitan sonidos post-punk, y consiguen que les quede bien, muy bien.

Es complicado no haber oído hablar nunca de él, Is This It, fue nombrado y renombrado hasta la saciedad. Bastante lleno de vitalidad y ritmo. El sonido esta completamente definido, y ya son inconfundibles.

Abre con la homónima, que para mi, y debo ser el único, me parece la mejor del álbum. Julian canta lentamente y suave, dejando oír más a la guitarra , que hipnotiza, buscando igualar la melodía vocal, pero anclándose en un sencillo riff. Unos licks de bajo eclipsan a toda la banda. Canción efectiva como ella sola.

Le sigue The Modern Age, que tras el intro punkarro se introduce en un aura espacial con unos buenos golpes de batería de Moretti, la canción es tranquila, sencilla, su función es introducirte, capturarte y no soltarte. Me encanta ese momento en que la voz de Julian suena desgarradora en el 1:13.

Soma es quizás inferior a las anteriores, por culpa de ese riff, que no me gusta, y como se repite durante casi toda la canción ni la melodía puede pararlo.

Berely Legal tampoco es nada del otro mundo, esta vez es la parte vocal la que me echa atrás, porque en esta las guitarras no son tan malas, pero en conjunto es un tanto excesiva.

Sigue mi segunda preferida, Someday, con un intro mucho más directo, y una melodía clara y dulce. El estribillo es su punto fuerte, haciendo dueto entre voz y guitarra, creando un efecto precioso. Julian desgarra su voz más que en cualquier otro tema, lo cual hace que la canción sea única.

Alone, Together es mastodóntica, el riff es impresionante, pero lo es  aún mas la combinación entre este y verso, hacen un efecto convicente. Una canción con mucha potencia, que hacia falta.

La más famosa y con más reconocimiento es Last Nite, sin duda una maravilla, pero no la mejor. La parte vocal inicial es muy atractiva, cambiando de forma continua los acordes, y fabricando una atmósfera fiestera y a la vez delicada.

Hard To Explain me parece floja y sobrevalorada, es la que menos me gusta del álbum. Intenta parecerse a un rollo electrónico alternativo pero se queda corta.

New York City Cops realza la moral con un espectacular riff, y mucho más cañera que Alone, Together, y de las pocas del disco con un solo de guitarra, y las cosas como son, fantástico. Igualando el nivelazo de Someday.

Le sigue la melódica Trying You Luck, de la  que me gustan su verso, su intro y su puente y, me parece que todo eso vale más que el estribillo (0:35), un tanto malo.

Y cierra con un tema muy directo Take It Or   Leave It, concreto y conciso, con un lick de guitarra  durante toda la canción que en el estribillo Julian lo retrata con la voz, explotando.

Un gran disco lleno de himnos, seguro que os gusta.

Los Berrones

Nombre del grupo - Los Berrones
Genero - agro rock
Periodo de actividad -  1987 - ?
Mejor Canción - La Del Estudiante


  
Wow, llevaba mucho tiempo queriendo subir algo de este maravilloso grupo. Es algo muy distinto a cualquier cosa que hayamos visto hasta el momento. No puedo decir que sea rock en español, ya que no cantan en castellano, sino en bable, lengua asturiana, que aunque no este reconocida, nosotros la falamos (hablamos). 
La verdad, me vi incitado por Miguel, el cual había subido un grupo surf de su tierra, así que pensé que estaría bien compartir esta música.
Pues bien, introducimos en el blog dos términos nuevos (es que sueno intelectual del todo), agro rock y rock asturiano.
Como empezar... Los Berrones nunca fueron un grupo dedicado explícitamente a la música, ya que se ve que no tenían mucho futuro fuera de la tierra. Y no lo tuvieron, llegaron a la vecina provincia de León y parad de contar. Sin ir muy lejos, los de Mon, actuaban básicamente en fiestas locales, pero bien visto, eso fue lo que les dio ese pelín de fama; dar conciertos pueblo por pueblo popularizó sus canciones, especialmente los míticos Chacho y Nun Yes Tu.
Pero si nosotros les tenemos cariño, es porque retrataban la realidad. Mon y Olegario, aún siendo ya famosos, nunca dejaron de reconocerse de paisanos de fesoria en mano (Fesoria = azada). No hay más que ver sus conciertos: en vez de usar un pie de micro, usaban el mango de la traenta (tridente), angazu (rastrillo de madera) etc. 


