Retomo hoy una sección que tenía medio abandonada, a pesar de lo interesante que puede llegar a ser.
Vuelvo con uno de los primeros temas de la historia del rock and roll, fechada del '59 y confeccionada por The Crickets ya sin Buddy Holly, liderados en ese momento por Sonny Curtis otra figura esencial para la música, aunque por desgracia quedará escondido tras monstruos como Chuck Berry, Eddie Cochran o el propio Buddy Holly. El tema en cuestión es I Fought The Law, que con su pegadiza melodía ha seducido y a la vez influido a muchos de nuestros iconos de la música.
El encargado de lanzar este tema a la fama fue Bobby Fuller, quien sin dar muchos cambios al original lo hizo aún más directo y rígido, y ya de paso le añadió un poco de miel con unos magistrales coros.
Y qué mejor grupo que The Clash para poner música a una letra sobre la lucha sin fruto contra la ley. Joe Strummer se encarga de darle a I Fought The Law la furia que necesita y hacer de un tema dulce y alegre un himno punk al instante.
Otra de mis versiones preferidas es la que hicieron Los Coronas junto con Arizona Baby en su famosa gira Dos Bandas y un Destino. Si mezclamos el surf rock de Los Coronas y el rock acústico de Arizona Baby solo puede salir algo bueno. Juntos han hecho covers de Pink Floyd, Black Sabbath, Neil Young y muchos más.
El de I Fought The Law es uno de los que mejor les ha quedado.
Roy Orbinson, Stray Cats, Stiff Little Fingers, Mike Ness y otros tantos han hecho excelentes versiones de este intemporal tema, pero yo me quedo con esos tres. Quizás algún día suba una segunda parte.
Saludos!!
Artista: Bruce Springsteen
Publicación: 1975
Discográfica: Columbia
Calificación: 10
Mejor canción: Jungleland/2º Puesto: Thunder Road.
Canciones: 1.Thunder Road/2.Tenth Avenue Freeze-Out/3.Night/4.Backstreets/5.Born To Run/6.She's The One/7.Meeting Across The River/8.Jungleland.
Bueno, como imagino, ya se habrán enterado de que el pasado sábado 18 el gran Clarence Clemons nos dejó para siempre, y por ello, he decidido escribir sobre un disco que sin su presencia no habría sido tan genial y explosivo, me refiero, por supuesto, a Born To Run, tercer álbum de estudio de Bruce Springsteen y su E Street Band, por muchos considerados el mejor de su carrera y por otros como todo lo contrario, y siento diferir con estos últimos, pero Born To Run es una maldita obra maestra, no se si mejor que Darkness Of The Edge Of Town, pero un diez de todas formas.
"El Jefe" ya nos había dejado claro que el no se lo tomaba a chiste en sus dos primeros álbumes (Greetings From Asbury Park, NJ y The Wild, The Innocent & E Street Shuffle), que su habilidad para componer crecía y crecía, y además siempre se encontraba en buena compañía, pues la calidad de los miembros de la E Street Band es innegable, los cuales aportaron mucho a Bruce, especialmente en directo, porque es sabido que los conciertos de el Boss son impresionantes.
Cuando Springsteen comenzó la grabación de Born To Run tenía muchas ideas e influencias en la cabeza (Roy Orbinson, Dylan...) y su objetivo era conseguir un sonido parecido al de sus idolos, pero lo que consiguió fue un estilo único y reconocible en cualquier lugar del mundo.
La producción del álbum, a manos de Mike Apple, Jon Landau y el propio Springsteen es impecable, al más puro estilo Phil Spector y su "Wall Of Sound", que es algo así como agotar hasta el último recurso posible y pulir cualquier aspereza.
Rock americano al más puro estilo Springsteen, marcado por el saxo de Clarence Clemons, instrumento clave en la carrera del Boss, y por música negra, la cual Bruce admiraba...es decir: Born To Run.
Abre Thunder Road, con un piano y una armónica que van creando ambiente hasta que aparece la rota pero sentida voz de Bruce con una melodía deliciosa. A la par que van apareciendo instrumentos, el tema va cogiendo ritmo, convirtiéndose en un tema muy animado con un loco (y no por ello malo) piano a manos del genial Roy Bittan. Al final del tema, Clemons irrumpe con un estupendo riff de saxo que da fin a una de las mejores canciones del jefe...¿cómo?¿Que ya se ha acabado?
Sigue otro de los puntos claves del álbum: Tenth Avenue Freeze-Out, donde Bruce y su E Street Band experimentan con el soul y, por supuesto, consiguen lo que se proponen. De fondo se oye la guitarra de Bruce que sirve como un brillante acompañamiento, pero pasa desapercibida, pues los focos iluminan esta vez a Clarence, que pocas veces sonó tan convincente como en esta canción. La melodía es pegajosa como nunca, ya se sabe la habilidad de Bruce para las lineas vocales.
Night es el tema más corto del álbum, pero son tres minutos de pura emoción: power chords, un saxo esplendido, rock, rock y rock. Como viene siendo usual los temas más breves son siempre los más intensos, y hay mucha gente que puede expresar en dos minutos lo que otros no pueden en 40. Night es, además, uno de los rockers más potentes del álbum.
Sigue Backstreets que comienza lento con Roy Bittan y su piano liderando, hasta que aparecen un hammond y una guitarra dándole un empujón al tema, que se ve sometido a un estupendo crescendo que lo convierte en un tema casi épico, con Springsteen desvivido y gritando como un descosido al final "Hidin' on the backstreets" (por mucho que se le odie como cantante, a mi me parece que tiene todo un vozarrón).