 
Sus letras representaban la vida en los pueblos y aldeas. Claro, los que somos de aldea vamos y nos ponemos a escucharlos y oímos todas esas expresiones típicas, que parecía que nosotros eramos, por ejemplo, Manolo (de Manolo Por Favor). Además siempre escritas en clave de humor, lo cual nos alegraba más la cara.
Yo he tenido la oportunidad de verlos unas cuantas veces en directo, por todo lo que contaba arriba, y os aseguro que sus conciertos son fantásticos. Es increible, pero (casi) todos los asturianos hemos seguido toda su trayectoria sin darnos cuenta.
Ramón "Mon" Blanco tiene sentido del directo, os lo puedo asegurar, chistes de toda la vida entre canción y canción y trato con el público. Además es un gran compositor,  mejor que muchos otros que presumen de ello. 
También me considero fan de Julio Gilsanz, que aunque no sea miembro oficial, es un gran guitarrista, de gran virtuosismo, técnica e influenciado especialmente por Gilmour, May y Hendrix. Siempre fue más discreto, escondido en una esquina, pero cuando le daba, le daba, y hacia un solo hasta con una madreña (no tiene traducción mirarlo en google xD)


 
En cuanto a canciones, mi preferida es La Del Estudiante, que tiene un gancho tremendo, y una guitarra devastadora, aunque sus dos temas míticos siempre serán Chacho y Nun Yes Tu, cuando Mon aún era guitarra solista, y Gilsanz se conformaba con una acústica. 
Otras de mis preferidas son La De La Escuela, Calcar Na Tená o Mentires, Carabines Y Escopetes o Vicenton.
Las dos últimas son del último disco que fue un claro guiño a Pink Floyd, tras la muerte de Richard Wright, y lo más sorprendente, la versión de Confortably Numb, bajo el nombre de Como Un Tapín, con un solo de gaitas y otro fantastico de Julio, además de versos cantados como tonada.


Discografía
1989. Voy Decitelo ( Fechu n'Asturies)
1990. Si Rompe, Que Rompa.
1992. ¿Lo Tuyo Cómo Ye?
1993. No, Home, Non
1998. Da-y-fuerte
2003. República Independiente De Tolivia
2008. VII Ad Libitum


 
Creo que podéis conseguir bajar el recopilatorio 10 Años Berrando, que trae alguna canción mejorada, porque había quedado mal por problemas de grabación, en sus primeros trabajos y me parece que también República Independiente De Tolivia.
Bueno, y para cerrar, la segunda canción por excelencia de Los Berrones: Chacho.



El que lo quiera ver como una chorrada que lo vea, ya me contareis lo que os parece.
Un saludo.

Jimi Plays Monterey - Jimi Hendrix Experience (1986)

Artista: Jimi Hendrix Experience
Publicación: 1986, creo, pero la grabación fue en el 1967.
Discográfica: Reprise
Calificación: 9.5

Momento Cumbre: Wild Thing y el "quemamiento" de guitarra o The Wind Creis Mary.
Canciones: 1. Killing Floor/ 2. Foxy Lady/ 3. Like A Rolling Stone/ 4. Rock Me Baby/ 5. Hey Joe/ 6. Can You See Me/ 7. The Wind Cries Mary/ 8. Purple Haze/ 9. Wild Thing.