Continuamos con Born To Run, que aunque esté todo dicho acerca de él, algo habrá que decir al respecto. Para empezar, decir que este tema fue el que salvó la carrera del Boss, pues estaba a punto de caer despedido, y no me extraña porque, además de ser uno de los más temas más comerciales de la primera época de Springsteen, está cuidado hasta el más mínimo detalle. Ahora los protagonistas son la guitarra y el saxo (Clarence, ya se te echa de menos), pero, por otro lado, hay todo un arsenal de instrumentos: hammond, piano, gockenspiel...A pesar de su pomposidad, es uno de los temas más directos e impactantes a primera oída de este jefe del rock.
She's the One es uno de los más curiosos del disco. La batuta la lleva un movido y pegadizo riff de organo del también difunto Danny Federici sobre el que Bruce ejecuta una casi robótica melodía. Entonces aparece una guitarra realmente explosiva, nunca pensé que Springsteen pudiera meter semejante caña a las seis cuerdas. Impresionante.
Sigue Meeting Across The River, que es un cambio drástico de estilo, la E Street Band prueba ahora con el jazz con nada más que piano, saxo y voz. El resultado es una dulce canción, que aunque hay que escucharla varias veces, acaba gustando.
Para cerrar tenemos una de las mayores burradas que haya hecho este señor en su carrera, una épica de 9 minutos y medio llamada Jungleland. Toda una pasada. Born to Run y Backstreets sonaban pomposas, pero esto, esto es superior. Todas aquellas influencias que Bruce había acumulado las vuelca en este temazo. ¡Pasen y vean! Guitarrazos por doquier, melodías exquisitas, furia rocker, y por supuesto, a la mitad de la canción, el conocido y respetado solo de saxofón del maestro Clarence Clemons, simplemente fabuloso, algo fuera de este mundo.
Pocos discos hay a este nivel. No hay mucho más que decir, bueno, en realidad sí: D.E.P Clarence Clemons.
Artista: Héroes del Silencio
Publicación: 1990
Discográfica: EMI
Calificación: 10
Mejor Canción: Entre Dos Tierras o Maldito Duende
Canciones: 1.Entre Dos Tierras/2.Maldito Duende/3.La Carta/4.Malas Intenciones/5.Sal/6.Senda/7.Hechizo/8.Oración/9.Despertar/10.Decadencia/11.Con Nombre de Guerra/12.El Cuadro II/
Y si de rock español nos ponemos a hablar, no podíamos saltarnos a la banda más internacional que hemos tenido en España. Pocas por no decir ninguna han conseguido ser tan reconocidas en países como Alemania, Estados Unidos y prácticamente toda Sudamérica. Hablamos, por supuesto, de Héroes del Silencio.
Empezaron a sonar con ese Heroe de Leyenda, perteneciente al disco El Mar No Cesa, pero alcanzarían la fama gracias a este maravilloso Senderos de Traición. He de decir que debut de la banda es un disco que no me acaba de convencer, demasiado ochentero para mi gusto, aunque tiene algún buen tema. Pues bien, todos los defectos de El Mar No Cesa desparecieron en su segundo trabajo, adquirieron más potencia rockera, Juan perfeccionó su técnica y Bunbury consiguió hacer que su voz sonará convincente pero sin abusar de ella como haría posteriormente en solitario.
En mi opinión el principal responsable de la rápida madurez de Héroes de Silencio fue Phil Manzanera (exRoxy Music), un hombre muy formado tanto como músico como productor. La producción de Senderos de Traición es impecable, Phil supo como poner las cosas en su sitio, pues había muchas cosas que no cuadraban en su anterior álbum. La mejor época de la banda la pasaron con Phil Manzanera, y eso tiene que decir algo.
Héroes acaban de formar un estilo único y reconocible por fin en este álbum, un estilo complejo, ecléctico, capaces de rockear con dureza solo con arpegios y chorus, todo debido a la gran capacidad de los miembros del grupo. Hay quien incluso los clasificó dentro del rock gótico.
Abre Entre Dos Tierras con ese inconfundible delay de Juan Valdivia, una intro perfecta, en la que poco a poco se va desprendiendo del efecto y pasa a un riff excelente marca de la casa. Bunbury aparece entonces con su potente voz "Te puedes vender, cualquier oferta es buena".El estribillo es todo un desparrame de energía, toda esa oscuridad creada por Juan y Enrique toca el cielo con ese "Dejameeee, si yo no tengo la culpa de verte caer". El solo del minuto 4:09 arrasa con todo, con una guitarra cargada de furia y una banda revolucionada.
En Maldito Duende, Héroes construyen una balada sometida a un potente crescendo. La melodía del tema es sublime "He oído que la noche es toda magia y que un duende te invita a soñar", Enrique la canta modulando su voz con una delicadeza exquisita, ayudando a crear una atmósfera que, como el propio tema dice, te invita a soñar. La batería de Pedro Andreu agrega potencia al tema, evitando que el tema caiga en la sosería.
Sigue La Carta, que tras esos dos temazos puede parecer más floja, pero créanme, es otra joya. Es uno de los temas más sentidos del álbum, hecho desde lo más profundo. Esa melancolía que refleja es pura magia. A muchos les puede sonar a monótona, peor hay que saber apreciarla.
Continúa Malas Intenciones con genial y veloz riff, que da un juego tremendo con esos azotes a la batería de Pedro. De nuevo Bunbury suena muy convincente con su vozarrón, que le venía al pelo a la banda, ¿se imaginan a Héroes sin Enrique?. El estribillo es muy pegadizo "No quisiera utilizar tus intenciones y quisiera no pensar más de un segundo en ti".
Sal sirve como un enlace de veinte segundos entre el anterior tema y Senda, este se muestra oscuro y misterioso, con un riff que pega como un latigazo y que crea un ambiente cargado de tensión, tensión que se ve desatada en el coro "Por una vez lo que siempre soñé hacer, prométeme contruir una senda".
Hechizo es un tema muy rápido, pero con unos cuantos factores que no me acaban de convencer, entre otros el repetitivo verso. Sin embargo me encanta su pegadizo estribillo "Vamonos de esta habitación al espacio exterior" me parece glorioso, por lo que se hace un tema muy irregular e incoherente.