Definitivamente me he decidido. Me he decidido a reseñar un álbum en directo. Harto de escuchar grupos superficiales, que sacan un aburrido disco de estudio y luego en el escenario se lo montan como nacidos para ello, y yo pienso, ¿no les compensaría sacar solo discos en directo? Intenta escuchar dos álbumes de Kiss seguidos sin acabar mirando la tapa para ver cuánto duran. ¿Nunca os encontrasteis en esa situación?
Por suerte con el tito Jimi, no pasa lo mismo.  Bueno, pasa pero en parte. Sus tres obras con los Experience fueron perfectas, pero Hendrix vivía de la carretera,  a él, en los discos de estudio lo que le importaba era meter canciones, eso sí, bien seleccionadas, para luego poder dárselo todo  a su público. Mucha gente hizo eso, pero Jimi componía con mucha sabiduría, y evitaba lo malo, tiene pocas canciones malas en sus 3 trabajos, especialmente Are You Experienced? y Electric Ladyland, que tenían mas de 16 temas dentro, y casi ninguno era relleno.
Normalmente, los grupos en concierto podrían hacer cualquiera de estas tres cosas:
1. Tocar los temas de forma idéntica a la original.
2. Tocar todos lo arreglos que se les ocurrieron después de la publicación del álbum, y no les dio tiempo a meterlos en él por impacientes.
3. Dar un concierto salvaje, lleno de sentimiento, solos extraterrestres y amplis al máximo.
Jimi encaja en el último bando, pero descaradamente. No hay más que verlo, cada gesto y cada movimiento que hace, son una muestra de su dedicación al público y del amor que tiene a su instrumento. Cada nota que se le ocurría dar era él en estado puro. Cada Yeah! que soltaba, viniera a cuento o no, era la muestra de como disfrutaba sobre el escenario (eso, o que se había jartao antes de tocar).
Pero el concierto se tuvo que hacer famoso por algo. Y al ver la portada ya se nota , he aquí, como tras dar un espectacular concert, coge su guitarra la arroja al suelo y le prende fuego. Jimi decía que había que sacrificar lo que más se quería. Y se ve clarito como el agua a quien era.
Además su presencia en el Monterrey Pop Festival, lo catapultó a la fama mundial, especialmente en su país, ya que hasta ese momento, era reconocido poco más que en las Islas Británicas..


Tras la presentación de Brian Jones, Hendrix, hace vibrar su guitarra con un riff imposible, demasiado veloz para el ojo humano, mientras mueve las plumas que llevaba al cuello y Mitch Mitchell da golpes a su bateria salvajemente, retumbando en los oídos de la gente, que se mueve al ritmo de la música.
Tras el acelerado Killing Floor, los Experience deciden darle a Foxy Lady, reventando las cuerdas y dándole mil vueltas a su guitarra (literalemente, menudo solo) y creando un ambiente de tensión al parar todos y dejar solo a Jimi para decir con vacile "Wuuuuu Foxy Lady!"
Hendrix suelta la boa y empieza a tocar los inconfundibles acordes de Like A Rolling Stone, de Dylan,  y comienza a recitar la poética letra y soltar carcajadas, sin levantar demasiado el tono de voz, ni hacer los gallos de Bob, creando una excelente perfomance (como me gusta usar esa palabra). 
Anuncia Rock Me Baby, pero advierte de que no sera el clásico Rock Me Baby, y os aseguro que no es el clásico Rock Me Baby. Sigue la pauta del Killing Floor, a todo lo que da,  haciendo sabeDioscuantas guitarras al mismo tiempo, ritmos raudos y solos que no caben en la pantalla, una ametralladora de notas sin duda alguna.
Más tarde tocarían uno de sus temas más famosos: Hey Joe, la que toca más tranquilo, pero lleno de orgullo, y a la vez una versión más triste y melancólica en la parte vocal notable, con un deje más aburrido, mas aún así crea unas melodías preciosas con su guitarra. Y se me olvidaba, el famoso ¿solo? con los dientes.
Can You See Me, es para mi, el momento más aburrido y monotono, simplemente porque ya había demasiado blues rock, en el concierto, y este ya se excede.
Uno de los momentos para ensueño del concierto fue cuando tocaron The Wind Cries Mary, era clavada a la del estudio, pero me parece que solo con ese tema consiguió tanta atención del público, los cuales aprestaban sus oídos ante la linda balada que Jimi tocaba con delicadeza, sin demasiado virtuosismo, pero capaz de calmar a una multitud.
Y tras la preciosa Wind Cries Mary, llega Purple Haze, con toda la técnica, pureza y potencia que ella requiere, y Hendrix nos ofrece una de sus mejores presentaciones en vivo de la canción, y Noel Redding y Mitch Mitchell luciendose en sus respectivos instrumentos, expresando que la banda no es solo Hendrix.
Y cierra el otro momento cumbre, Wild Thing, un pedazo de canción, con ritmo y melodía como mandan los cánones, esto es un cover y no el Spaguetti Incindent, que coros de Noel más resultones, y además el SACRIFICIO DE LA GUITARRA, Hendrix coge su Stratocaster y la arroja por el suelo, la quema y luego la espeta contra el suelo, lo que queda (osea el mástil) lo lanza a la gente. Esto sí es rock en estado puro.