Sigue Oración, otro de mis preferidos. De nuevo Juan Valdivia tiene un importante papel con sus característicos arpegios que dibujan poco a poco el tema. Bunbury se muestra mucho más tranquilote a la hora de cantar, aunque en los coros vuelve su inconfundible voz "No hay oración capaz de decidir por ti ¡oh señor! no queda otra opción y jamás me vuelvo a arrepentir". Pero el tema toma un giro hacia el 2:20 y se vuelve rabioso y mucho más rockero.
Despertar es un tema mucho más espiritual, con una atmósfera mucho más cristalina e intima, que suena más a El Mar No Cesa que a Senderos de Traición, pero tiene sus cosas buenas, lo cual es una de las virtudes de este disco, que no hay ningún tema realmente malo.
Continúa Decadencia, el tema más rockero del disco. Tras los imprescindibles arpegios, Valdivia se suma en duro riff cargado de distorsión. Por otro lado, Bunbury se muestra más potente que en otras ocasiones, mostrando registros vocales nuevos para nuestros oídos, acercandose más al heavy de los siguientes discos "nunca podré saber si la cruz es salvacióooon!", incluso por momentos intenta emular a el gran Robert Plant.
Sigue Con Nombre De Guerra, con más influencia pop, aunque con intro de guitarra maravilloso. La melodía es muy buena de nuevo, con ese genial toque que Enrique le da para hacerla más intima "Entra despacio, que nadie oiga tus pasos". Juan realiza unos solos claros como el agua de muy buen gusto, como nos tiene acostumbrados.
Cierra el tema más curioso del álbum: El Cuadro II, donde el instrumento principal es un clavicordio, perfectamente acoplado a la usual formación de la banda. El tema se muestra mucho más oscuro y delirante que los anteriores, con una sección de acordes un tanto agobiante y extraña.
Senderos de Traición es un disco imprescindible en la colección de cualquier aficionado a la música, tanto española como internacional. Este y su sucesor, El Espíritu del Vino (y Avalancha también tiene lo suyo), forman un par de discos sensacionales, aunque bajo estilos bastante diferentes, ambos dos bajo la producción del gran Phil Manzanera.
Artista: Extremoduro
Publicación: 2011
Discográfica: Warner Music
Calificación: 8
Mejor canción: cualquiera de las tres en rojo.
Canciones: 1.Desarraigo/2.Mi Espíritu Imperecedero/3.Otra Inútil Canción Para la Paz/4.Si te vas.../5.Tango Suicida/6.Calle Esperanza s/n.
Extremoduro ha llegado a un punto evolutivo que va dar lugar a muchas diferencias entre sus fans. Material Defectuoso se presenta como un álbum distinto en la carrera de los extremeños, por muchas reminiscencias que muestre de su anterior álbum, La Ley Innata, Extremoduro ha "ablandado" su sonido; ya no son aquella banda de rock duro y loco que eran en sus inicios, en nada se parece Material Defectuoso a Somos Unos Animales, Deltoya o Agila.
En mi opinión, hay que saber apreciar la evolución musical de Extremoduro y no quedarse anclado en sus 6 primeros discos, como muchos fans radicales de su primera etapa. Han tomado caminos distintos y han salido airosos, y yo creo que todos los discos posteriores a Agila han sido buenos, unos más que otros pero cada uno tenía lo suyo. Y Material Defectuoso también.
En primer lugar, decir que no es un disco que entre a la primera: si hubiera hecho la reseña tras escucharlo por primera vez, no habría pasado del 6, sin embargo, conforme las escuchas aumentan te vas dando cuenta de la calidad del álbum.
Consiguen en su último álbum un sonido mucho más intimo y relajado, pero con sus momentos de furia. Suena sincero, y en temas como Si te Vas... conmovedor. Mas no olvida ese "rock transgresivo" de sus inicios, y líricamente sigue al más puro estilo Extremoduro.
Pero hay algo que empiezo a notar en estos chicos: cada vez explotan y abusan más de la formula de temas como Salir, Standby o Cuarto Movimiento: La Realidad, tres temazos en toda regla, pero ahora oyes Desarraigo y Mi Espiritu Imperecedero y dices: "ya lo he oido" y es el principal defecto que le encuentro al disco, no veo mal que hayan "ablandado" su sonido, sino que se repitan.
Abre de forma magistral Desarraigo, un tema perfecto para abrir el disco y darnos una idea de que va. Comienza a ritmo de congas, a las que se les van sumando distintos instrumentos dando forma al tema y cogiendo volumen y entonces entra Robe con una melodía sublime que fluye por si sola: "voy perdidito y me he encontrado a una princesa, me he encontrado entre sus labios cuando besa, besa, besa y besa...", el tema se va acelerando y se van incorporando más y más instrumentos...cuando te das cuenta el tema ha acabado. Destaco una estupenda voz femenina que da ambiente a la canción.
Sigue Mi Espíritu Imperecedero, canción que me recuerda mucho a Standby. De nuevo la guitarra, inconfundible, suena limpia, tranquila y gentil, hasta que el tema coge ritmo y fuerza "regalé mi alma imperecedera, ¿para qué? para que nunca más me duela". Un tema fácil y obvio, pero se disfruta.
Llega una de las pistas principales: Otra Inútil Canción para la Paz, una balada con tintes bluseros e incluso progresivo. El riff principal corre a cargo del saxo de Mikel Piris, pero el que más se luce en este tema es sin duda el Uoho, que realiza unos solos bestiales. El estribillo está lleno de rabia: "Pide un deseo: quiero que el odio me salga de dentro ummmmm, pide un deseo: quiero que cambie este mundo tan feo" y realmente le sacia a uno. El tema va creciendo y al final es ya muy grande la fuerza que ha cogido, con todos los miembros a tope y un Uoho saliendose de cualquier esquema.
Si te Vas... puede ser sin ningún problema la balada perfecta, al menos del disco. Uno de los puntos fuertes del tema, es la atmósfera creada por las guitarras de Robe y Uoho. Pero la sinceridad de la pista conmueve: "Ojalá que me despierte y no busque razones, ojalá que empezara de cero y poder decirle que pasado la vida sin saber que la espero, no". Por momentos Uoho irrumpe con potentes y arrebatadores guitarrazos, haciendo que esta preciosa balada roce por momentos la perfección.
Tango Suicida fue el primer tema en salir a la luz y se ganó el reconocimiento en pocos días. El tema comienza tranquilo, con una tierna guitarra, un pianito juguetón y un Robe cantando con el alma: "Sangre negra de esta herida brota, no dejo de pensar que te dejé marchar" todo con cierta influencia del género argentino. Pero pronto aparece Uoho con un riff rompedor y allá donde el Robe dice "Tu deja que te clave un arpón, justo en el corazón, así lo mismo te contesta!" la canción da un completo giro y se convierte en uno de los temas más devastadores del repertorio de los extremeños.
Cierra el místico Calle Esperanza s/n, un corte muy lento y melódico. Cuesta pillarle la esencia a este tema y fue el que más tardó en gustarme. Comienza con un ritmo mutado y un Robe no muy convincente pero pronto la canción se convierte en un despliegue de instrumentos de cuerda y coros muy tranquilotes: "¿tu casa dónde está? Entre viento y nieve".
Resumiendo: un disco mucho más tranquilo, el más intimo que hayan hecho hasta el momento, pero no por ello peor, su principal defecto es que parece que empiezan a abusar de la "formula Standby". Los miembros se mantienten en forma, la instrumentación es sublime.
Por otro lado, Extremoduro ha decidido no hacer ningún tipo de publicidad: ni vídeo, ni fotos, ni gira, ni entrevista, ni nada, pues dicen que están muy ocupados y hasta que en 2012 no caiga su decimotercer disco no habrá nada. Y aún así, se han colocado primeros en las listas de ventas, por delante de Lady CaCa Lady Gaga.
Un saludo!
Hoy, miércoles 4 de mayo, Camino Al Rock cumple un añito y 50 entradas!
Muchas gracias a todos por su apoyo, sin lectores como ustedes, no creo que hubiera seguido con el blog.
Cuando comencé este proyecto, jamás pensé que Camino Al Rock pasaría de un entretenimiento de dos días, porque, admitámoslo, esto engancha. A pesar de todos los defectos de blogger. Cada comentario que recibes, cada voto de confianza, cada descubrimiento que haces en otro blog: todo eso engancha.
Sigamos compartiendo música, sigamos promocionando esa cultura no reconocida que es el rock: Keep On Rockin' In The Free World!
PD: Miguel, te robo la imagen del post con tu permiso.
Ah! Se me olvidaba, esta semana estaré ausente en el mundo blogger, me voy a tierras británicas!!
Artista: Radiohead
Publicación: 1997
Discográfica: Parlophone
Calificación:10
Mejor canción: Paranoid Android/2º Puesto: pufff... seguramente, Lucky
Canciones: 1.Airbag/2.Paranoid Android/3.Subterranean Homesick Alien/4.Exit Music(For A Film)/5.Let Down/6.Karma Police/7.Fitter Happier/8.Electioneering/9.Climbing Up The Walls/10.No Suprises/11.Lucky/12.The Tourist/
Las nuevas tecnologíasn y un odioso sistema acaparan el mundo y a Thom le aterra esa idea, toda esa autodestrucción parece ser inminente y el mundo no hace nada, y Yorke, no más puede hacer que transportar la deshumanización a la música.
Pero como todo tiene una cara y un reverso, la banda consigue sacarle algo bueno a las tecnologías, para hacer, el que es para muchos el mejor disco de los 90s y sus posteriores obras.
Radiohead alcanza su máximo punto de creatividad en Ok Computer, con unos miembros perfectamente compenetrados y llenos de ideas.
The Bends vacilaba entre la simplicidad y falta de inspiración de Pablo Honey y la experimentación y la incursión de nuevos sonidos de Ok Computer. Afortunadamente supieron escoger.
En una época donde, la música brit de Oasis y el grunge de Nirvana, controlaba el mundo, Ok Computer fue una ruptura con toda esa monotonía, mostrando diferentes formas de ver la música, mezclando influencias tan dispares como la electrónica, el art-rock, o el rock progresivo de gente como Pink Floyd. También reconocen que querían conseguir algo parecido a Bitches Brew. Ok Computer es un álbum que crea texturas y atmósferas, que realmente parecen espaciales, cada canción tiene su mensaje y es perfectamente transliterado al lenguaje musical.
Tampoco olvida esa vena lúgubre/depre que predomina en cada canción de Radiohead y que les hace tan característicos.
Otro aspecto que destaco es el trabajo de Jonny Greenwood a la guitarra, a mucha gente no le gusta la técnica de este hombre. Yo le adoro.
Abre Airbag, un denso tema con unas guitarras espectaculares, bastante más rockeras de lo que nos tienen acostumbrados y una batería sintetizada consiguiendo un efecto casi electrónico, al estilo de DJ Shadow, y tras esa base, cientos de instrumentos, inflando el tema, y alejándolo por momentos de la Tierra, sensación que Thom tiene después de que un airbag le salvase la vida, como volviendo a nacer.
Sigue Paranoid Android, "la gran suite de los '90s", y su apodo no es para menos. Dividida en varias partes, comienza con una enfermiza sección, entre guitarras acústicas, gemidos y extrañas percusiones, culminados en un sollozo "What's Thaaaaaaat" mientras una voz de fondo se oye decir "I may be paranoid, but not an android", más todo eso se va al garete cuando la potente guitarra de Jonny aparece con un riff no apto para abuelitas sobre el que Thom grita con rencor "You don't remember, you don't remember, why don't you remember my name?" que cae en una solemne "procesión" bajo la lluvia: "Rain down, Rain down", dando un giro completo a lo que el tema era en un principio. La canción trata principalmente sobre la inestabilidad mental y cambios de estado de animo.
Continúa con Subterranean Homesick Alien...¿Alienígenas? Quién sabe si los habrá, pero si los hay están escondidos en las cuerdas de las guitarras de este tema, capaz de crear una atmósfera realmente espacial con cien arreglos que te hacen olvidarte de tu existencia...y la de otros.
Sigue Exit Music (For a Film), uno de los temas más abrumadores de Radiohead y también uno de mis preferidos. El final de Romeo y Julieta dejó impactado a Yorke, y de eso va el tema, lo que debería haber ocurrido. Comienza con Thom solo frente a las luces, con una acústica acompañándole, y cantando una melodía capaz de bajarle a cualquier persona la moral "Wake from your sleeps". Un teclado parece imitar a un coro eclesiástico, y mientras canta "You can laugh, a spineless laugh" un bajo altamente saturado crea un ambiente oscuro y negro.
Let Down es de lo más lindo que Radiohead haya hecho jamás, pero su onda habitual. Se acerca más al pop que a nada, con un bajo predominante, que no se nota bajo todas esas capas y capas de arpegios guitarreros, creando un ambiente muy agradable, pero lo mejor es su estribillo, excesivamente pegadizo: "Let down and hanging around". La letra va sobre la sensación de que las cosas no van para bien y tu no puedes hacer nada por arreglarlo, o al menos así la veo yo.
Sigue el highlight Karma Police. "Tus actos serán los culpables de tu destino", más o menos de eso trata el karma, y Yorke lo metaforiza con el "policía del karma". Una de las canciones más conocidas y sonadas de la historia del rock. La melodía es muy amena y se te queda con facilidad: "Karma police, arrest this man, he talks in maths", acompañada siempre de la incesante guitarra acústica de Thom, y del precioso, PRECIOSO piano a manos de Jonny.
Fitter Happier, es un experimento, en la que un robot cuenta la rutina de cada día, mientras un piano y diferentes sintetizadores crean un fondo realmente paranoico. Funciona como enlace entre Karma Police y Electioneering.
Un tema que no me gusta mucho es Electioneering, el verso y el riff son aceptables, llenos de furia y arremetiendo con todo pero el estribillo es realmente feo, la voz suena fatigada e intenta cantar con potencia, para lo cual no le da. Se salva por el genial verso.
Climbing Up the Walls es lo más perturbador que haya podido oír, Street Spirit es nada al lado de esto. Marcan el ritmo unos porrazos a un bombo y una genial linea de bajo. La voz distorsionada se muestra solitaria, como si un psicópata cantase. Los arreglos de guitarra son insanos, vuelven a uno más loco de lo que el tema está.
Sigue No Suprises, una de sus mejores baladas. El riff inicial de metalófono (o algo por el estilo) es bellísimo y no menos es la melodía, que fluye por si sola. La letra es abrumadora y apática, diciendo resumidamente, que como todo lo que hagas no valdrá para nada, lo mejor es dejarse caer...
Lucky es otro de los mejores momentos de Ok Computer. Sigue la linea de otros temas del álbum como Exit Music o Karma Police, pero este es mucho más corpulento y con gran influencia de Pink Floyd, en especial esa aguda guitarra por parte de Jonny Greenwood, que realiza un genial trabajo aquí, con arreglos de wah-wah. La guitarra de Thom, suena muy sincera en este tema, siendo un perfecto acompañamiento para esa irónica melodía, todo un anti-himno al optimismo.
Cierra The Tourist, tema idóneo para ello, funcionando casi como coda. La melodía es más pobre, pero tiene un deje delirante que la hace majestuosa, especialmente en esos coros "Hey man slowdown, slowdown!". Sin duda el papel más importante aquí lo tiene Jonny realizando un par de solos para ensueño.
Quizá algún día la deshumanización sea total. Mientras tanto, ¡disfrutemos de Ok Computer!
Artista: Neil Young & Crazy Horse
Publicación: 1990
Discográfica: Reprise
Calificación: 10
Mejor canción: F*!#in Up/2º puesto: imposible.
Canciones: 1.Country Home/2.White Line/F*!#in Up/4.Over And Over/5.Love To Burn/ 6.Farmer John/7.Mansion on the Hill/ 8. Days I Used To Be/9.Love And Only Love/10. Mother Earth (Natural Anthem).
En la imposible tarea de escoger un mejor disco de Neil Young, hablaré hoy del que más puntos tiene para ello.
A lo largo de toda su carrera (que no es corta), Neil fue probando nuevos sonidos sin olvidar nunca sus raíces country, siendo él una gran influencia para los grupos grunge, especialmente para Pearl Jam, los cuales estuvieron muy vinculados al maestro en la década de los noventa, llegando Young a hacer un álbum con la colaboración de PJ, Mirror Ball, que os recomiendo a todos los fans de la música de los noventa. Pero fue especialmente este Ragged Glory el impulso que necesitó todo es movimiento.
No se preocupen, Ragged Glory no es un álbum emo ni mucho menos, si hay algo que tiene Neil Young es humor. Tampoco es un álbum grunge, amigos, solo una gran influencia. RG es la obra más visceral de toda su carrera, en todas la guitarra suena saturada y son pocas las que no terminan con feedbacks o acoples, canciones de 10 minutos en las que medio tema es un solo de guitarra imposible. Pero Neil lo tenía todo controlado, y no por dar cuatro guitarrazos se iba a olvidar de componer aquellas melodías que tanto le caracterizaban en álbumes como Rust Never Sleeps, Everybody Knows this is Nowhere o Zuma, aunque con la voz mucho más quebrada y dañada, no flojea en el carácter compositivo.
En mi opinión, tampoco hubiera sido nada sin el apoyo de Crazy Horse, la banda que le acompaña en prácticamente toda su discografía, que si bien en Everybody Knows This Is Nowhere o American Stars n Bars servían de gran ayuda, aquí son imprescindibles.
Hard rock, garage, canciones de jam...todo lo que hizo pero pasado de vueltas.
Abre el fantástico Country Home, un tema country pero con una guitarra solista por parte del maestro que te toca lo más hondo. La pegajosa melodía se sucede veces y veces sobre ese maravilloso y fresco fondo guitarrero, que por momentos dejan que el foco gire hacia Neil que en ningún momento para de hacer impresionantes licks y punteos cargando la canción de virtuosismo pero sin olvidar su aire campestre.
Sigue White Line, con el mismo aire que su tema predecesor, mas no tan alegre. Posee una base monótona pero que en ningún momento pierde su magia. Por desgracia se hace demasiado corta.
F*!#in Up es mi preferido, no solo del álbum, sino de toda su carrera. Tras un poco consistente riff, la canción vuelca en un verso con una melodía sublime, siempre terminada en ese coro "Why do I?", con un par de guitarras poderosas de fondo, entre ellas la de Frank Sampedro que coge mucha importancia en este tema, pues pide a voces potencia y furia, terminando con los músicos rabiosos asestando auténticos rabotazos con sus instrumentos. A menudo era versioneado por Pearl Jam en directo.
Continua Over And Over, que revive la vena country y alegre que predominaba en Country Home, pero alargándola hasta los 8 minutos. La melodía inicial de guitarra es especialmente pegadiza, que pocos instantes después se convertiría en un solo basado en ella. El verso literalmente berreado por Neil desemboca en un maravilloso coro, con todos cantando "Ooover and over again, my love".
Love to Burn llega a los 10 minutos de puro jam. La canción es entretenida en todo momento, el estribillo es el acabose: "You got love to burn, you better take a chance on love". Las secciones de pura guitarra son tan impresionantes como se espera, toda técnica esta aquí resumida, efectos inexplicables y en todo momento empapado del sentimiento que Young le pone a todo.
Sigue el gracioso Farmer John, cover de un tema blues clásico. Es bastante simple, las guitarras suenan secas dejando a la corta voz de Young sola ante el peligro, de vez en cuando se oyen unos "wooooh" garantizando el buen humor.
Mansion On The Hill me gusta aunque se hace enana ante los demás temas del álbum. La instrumentación está totalmente equilibrada aquí sin sobredosis de guitarras pero con solos garantizados. A menudo la canción es llamada a ser psicodélica debido a las voces que se oyen de fondo...
Days That Used To Be, es Dylan electrificado, sin más, incluso Young llegó a confesar que la melodía está basada en My Back Pages. Poco más que decir, es preciosa.
Sigue Love And Only Love, que parece ser una segunda parte de Love To Burn, sigue una estructura parecida, 10 minutos de tema, verso oscuro y misterioso, coros que solo se definen como pura pasión e improvisación con multitud de técnicas. Toda una oda al amor, con frases como "Love was winner there, overcoming hate" o "Love and only love will break it down".
Cierra Mother Earth (Natural Anthem), un himno ecologista, con una guitarra saturada hasta la saciedad como único acompañamiento, ni batería, ni bajo. La melodía tiene un deje de melancolía, de cuando la naturaleza no era dañada por el hombre...
Recomendado para todos los fanes de los grandes guitarristas, de la experimentación, del rock duro...recomendado para cualquiera que le guste la música.
Y para otras acepciones...
Artista: Led Zeppelin
Publicación: 1969
Discográfica: Atlantic
Calificación:10
Mejor canción: Heartbreaker o Whole Lotta Love
Canciones: 1.Whole Lotta Love/2.What Is And What Should Never Be/ 3.The Lemon Song/ 4.Thank You/ 5.Heartbreaker/ 6.Livin' Lovin' Maid (She's Just a Woman)/ 7.Ramble On/ 8.Moby DIck/ 9.Bring It On Home/
Estamos ante la obra maestra de los Zep. ¿Por qué?
En el debut nos encontrábamos ante unos Led Zeppelin que intentaban rockear pero que a la vez estaban levemente influidos por el flower power de aquel entonces, haciéndolo más pomposo de lo necesario y eso los alejaba de lo que ellos son: una banda de hard rock, cruda, feroz, llena de rabia y blues. Sus experimentos"místicos" son otro historia.
Page y sus compañeros crean aquí un álbum en torno a una ruda base de blues, no hay más que oír por ejemplo The Lemon Song. Esto llevó a que mucha gente considerase que algunas de sus canciones fueran plagios de algunos de los mayores clásicos del blues, a mi por una me entra y por otra me sale esa acusación.
LZ II nos muestra a unos Led Zep sinceros, haciendo lo que mejor se les daba: rockear, asesinar a sangre fría con solos electrizantes y riffs no aptos para abuelitas. Nunca le dieron tan fuerte al mazo como aquí, parecen soltar toda su saña en estas 9 canciones; 9 temazos impresionantes donde Zeppelin están más sueltos que nunca, y lo mejor: saben y les gusta lo que hacen; no hay más que ver la voz de Plant, que anteriormente estaba metida a calzador, por fin encaja. Es una opinión muy subjetiva, pero a mi no me gusta como canta Robert en algunos de los temas del debut, pero para gustos colores, al mismo Plant le defraudaba lo que estaba haciendo y estuvo a punto de irse...¿cómo habría sido LZ sin Robert?
También, como dije en mi anterior post, encontramos en Led Zeppelin II los primeros indicios de heavy metal, ya en canciones anteriores a la fecha como You Really Got Me o Helter Skelter el rock probaba nuevos sonidos, pero este álbum esta lleno de detalles que valdrían para que muy poco después Black Sabbath hiciera un álbum heavy en su totalidad.
Sin más rollos vamos al tema:
Abre Whole Lotta Love y...SU RIFF, uno de los más sencillos jamás hechos explotado hasta la saciedad y sin resultar cansino en ningún momento, uno de los riffs de cabecera para cualquier guitarrista. Pero no solo de él vive el tema, tras el incesante ritmo de la canción, de repente da un parón inesperado donde Robert empieza a gemir con siniestros guitarrazos de fondo, hasta que aparece Jimmy de nuevo con un solo ultra veloz y burlón para retomar la fuerza del tema. ¿En serio qué no lo has escuchado?¿EN SERIO?
Sigue What Is And What Should Never Be, una balada simple y que poco parece decir, pero en el momento menos esperado Page nos sorprende con una violenta guitarra dejando a cualquier beatle escondido en un rincón, como lo oyen. Más allá de los cambios de ritmo, se esconde una buena melodía excelentemente cantada.
The Lemon Song es también de mis preferidos. El riff inicial es de lo más sucio y callejero que he escuchado jamás, pero vamos al grano: lo que hace aquí John Paul Jones no es normal, amigos, pocas lineas de bajo hay así, más luego todos los jams al final. Otro que se sale en este tema es Plant, aquí demuestra que el también podía ser un buen bluesman, no sobreexplota su voz pero la lleva al limite.
Thank You suena más forzada, aunque está bien como intento. Demasiada miel y mucho arreglo que a poco lleva, mas es interesante por momentos.
Sigue la gran Heartbreaker. De nuevo estamos ante otro gran riff, en este caso más melódico. El verso lleva un ritmo trepidante con un bajo sencillamente ardiente sobre el que Robert dice "Hey Fellas have you read the news?". La guitarra se bate en un duelo con JPJ durante todo el tema y al final acaban totalmente revolucionados, dándolo todo. Sin hablar del alucinante solo del final, en el que todos los miembros de la banda se rinden ante él dejándolo solo ante el peligro.
Living Loving Maid (She's Just a Woman) tiene un deje rocknrollero y country por momentos, es mucho más rápido. La melodía es super pegadiza, siempre terminada con ese guitarrazo que sencillamente te revienta la cabeza. Un caramelo pues es la más corta del álbum.
Ramble On es un total experimento por parte de los Zep, en primer lugar una sección semi-folk, con una guitarra acústica que me pone de los nervios y una parte vocal que no suena sincera, pero todo eso se va a la papelera cuando aparece el verdadero Page dando a todos una patada en el trasero con su guitarra, lo que a Plant le lleva a las de gritar el estribillo con todas sus fuerzas dando la vuelta a la canción pero por desgracia el tema no se mantiene así a lo largo de su duración si no que vuelve a sus tramos lentos con arreglos un tanto ridículos. Sin ser mala es lo más flojo del álbum.
Moby Dick es un tema instrumental con su muy buen riff al inicio, pero rápidamente el foco gira hasta dar con Bonham ahí atrás escondido. Es de las pocas canciones que ruedan alrededor de un solo de batería que me gusten, pues no es un solo virtuoso sino una demostración de que se puede aporrear la batería sin aburrir.
Cierra el excelente Bring It on Home, uno de los mejores covers de blues que haya escuchado. Durante el primer minuto el tema es un curioso experimento blues, tranquilo hasta que explota con un tremendo riff (de nuevo) de guitarra, la cual en este tema no para, NO PARA, virguerías en todo momento, sobresaliendo por encima de los otros músicos entonces presentes. Maravilloso cierre.
En mi opinión el mejor disco de LZ, el más rockero y el más sincero, sin desmerecer todo lo que hicieron posteriormente, por supuesto.
Pues llevaba tiempo queriendo hacer esta lista, pero si supieran lo difícil que es poner mis discos preferidos en orden, es un tema que me parte la cabeza, dilemas como "¿qué disco me gusta más?" me hicieron alargar la fecha de este post y hacerlo solo de 7, los que me salieron, prometo que cuando me haya organizado subiré una la lista con 10. Pero para ahora esta bien, como veis son 7 clásicos obvios, pero es Mi lista, así que ahí les va:
1.A Night At The Opera - Queen (1975). Sin duda alguna, el mejor disco de toda la carrera de la Reina del rock, y en mi humilde opinión el mejor de todos los tiempos. Un disco con una producción excelente, cabe decir que para su grabación cada miembro del grupo tenía un estudio para el solo y así poder trabajar libremente en sus canciones sin nadie "molestando". Uno de los discos más ambiciosos que jamas se hayan visto, no era poco lo que los músicos se exigían así mismos, no quisieron hacer un álbum tan pomposo como en Queen II, pero no tan..."simple" como en el debut, los arreglos se cuentan por cientos en este álbum. Por fin forman un disco coherente, sin rellenos, mezclando todo lo que habían trabajado anteriormente, rockers, suites, glam y ante todo la fusión con opera (no confundir con opera rock, son cosas diferentes). Es notoria la influencia glam del álbum de gente como Bolan o Bowie, pero ellos hicieron un álbum propio y con carnet de identidad.
2.Animals - Pink Floyd (1977). La obra cumbre del rock progresivo, no es tan extraña, compleja y virtuosa como pueden ser ELP, sencillamente es creativo, los miembros del grupo no querían notas a punta pala, querían ser innovadores. Curiosamente este álbum decepcionó al público en su día, no se que le encontrarían, quizá que era más oscuro que sus dos álbumes anteriores, quién sabe. Al igual que en The Dark Side Of The Moon, se trata de un disco conceptual, la Rebelión en la Granja se hace música, y honrosamente. Cada detalle esta perfectamente musicalizado, la soberbia de los cerdos, la arrogancia de los perros y la sublevación de las ovejas. Aquí Roger Waters cogería el timón de la banda, y en The Wall no lo soltaría...
3.The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spider From Mars - David Bowie (1972). Si no consideráramos al ANATO de Queen como un disco glam, este sería la obra cumbre de dicho género. Lo que hace tan grande a este disco es el como se mete Bowie en el papel de Ziggy Stardust, un extraterrestre que llega a salvar la Tierra y para ello se convierte en rockero, cayendo en toda tentación y como era de esperar termina suicidándose, el caso es que David clava el personaje en todo momento, y no solo eso, retrata toda la historia en 11 maravillosas canciones, en la que podemos encontrar de todo: desde preciosas baladas como Lady Stardust hasta fuertes rockers como Suffragette City, ¿en serio que quieren más?
4.Beggars Banquet - The Rolling Stones (1968). Los Stones también sabían coger la guitarra acústica y deleitarnos con números country, delta-blues o folk. El disco es adictivo, en cuanto entiendes su dinámica no lo puedes soltar, parece que lo hicieron a mala idea para engancharte a él. El último disco que grabó Brian Jones, y en el cual aportó unos slides memorables, no hay más que escuchar Jigsaw Puzzle. Además pocos álbumes pueden presumir de abrir con un temazo como es Sympathy For The Devil, idóneo para comenzar una juerga a manos de sus Satánicas Majestades.
5.Axis: Bold As Love - The Jimi Hendrix Exprience (1967). Conserva el toque psicodélico del Are You Experienced?, pero AYE? era bastante rockero, la guitarra de Hendrix parecía una auténtica ametralladora, mas en Axis la guitarra suena más limpia y sincera, las melodías no son tan forzadas por momentos. Parece un disco mucho más trabajado, de esos que lleva sus años producirlo, pero fue lanzado el mismo año que su predecesor. Va en gustos a mi me gusta más que sus otras dos obras, su único defecto es que no es recomendable para escuchar 5 veces seguidas, hay que llevarlo con paciencia.
6.Thick As A Brick - Jethro Tull (1972). Nunca Jethro Tull fueron tan innovadores, ni en sus discos más rockeros ni en el experimento que sería A Passion Play, pues aquí hacen un disco totalmente suyo, todos los robustos temas de Aqualung, con ciertos toques folky y algo de psicodelia se mezclan esta auténtica obra maestra. Una suite de 40 minutos dividida en dos partes, la mejor que jamás haya oído; partes divertidas y agradables, secciones guitarreras con fuertes riffs, pasajes con un teclado descontrolado...Toda la esencia del rock progresivo esta aquí, escúchalo!
7.Led Zeppelin II - Led Zeppelin (1969). El primer disco de heavy metal de la historia, por supuesto no es metal como el de hoy, eran los inicios, sabían darle a la maquina pero les faltaba un empujón. Aun así este disco es capaz de tirar catedrales abajo solo con el riff de Whole Lotta Love o Heartbreaker, todo ello con una innegable base de blues. El bajo de JPJ está en su mejor momento aquí y también la voz de Plant, no tan incomoda como en el debut ni tan insoportable como haría posteriormente.
Disfruten!
¡Por fin!
¡Las ganas que yo tenía por ver a esta banda en directo! En cuanto me entere de que se iban a pasar por aquí, me quedo claro que iba a ir. Y por supuesto no me arrepiento, ¡conciertazo el que nos dejaron!
Para los que no los conozcan, The Brew son una banda inglesa, con influencias del rock de los setenta, tales como Led Zeppelin o The Who. La formación es curiosa: al bajo Tim Smith, padre de Kurtis Smith, batería y a la guitarra el joven Jason Barwick, y no me corto un pelo si digo que es uno de los mejores guitarristas de la actualidad. Si Stevie Ray Vaughan fue el nuevo Hendrix, Jason es el nuevo Stevie, no hay duda.
La sala Nuncajamás estaba petada, y la gente ansiaba ver al trío inglés, en especial a la promesa de la guitarra. No defraudaron, aparecieron bastante puntuales sobre el escenario y comenzaron con el trallazo que es Every Gig Has A Neighbour. Jason no paró de dar saltos y botes en toda la velada, cuiroso, pues el escenario no era precisamente grande, pero aprovechó hasta el más mínimo hueco. Tocaron de por medio Wrong Tunes y Surrender It All bastante airosos, pero el público enloqueció cuando Tim anunció Little Wing, de Hendrix, donde Barwick se lució hasta el alma, con cincuenta florituras, solos con la guitarra a la espalda, slides con el soporte del micro...Parecía irle la vida en ametrallar a la gente con ráfagas de notas. Change In The Air también estuvo en el recital, y la famosa KAM, con una emotiva presentación de dicho tema. Como no, tampoco faltó el solo de Jason con el arco de violín al más puro estilo Page, ni el de batería a manos (nunca mejor dicho) de Kurtis, aporreo las cajas con todas sus fuerzas hasta que se cansó de las baquetas y le dio con las manos. No me cansaré de decirlo, yo ahí veía a Keith Moon, tanto en técnica como en feeling y humor. El bajista, Tim, padre de la banda, parecía disfrutar como el que más ante semejante espectáculo.
Acto seguido vinieron los bises con A Million Dead Stars y todo el público cantándola: "Million dead staaaaaaaars, DEAD STARS!!!" y tras esto una alucinante versión de Voodoo Child (Slight Return), en el que llegó un momento en el que te perdías ante tanto virtuosismo y dominio del wah-wah de Jason. Cerraron la velada con Dazed & Confused de los Zep excelente tema para terminar.
Los tíos estuvieron de buen humor anteanoche, y no decepcionaron al público ovetense. Había tiempo que no disfrutaba tanto.
La banda se las trae, especialmente en directo, no son el futuro, sino el presente, así que no les pierdan la pista, merecen mucha más fama de la que tienen.
No tuve con que sacar fotos o vídeos, así que os dejo algún temazo para los que no los conozcáis:
