Born To Run - Bruce Springsteen (1975)

Artista: Bruce Springsteen
Publicación: 1975
Discográfica: Columbia
Calificación: 10

Mejor canción: Jungleland/2º Puesto: Thunder Road.
Canciones: 1.Thunder Road/2.Tenth Avenue Freeze-Out/3.Night/4.Backstreets/5.Born To Run/6.She's The One/7.Meeting Across The River/8.Jungleland.


Bueno, como imagino, ya se habrán enterado de que el pasado sábado 18 el gran Clarence Clemons nos dejó para siempre, y por ello, he decidido escribir sobre un disco que sin su presencia no habría sido tan genial y explosivo, me refiero, por supuesto, a Born To Run, tercer álbum de estudio de Bruce Springsteen y su E Street Band, por muchos considerados el mejor de su carrera y por otros como todo lo contrario, y siento diferir con estos últimos, pero Born To Run es una maldita obra maestra, no se si mejor que Darkness Of The Edge Of Town, pero un diez de todas formas.
"El Jefe" ya nos había dejado claro que el no se lo tomaba a chiste en sus dos primeros álbumes (Greetings From Asbury Park, NJ y The Wild, The Innocent & E Street Shuffle), que su habilidad para componer crecía y crecía, y además siempre se encontraba en buena compañía, pues la calidad de los miembros de la E Street Band es innegable, los cuales aportaron mucho a Bruce, especialmente en directo, porque es sabido que los conciertos de el Boss son impresionantes.
Cuando Springsteen comenzó la grabación de Born To Run tenía muchas ideas e influencias en la cabeza (Roy Orbinson, Dylan...) y su objetivo era conseguir un sonido parecido al de sus idolos, pero lo que consiguió fue un estilo único y reconocible en cualquier lugar del mundo.
La producción del álbum, a manos de Mike Apple, Jon Landau y el propio Springsteen es impecable, al más puro estilo Phil Spector y su "Wall Of Sound", que es algo así como agotar hasta el último recurso posible y pulir cualquier aspereza.
Rock americano al más puro estilo Springsteen, marcado por el saxo de Clarence Clemons, instrumento clave en la carrera del Boss, y por música negra, la cual Bruce admiraba...es decir: Born To Run.


Abre Thunder Road, con un piano y una armónica que van creando ambiente hasta que aparece la rota pero sentida voz de Bruce con una melodía deliciosa. A la par que van apareciendo instrumentos, el tema va cogiendo ritmo, convirtiéndose en un tema muy animado con un loco (y no por ello malo) piano a manos del genial Roy Bittan. Al final del tema, Clemons irrumpe con un estupendo riff de saxo que da fin a una de las mejores canciones del jefe...¿cómo?¿Que ya se ha acabado?
Sigue otro de los puntos claves del álbum: Tenth Avenue Freeze-Out, donde Bruce y su E Street Band experimentan con el soul y, por supuesto, consiguen lo que se proponen. De fondo se oye  la guitarra de Bruce que sirve como un brillante acompañamiento, pero pasa desapercibida, pues los focos iluminan esta vez a Clarence, que pocas veces sonó tan convincente como en esta canción. La melodía es pegajosa como nunca, ya se sabe la habilidad de Bruce para las lineas vocales.
Night es el tema más corto del álbum, pero son tres minutos de pura emoción: power chords, un saxo esplendido, rock, rock y rock. Como viene siendo usual los temas más breves son siempre los más intensos, y hay mucha gente que puede expresar en dos minutos lo que otros no pueden en 40. Night es, además, uno de los rockers más potentes del álbum.
Sigue Backstreets que comienza lento con Roy Bittan y su piano liderando, hasta que aparecen un hammond y una guitarra dándole un empujón al tema, que se ve sometido a un estupendo crescendo que lo convierte en un tema casi épico, con Springsteen desvivido y gritando como un descosido al final  "Hidin' on the backstreets" (por mucho que se le odie como cantante, a mi me parece que tiene todo un vozarrón).
Continuamos con Born To Run, que aunque esté todo dicho acerca de él, algo habrá que decir al respecto. Para empezar, decir que este tema fue el que salvó la carrera del Boss, pues estaba a punto de caer despedido, y no me extraña porque, además de ser uno de los más temas más comerciales de la primera época de Springsteen, está cuidado hasta el más mínimo detalle. Ahora los protagonistas son la guitarra y el saxo (Clarence, ya se te echa de menos), pero, por otro lado, hay todo un arsenal de instrumentos: hammond, piano, gockenspiel...A pesar de su pomposidad, es uno de los temas más directos e impactantes a primera oída de este jefe del rock.
She's the One es uno de los más curiosos del disco. La batuta la lleva un movido y pegadizo riff de organo del también difunto Danny Federici sobre el que Bruce ejecuta una casi robótica melodía. Entonces aparece una guitarra realmente explosiva, nunca pensé que Springsteen pudiera meter semejante caña a las seis cuerdas. Impresionante.
Sigue Meeting Across The River, que es un cambio drástico de estilo, la E Street Band prueba ahora con el jazz con nada más que piano, saxo y voz. El resultado es una dulce canción, que aunque hay que escucharla varias veces, acaba gustando.
Para cerrar tenemos una de las mayores burradas que haya hecho este señor en su carrera, una épica de 9 minutos y medio llamada Jungleland. Toda una pasada. Born to Run y Backstreets sonaban pomposas, pero esto, esto es superior. Todas aquellas influencias que Bruce había acumulado las vuelca en este temazo. ¡Pasen y vean! Guitarrazos por doquier, melodías exquisitas, furia rocker, y por supuesto, a la mitad de la canción, el conocido y respetado solo de saxofón del maestro Clarence Clemons, simplemente fabuloso, algo fuera de este mundo.
Pocos discos hay a este nivel. No hay mucho más que decir, bueno, en realidad sí: D.E.P Clarence Clemons.

Senderos de Traición - Héroes del Silencio (1990)

Artista: Héroes del Silencio
Publicación: 1990
Discográfica: EMI
Calificación: 10

Mejor Canción: Entre Dos Tierras o Maldito Duende
Canciones: 1.Entre Dos Tierras/2.Maldito Duende/3.La Carta/4.Malas Intenciones/5.Sal/6.Senda/7.Hechizo/8.Oración/9.Despertar/10.Decadencia/11.Con Nombre de Guerra/12.El Cuadro II/


Y si de rock español nos ponemos a hablar, no podíamos saltarnos a la banda más internacional que hemos tenido en España. Pocas por no decir ninguna han conseguido ser tan reconocidas en países como Alemania, Estados Unidos y prácticamente toda Sudamérica. Hablamos, por supuesto, de Héroes del Silencio.
Empezaron a sonar con ese Heroe de Leyenda, perteneciente al disco El Mar No Cesa, pero alcanzarían la fama gracias a este maravilloso Senderos de Traición. He de decir que debut de la banda es un disco que no me acaba de convencer, demasiado ochentero para mi gusto, aunque tiene algún buen tema. Pues bien, todos los defectos de El Mar No Cesa desparecieron en su segundo trabajo, adquirieron más potencia rockera, Juan perfeccionó su técnica y Bunbury consiguió hacer que su voz sonará convincente pero sin abusar de ella como haría posteriormente en solitario.
En mi opinión el principal responsable de la rápida madurez de Héroes de Silencio fue Phil Manzanera (exRoxy Music), un hombre muy formado tanto como músico como productor. La producción de Senderos de Traición es impecable, Phil supo como poner las cosas en su sitio, pues había muchas cosas que no cuadraban en su anterior álbum. La mejor época de la banda la pasaron con Phil Manzanera, y eso tiene que decir algo.
Héroes acaban de formar un estilo único y reconocible por fin en este álbum, un estilo complejo, ecléctico, capaces de rockear con dureza solo con arpegios y chorus, todo debido a la gran capacidad de los miembros del grupo. Hay quien incluso los clasificó dentro del rock gótico.


Abre Entre Dos Tierras con ese inconfundible delay de Juan Valdivia, una intro perfecta, en la que poco a poco se va desprendiendo del efecto y pasa a un riff excelente marca de la casa. Bunbury aparece entonces con su potente voz "Te puedes vender, cualquier oferta es buena".El estribillo es todo un desparrame de energía, toda esa oscuridad creada por Juan y Enrique toca el cielo con ese "Dejameeee, si yo no tengo la culpa de verte caer". El solo del minuto 4:09 arrasa con todo, con una guitarra cargada de furia y una banda revolucionada.
En Maldito Duende, Héroes construyen una balada sometida a un potente crescendo. La melodía del tema es sublime "He oído que la noche es toda magia y que un duende te invita a soñar", Enrique la canta modulando su voz con una delicadeza exquisita, ayudando a crear una atmósfera que, como el propio tema dice, te invita a soñar. La batería de Pedro Andreu agrega potencia al tema, evitando que el tema caiga en la sosería.
Sigue La Carta, que tras esos dos temazos puede parecer más floja, pero créanme, es otra joya. Es uno de los temas más sentidos del álbum, hecho desde lo más profundo. Esa melancolía que refleja es pura magia. A muchos les puede sonar a monótona, peor hay que saber apreciarla.
Continúa Malas Intenciones con genial y veloz riff, que da un juego tremendo con esos azotes a la batería de Pedro. De nuevo Bunbury suena muy convincente con su vozarrón, que le venía al pelo a la banda, ¿se imaginan a Héroes sin Enrique?. El estribillo es muy pegadizo "No quisiera utilizar tus intenciones y quisiera no pensar más de un segundo en ti".
Sal sirve como un enlace de veinte segundos entre el anterior tema y Senda, este se muestra oscuro y misterioso, con un riff que pega como un latigazo y que crea un ambiente cargado de tensión, tensión que se ve desatada en el coro "Por una vez lo que siempre soñé hacer, prométeme contruir una senda".
Hechizo es un tema muy rápido, pero con unos cuantos factores que no me acaban de convencer, entre otros el repetitivo verso. Sin embargo me encanta su pegadizo estribillo "Vamonos de esta habitación al espacio exterior" me parece glorioso, por lo que se hace un tema muy irregular e incoherente.
Sigue Oración, otro de mis preferidos. De nuevo Juan Valdivia tiene un importante papel con sus característicos arpegios que dibujan poco a poco el tema. Bunbury se muestra mucho más tranquilote a la hora de cantar, aunque en los coros vuelve su inconfundible voz "No hay oración capaz de decidir por ti ¡oh señor! no queda otra opción y jamás me vuelvo a arrepentir". Pero el tema toma un giro hacia el 2:20 y se vuelve rabioso y mucho más rockero.
Despertar es un tema mucho más espiritual, con una atmósfera mucho más cristalina e intima, que suena más a El Mar No Cesa que a Senderos de Traición, pero tiene sus cosas buenas, lo cual es una de las virtudes de este disco, que no hay ningún tema realmente malo.
Continúa Decadencia, el tema más rockero del disco. Tras los imprescindibles arpegios, Valdivia se suma en duro riff cargado de distorsión. Por otro lado, Bunbury se muestra más potente que en otras ocasiones, mostrando registros vocales nuevos para nuestros oídos, acercandose más al heavy de los siguientes discos "nunca podré saber si la cruz es salvacióooon!", incluso por momentos intenta emular a el gran Robert Plant.
Sigue Con Nombre De Guerra, con más influencia pop, aunque con intro de guitarra maravilloso. La melodía es muy buena de nuevo, con ese genial toque que Enrique le da para hacerla más intima "Entra despacio, que nadie oiga tus pasos". Juan realiza unos solos claros como el agua de muy buen gusto, como nos tiene acostumbrados.
Cierra el tema más curioso del álbum: El Cuadro II, donde el instrumento principal es un clavicordio, perfectamente acoplado a la usual formación de la banda. El tema se muestra mucho más oscuro y delirante que los anteriores, con una sección de acordes un tanto agobiante y extraña.


Senderos de Traición es un disco imprescindible en la colección de cualquier aficionado a la música, tanto española como internacional. Este y su sucesor, El Espíritu del Vino (y Avalancha también tiene lo suyo), forman un par de discos sensacionales, aunque bajo estilos bastante diferentes, ambos dos bajo la producción del gran Phil Manzanera.

Ok Computer - Radiohead (1997)

Artista: Radiohead
Publicación: 1997
Discográfica: Parlophone
Calificación:10

Mejor canción: Paranoid Android/2º Puesto: pufff... seguramente, Lucky
Canciones: 1.Airbag/2.Paranoid Android/3.Subterranean Homesick Alien/4.Exit Music(For A Film)/5.Let Down/6.Karma Police/7.Fitter Happier/8.Electioneering/9.Climbing Up The Walls/10.No Suprises/11.Lucky/12.The Tourist/


Las nuevas tecnologíasn y un odioso sistema acaparan el mundo y a Thom le aterra esa idea,  toda esa autodestrucción parece ser inminente y el mundo no hace nada, y Yorke, no más puede hacer que transportar la deshumanización a la música.
Pero como todo tiene una cara y un reverso,  la banda consigue sacarle algo bueno a las tecnologías, para hacer, el que es para muchos el mejor disco de los 90s y sus posteriores obras.
 Radiohead alcanza su máximo punto de creatividad en Ok Computer, con unos miembros perfectamente compenetrados y llenos de ideas. 
The Bends vacilaba entre la simplicidad y falta de inspiración de Pablo Honey y la experimentación y la incursión de nuevos sonidos de Ok Computer. Afortunadamente supieron escoger.
En una época donde, la música brit de Oasis y el grunge de Nirvana, controlaba el mundo, Ok Computer fue una ruptura con toda esa monotonía, mostrando diferentes formas de ver la música, mezclando influencias tan dispares como la electrónica, el art-rock, o el rock progresivo de gente como Pink Floyd. También reconocen que querían conseguir algo parecido a Bitches Brew. Ok Computer es un álbum que crea texturas y atmósferas, que realmente parecen espaciales, cada canción tiene su mensaje y es perfectamente transliterado al lenguaje musical. 
Tampoco olvida esa vena lúgubre/depre que predomina en cada canción de Radiohead y que les hace tan característicos.
Otro aspecto que destaco es el trabajo de Jonny Greenwood a la guitarra, a mucha gente no le gusta la técnica de este hombre. Yo le adoro.


Abre Airbag, un denso tema con unas guitarras espectaculares, bastante más rockeras de lo que nos tienen acostumbrados y una batería sintetizada consiguiendo un efecto casi electrónico, al estilo de DJ Shadow, y tras esa base, cientos de instrumentos, inflando el tema, y alejándolo por momentos de la Tierra, sensación que  Thom tiene  después de que un airbag le salvase la vida, como volviendo a nacer.
Sigue Paranoid Android, "la gran suite de los '90s", y su apodo no es para menos. Dividida en varias partes, comienza con una enfermiza sección, entre guitarras acústicas, gemidos y extrañas percusiones, culminados en un sollozo "What's Thaaaaaaat" mientras una voz de fondo se oye decir "I may be paranoid, but not an android", más todo eso se va al garete cuando la potente guitarra de Jonny aparece con un riff no apto para abuelitas sobre el que Thom grita con rencor "You don't remember, you don't remember, why don't you remember my name?" que cae en una solemne "procesión" bajo la lluvia: "Rain down, Rain down", dando un giro completo a lo que el tema era en un principio. La canción trata principalmente sobre la inestabilidad mental y cambios de estado de animo.
Continúa con Subterranean Homesick Alien...¿Alienígenas? Quién sabe si los habrá, pero si los hay están escondidos en las cuerdas de las guitarras de este tema, capaz de crear una atmósfera realmente espacial con cien arreglos que te hacen olvidarte de tu existencia...y la de otros.
Sigue Exit Music (For a Film), uno de los temas más abrumadores de Radiohead y también uno de mis preferidos.  El final de Romeo y Julieta dejó impactado a Yorke, y de eso va el tema, lo que debería haber ocurrido. Comienza con Thom solo frente a las luces, con una acústica acompañándole, y cantando una melodía capaz de bajarle a cualquier persona la moral "Wake from your sleeps". Un teclado parece imitar a un coro eclesiástico, y mientras canta "You can laugh, a spineless laugh" un bajo altamente saturado crea un ambiente oscuro y negro.
Let Down es de lo más lindo que Radiohead haya hecho jamás, pero su onda habitual. Se acerca más al pop que a nada, con un bajo predominante, que no se nota bajo todas esas capas y capas de arpegios guitarreros, creando un ambiente muy agradable, pero lo mejor es su estribillo, excesivamente pegadizo: "Let down and hanging around". La letra va sobre la sensación de que las cosas no van para bien y tu no puedes hacer nada por arreglarlo, o al menos así la veo yo.
Sigue el highlight Karma Police. "Tus actos serán los culpables de tu destino", más o menos de eso trata el karma, y Yorke lo metaforiza con el "policía del karma". Una de las canciones más conocidas y sonadas de la historia del rock. La melodía es muy amena y se te queda con facilidad: "Karma police, arrest this man, he talks in maths", acompañada siempre de la incesante guitarra acústica de Thom, y del precioso, PRECIOSO piano a manos de Jonny.
Fitter Happier, es un experimento, en la que un robot cuenta la rutina de cada día, mientras un piano y diferentes sintetizadores crean un fondo realmente paranoico. Funciona como enlace entre Karma Police y Electioneering.
Un tema que no me gusta mucho  es Electioneering, el verso y el riff son aceptables, llenos de furia y arremetiendo con todo pero el estribillo es realmente feo, la voz suena fatigada e intenta cantar con potencia, para lo cual no le da. Se salva por el genial verso. 
Climbing Up the Walls es lo más perturbador que haya podido oír, Street Spirit es nada al lado de esto. Marcan el ritmo unos porrazos a un bombo y una genial linea de bajo. La voz distorsionada se muestra solitaria, como si un psicópata cantase. Los arreglos de guitarra son insanos, vuelven a uno más loco de lo que el tema está.
Sigue No Suprises, una de sus mejores baladas. El riff inicial de metalófono (o algo por el estilo) es bellísimo y no menos es la melodía, que fluye por si sola. La letra es abrumadora y apática, diciendo resumidamente, que como todo lo que hagas no valdrá para nada, lo mejor es dejarse caer...
Lucky es otro de los mejores momentos de Ok Computer. Sigue la linea de otros temas del álbum como Exit Music o Karma Police,  pero este es mucho más corpulento y con gran influencia de Pink Floyd, en especial esa aguda guitarra por parte de Jonny Greenwood, que realiza un genial trabajo aquí, con arreglos de wah-wah. La guitarra de Thom, suena muy sincera en este tema, siendo un perfecto acompañamiento para esa irónica melodía, todo un anti-himno al optimismo.
Cierra The Tourist, tema idóneo para ello, funcionando casi como coda. La melodía es más pobre, pero tiene un deje delirante que la hace majestuosa, especialmente en esos coros "Hey man slowdown, slowdown!". Sin duda el papel más importante aquí lo tiene Jonny realizando un par de solos para ensueño.


Quizá algún día la deshumanización sea total. Mientras tanto, ¡disfrutemos de Ok Computer!

Ragged Glory - Neil Young & Crazy Horse(1990)

Artista: Neil Young & Crazy Horse
Publicación: 1990
Discográfica: Reprise
Calificación: 10

Mejor canción: F*!#in Up/2º puesto: imposible.
Canciones: 1.Country Home/2.White Line/F*!#in Up/4.Over And Over/5.Love To Burn/ 6.Farmer John/7.Mansion on the Hill/ 8. Days I Used To Be/9.Love And Only Love/10. Mother Earth (Natural Anthem).


En la imposible tarea de escoger un mejor disco de Neil Young, hablaré hoy del que más puntos tiene para ello.
A lo largo de toda su carrera (que no es corta), Neil fue probando nuevos sonidos sin olvidar nunca sus raíces country, siendo él una gran influencia para los grupos grunge, especialmente para Pearl Jam, los cuales estuvieron muy vinculados al maestro en la década de los noventa, llegando Young a hacer un álbum con la colaboración de PJ, Mirror Ball, que os recomiendo a todos los fans de la música de los noventa. Pero fue especialmente este Ragged Glory el impulso que necesitó todo es movimiento.
No se preocupen, Ragged Glory no es un álbum emo ni mucho menos, si hay algo que tiene Neil Young es humor. Tampoco es un álbum grunge, amigos, solo una gran influencia. RG es la obra más visceral de toda su carrera, en todas la guitarra suena saturada y son pocas las que no terminan con feedbacks o acoples, canciones de 10 minutos en las que medio tema es un solo de guitarra imposible. Pero Neil lo tenía todo controlado, y no por dar cuatro guitarrazos se iba a olvidar de componer aquellas melodías que tanto le caracterizaban en álbumes como Rust Never Sleeps, Everybody  Knows this is Nowhere o Zuma, aunque con la voz mucho más quebrada y dañada, no flojea en el carácter compositivo.
En mi opinión, tampoco hubiera sido nada sin el apoyo de Crazy Horse, la banda que le acompaña en prácticamente toda su discografía, que si bien en Everybody Knows This Is Nowhere o American Stars n Bars servían de gran ayuda, aquí son imprescindibles.
Hard rock, garage, canciones de jam...todo lo que hizo pero pasado de vueltas.


Abre el fantástico Country Home, un tema country pero con una guitarra solista por parte del maestro que te toca lo más hondo. La pegajosa melodía se sucede veces y veces sobre ese maravilloso y fresco fondo guitarrero, que por momentos dejan que el foco gire hacia Neil que en ningún momento para de hacer impresionantes licks y punteos cargando la canción de virtuosismo pero sin olvidar su aire campestre.
Sigue White Line, con el mismo aire que su tema predecesor, mas no tan alegre. Posee una base monótona pero que en ningún momento pierde su magia. Por desgracia se hace demasiado corta.
F*!#in Up es mi preferido, no solo del álbum, sino de toda su carrera. Tras un poco consistente riff, la canción vuelca en un verso con una melodía sublime, siempre terminada en ese coro "Why do I?", con un par de guitarras poderosas de fondo, entre ellas la de Frank Sampedro que coge mucha importancia en este tema, pues pide a voces potencia y furia, terminando con los músicos rabiosos asestando auténticos  rabotazos con sus instrumentos. A menudo era versioneado por Pearl Jam en directo.
Continua Over And Over, que revive la vena country y alegre que predominaba en Country Home, pero alargándola hasta los 8 minutos. La melodía inicial de guitarra es especialmente pegadiza, que pocos instantes después se convertiría en un solo basado en ella. El verso literalmente berreado por Neil desemboca en un maravilloso coro, con todos cantando "Ooover and over again, my love".
Love to Burn llega a los 10 minutos de puro jam. La canción es entretenida en todo momento, el estribillo es el acabose: "You got love to burn, you better take a chance on love". Las secciones de pura guitarra son tan impresionantes como se espera, toda técnica esta aquí resumida, efectos inexplicables y en todo momento empapado del sentimiento que Young le pone a todo.
Sigue el gracioso Farmer John, cover de un tema blues clásico. Es bastante simple, las guitarras suenan secas dejando a la corta voz de Young sola ante el peligro, de vez en cuando se oyen unos "wooooh" garantizando el buen humor.
Mansion On The Hill me gusta aunque se hace enana ante los demás temas del álbum. La instrumentación está totalmente equilibrada aquí sin sobredosis de guitarras pero con solos garantizados. A menudo la canción es llamada a ser psicodélica debido a las voces que se oyen de fondo...
Days That Used To Be, es Dylan electrificado, sin más, incluso Young llegó a confesar que la melodía está basada en My Back Pages. Poco más que decir, es preciosa.
Sigue Love And Only Love, que parece ser una segunda parte de Love To Burn, sigue una estructura parecida, 10 minutos de tema, verso oscuro y misterioso, coros que solo se definen como pura pasión e improvisación con multitud de técnicas. Toda una oda al amor, con frases como "Love was winner there, overcoming hate" o "Love and only love will break it down".
Cierra Mother Earth (Natural Anthem), un himno ecologista, con una guitarra saturada hasta la saciedad como único acompañamiento, ni batería, ni bajo. La melodía tiene un deje de melancolía, de cuando la naturaleza no era dañada por el hombre...


Recomendado para todos los fanes de los grandes guitarristas, de la experimentación, del rock duro...recomendado para cualquiera que le guste la música.
Y para otras acepciones...

Led Zeppelin II - Led Zeppelin (1969)

Artista: Led Zeppelin
Publicación: 1969
Discográfica: Atlantic
Calificación:10

Mejor canción: Heartbreaker o Whole Lotta Love
Canciones: 1.Whole Lotta Love/2.What Is And What Should Never Be/ 3.The Lemon Song/ 4.Thank You/ 5.Heartbreaker/ 6.Livin' Lovin' Maid (She's Just a Woman)/ 7.Ramble On/ 8.Moby DIck/ 9.Bring It On Home/


Estamos ante la obra maestra de los Zep. ¿Por qué? 
En el debut nos encontrábamos ante unos Led Zeppelin que intentaban rockear pero que a la vez estaban levemente influidos por el flower power de aquel entonces, haciéndolo más pomposo de lo necesario y eso los alejaba de lo que ellos son: una banda de hard rock, cruda, feroz,  llena de rabia y blues. Sus experimentos"místicos" son otro historia.
Page y sus compañeros crean aquí un álbum en torno a una ruda base de blues, no hay más que oír por ejemplo The Lemon Song. Esto llevó a que mucha gente considerase que algunas de sus canciones fueran plagios de algunos de los mayores clásicos del blues, a mi por una me entra y por otra me sale esa acusación.
LZ II nos muestra a unos Led Zep sinceros, haciendo lo que mejor se les daba: rockear, asesinar a sangre fría con solos electrizantes y riffs no aptos para abuelitas. Nunca le dieron tan fuerte al mazo como aquí, parecen soltar toda su saña en estas 9 canciones; 9 temazos impresionantes donde Zeppelin están más sueltos que nunca, y lo mejor: saben y les gusta lo que hacen; no hay más que ver la voz de Plant, que anteriormente estaba metida a calzador, por fin encaja. Es una opinión muy subjetiva, pero a mi no me gusta como canta Robert en algunos de los temas del debut, pero para gustos colores, al mismo Plant le defraudaba lo que estaba haciendo y estuvo a punto de irse...¿cómo habría sido LZ sin Robert?
También, como dije en mi anterior post, encontramos en Led Zeppelin II los primeros indicios de heavy metal, ya en canciones anteriores a la fecha como You Really Got Me o Helter Skelter el rock probaba nuevos sonidos, pero este álbum esta lleno de detalles que valdrían para que muy poco después Black Sabbath hiciera un álbum heavy en su totalidad.
Sin más rollos vamos al tema:


Abre Whole Lotta Love y...SU RIFF, uno de los más sencillos jamás hechos explotado hasta la saciedad y sin resultar cansino en ningún momento, uno de los riffs de cabecera para cualquier guitarrista. Pero no solo de él vive el tema,  tras el incesante ritmo de la canción, de repente da un parón inesperado donde Robert empieza a gemir con siniestros guitarrazos de fondo, hasta que aparece Jimmy de nuevo con un solo ultra veloz y burlón para retomar la fuerza del tema. ¿En serio qué no lo has escuchado?¿EN SERIO?
Sigue What Is And What Should Never Be, una balada simple y que poco parece decir, pero en el momento menos esperado Page nos sorprende con una violenta guitarra dejando a cualquier beatle escondido en un rincón, como lo oyen. Más allá de los cambios de ritmo, se esconde una buena melodía excelentemente cantada.
The Lemon Song es también de mis preferidos. El riff inicial es de lo más sucio y callejero que he escuchado jamás, pero vamos al grano: lo que hace aquí John Paul Jones no es normal, amigos, pocas lineas de bajo hay así, más luego todos los jams al final. Otro que se sale en este tema es Plant, aquí demuestra que el también podía ser un buen bluesman, no sobreexplota su voz pero la lleva al limite.
Thank You suena más forzada, aunque está bien como intento. Demasiada miel y mucho arreglo que a poco lleva, mas es interesante por momentos.
Sigue la gran Heartbreaker. De nuevo estamos ante otro gran riff, en este caso más melódico. El verso lleva un ritmo trepidante con un bajo sencillamente ardiente sobre el que Robert dice "Hey Fellas have you read the news?". La guitarra se bate en un duelo con JPJ durante todo el tema y al final acaban totalmente revolucionados, dándolo todo. Sin hablar del alucinante solo del final, en el que todos los miembros de la banda se rinden ante él dejándolo solo ante el peligro.
Living Loving Maid (She's Just a Woman) tiene un deje rocknrollero y country por momentos, es mucho más rápido. La melodía es super pegadiza, siempre terminada con ese guitarrazo que sencillamente te revienta la cabeza. Un caramelo pues es la más corta del álbum.
Ramble On es un total experimento por parte de los Zep, en primer lugar una sección semi-folk, con una guitarra acústica que me pone de los nervios y una parte vocal que no suena sincera, pero todo eso se va a la papelera cuando aparece el verdadero Page dando a todos una patada en el trasero con su guitarra, lo que a Plant le lleva a las de gritar el estribillo con todas sus fuerzas dando la vuelta a la canción pero por desgracia el tema no se mantiene así a lo largo de su duración si no que vuelve a sus tramos lentos con arreglos un tanto ridículos. Sin ser mala es lo más flojo del álbum.
Moby Dick es un tema instrumental con su muy buen riff al inicio, pero rápidamente el foco gira hasta dar con Bonham ahí atrás escondido. Es de las pocas canciones que ruedan alrededor de un solo de batería que me gusten, pues no es un solo virtuoso sino una demostración de que se puede aporrear la batería sin aburrir.
Cierra el excelente Bring It on Home, uno de los mejores covers de blues que haya escuchado. Durante el primer minuto el tema es un curioso experimento blues, tranquilo hasta que explota con un tremendo riff (de nuevo) de guitarra, la cual en este tema no para,  NO PARA, virguerías en todo momento, sobresaliendo por encima de los otros músicos entonces presentes. Maravilloso cierre.
En mi opinión el mejor disco de LZ, el más rockero y el más sincero, sin desmerecer todo lo que hicieron posteriormente, por supuesto.

Tattoo - Rory Gallagher (1973)

Artista: Rory Gallagher
Publicación: 1973
Discográfica: Polydor
Calificación: 10

Mejor canción: A Million Miles Away/ 2º Puesto: Tattoo'd Lady
Canciones: 1.Tattoo'd Lady/2. Cradle Rock/3. 20:20 Vision/4.They Don't Make Them Like You Anymore/5.Livin' Like A Trucker/6.Sleep On A Clothes-Line/7.Who's That Coming?/8.A Million Miles Away/9.Admit It/
BONUS TRACKS: 10.Tucson Arizona/ 11.Just A Little Bit/


Melena ondeando al viento, campestre camisa de cuadros, voz empapada en alcohol y una guitarra soñadora...otros lo llaman Rory Gallagher, un honesto hombre, que dedicó su vida a la guitarra. Infravalorado hasta el hartazgo: ciertamente son pocos los que saben de su obra, pero los que lo conocen es mucho el aprecio que sienten por él.
Ha sido eclipsado por otros artistas de la talla de Eric Clapton o Stevie Ray Vaughan, quedando oculto entre las tinieblas a la espera de que algún melómano se dignara escucharlo. 
Así que aquí estamos para dar a conocer su carrera, aunque veo que entre los bloggers tiene bastante fama.
¿Querían buen blues-rock?Aquí lo tienen, la desgastada Stratocaster de Rory parece tocar sola. En este disco, Tattoo, Gallagher se adentra en el mundo de los "roots" saliendo airoso en cada tema. rock agresivo en Cradle Rock, jazz rock acelerado en They Don't Make Them Like You Any More, baladas infinitas en A Million Miles Away, fuertes rock con acento blusero en Sleep On A Clothes-Line y Who's That Coming?, folk en 20:20 Vision, eléctricos jams en Just A Little Bit...busquen y escuchen, este disco es una hora de completo sentimiento repercutido en una guitarra...hablando de guitarra, si no saben lo  que es tocar bien un instrumento escuchen el dominio que Rory muestra a lo largo de todo el álbum.
También quiero hacer hincapié en Lou Martin, teclista en este disco y en Gerry McAvoy, un bajista no muy virtuoso pero que tocaba muy bien, o por lo menos Rory le daba su papelito en cada canción. El batería Rod de'Ath, también hizo un buen trabajo, aunque por momentos sus baqueteos me pongan de los nervios (Cradle Rock).
Personalmente este es su mejor disco (de estudio). Que lo escuche todo aquel que piense que los "guitar heroes" solo tocan bien en directo.


Abre con Tattoo'd Lady, su tema más famoso. Esta canción me encandiló desde el primer momento, y fue la que me hizo comprar este disco, arriesgándome a que el resto fuera bazofia, pero hubo suerte. La melodía inicial es sin duda alguna la mejor del disco y posiblemente de la carrera del irlandés, "Tattoo'd lady, bearded baby, they're my family", que sorprendente torna a un estribillo que parece otra canción. La canción termina con un solo espectacular, de mis preferidos.
Sigue el abrasante rocker Cradle Rock. El riff es asesino; te tira al suelo y te destroza el esqueleto, hueso a hueso. Y el resto de la canción sigue la misma linea, con el ritmo por las nubes, Rory vociferando y Lou haciendo cabriolas con su órgano. Una bofetada con toda la furia posible.
20:20 Vision es más discreto, un tema folky, lento y con Gallagher pasándoselo bien mientras toca. La melodía es buena, un tanto tímida, a juego con el pianito de fondo.
They Don't Make Them Like You Anymore es un paso hacia un jazz forzado y acelerado. La guitarra repite un lick a lo largo de la canción que resulta familiar. El tema muestra a un Rory despiadado, tanto en la voz como en la guitarra, que aquí hace del tema una joya, aunque cuando lo da todo es en la parte de "Where would I go? What would I do if you should run from me?"
Sigue Livin' Like A Trucker, bastante diferente al resto del disco. El foco gira hacia la guitarra cargada de wah-wah, ejerciendo de instrumento rítmico hasta que un breve pero intenso solo desvela a Rory en estado puro.
Sleep On A Clothes-Line hace mover el cuerpo con ese clandestino riff que hiela la sangre, pero la música no se relaja, y Rory nos deleita con maravillosos pasajes siempre con la guitarra ardiendo, dispuesta a matar.
Sigue uno de los picos cumbres: Who's That Coming?Para el intro se van sumando poco a poco guitarras hasta que la acústica del principio queda obsoleta y Gallagher empieza a meter caña con es pegadiza melodía "Tell me who's that coming, not walking, but running"con slides, armónicas y wah-wahs de fondo consolidando una estupenda base sobre la que el maestro realiza multitud de florituras e improvisaciones.
Llegamos a la cima en A Million Miles Away, la balada perfecta. La guitarra suena limpia, sincera, cargada de sentimiento hasta el alma, penetrando en uno hasta que no le queda la de cerrar los ojos. La melodía es triste y melancólica, y Rory la hace lo más sensible posible con su voz rota. Cada pasaje te transporta a otro lugar, pierdes el sentido cuando repentinamente dice "Why ask how I feel, well how does it look to you" con saxo y otros arreglos de metal para más inri. Cuando toda la banda parece agotada, se introducen en un apoteosis final, con todos los miembros a máxima potencia.
Cierra el disco original Admit It, que sabe a poco después de los otros números. El riff de bajo es consistente, y también lo son el piano y la oxidada guitarra de fondo, pero ya no es lo mismo de los otros temas.
Los dos bonus tracks están bastante bien, uno es Tucson, Arizona una balada country endulzada y solemne, que recuerda a los Eagles.
El otro es Just A Little Bit, un jam de 8 minutos escasos, que abre con la pegadiza melodía "I don't want it all, I just want a little bit", y tras ello se funde en largos solos todos excelentes por supuesto.
Pues este es un disco obligatorio para todo melómano, la guitarra vibra aquí como en pocos otros álbumes.
Saludos.

Beggars Banquet - The Rolling Stones (1968)

Artista: The Rolling Stones
Publicación: 1968
Discográfica: Decca Records
Calificación: 10

Mejor canción: Sympathy For The Devil/ 2º Puesto: Stray Cat Blues o Jigsaw puzzle
Canciones: 1.Sympathy For The Devil/ 2.No Expectations/ 3. Dear Doctor/ 4.Parachute Woman/ 5.Jigsaw Puzzle/ 6.Street Fighting Man/7.Prodigal Son/ 8. Stray Cat Blues/ 9.Factory Girl/ 10. Salt Of The Earth/


Se que es saltarse gran parte de la discografía de la banda, pero no he podido resistir la tentación. ¿Quién no es capaz de resistirse a este álbum?
Para empezar, no crean que este álbum es un bestialidad de riffs y rock n roll en estado puro como pudo ser Sticky Fingers, este disco es salvaje pero a la vez delicado, ¿cómo puede ser eso? Pues fácil queridos lectores, el ambiente Rollinga y todo lo que este conlleva esta presente a lo largo de toda la obra, pero en este disco los Stones deciden rockear sin necesidad de mucha guitarra eléctrica. Blues, country, delta-blues...reminiscencias a gente como Robert Johnson o Leadbelly pero sin falta de empapar el álbum de covers. Su primera etapa queda aquí perfeccionada pero sin tanta electricidad. Interesante ¿no creen?
Cada escucha te atrapa más que la anterior y, lo que al principio parecía un disco chatarrero y mendigo se convierte en la perfección a manos de los Jagger/Richards. Estos, se han olvidado de la experimentación y de la psicodelia que Brian había aportado al grupo un año atrás. 
Hablando del rey de Roma, Brian Jones parece pasar desapercibido aquí, poco más aporta que los slides y algún instrumento raro. La relación que Jones mantenía con los demás miembros iba a pique, pues les resultaba un estorbo, andaba bajo vigilancia de la policía por posesión de drogas, y sus giras ya no eran lo mismo. El que en un principio valía por miles paso a ser un cero a la izquierda.
Entretenido, adictivo, descarado...UN DISCO DE LOS STONES. Este disco es uno de los de cabecera para la propia banda, fíjense en la estructura de Beggars Banquet con respecto a Let It Bleed (pensaba que eran paranoias mías, pero el señor Federico me lo confirmó).
Seguramente sea mi preferido del grupo, solo Let It Bleed parece hacerle la competencia xD


Abre la GIGANTESCA Sympathy For The Devil, MI canción de los Stones, ninguna como esta. Congas y bongos dan inicio al álbum al que pronto se le suma un piano espectacular, que va acelerando él solo la canción. La melodía es perfecta "Please allow me to introduce myself, I'm a man of wealth and taste" mientras el bajo hace virguerías. Entre hooo-hooos Jagger va encabronando su voz, hasta que llega un momento en que solo le queda las de aullar, y justo ahí PUM aparece Keith con un solo electrizantemente sucio, que al final de tema se las juega con la voz de Mick, ya a grito pelado. No conoces el rock si nunca la has escuchado.
Sigue la linda balada country/blues No Expectations con la slide-guitar de Brian Jones armonizando el tema, el piano agrega belleza y el bajo profundidad, y la voz...como retrata lo que el tema simboliza (ya sabrán que uno de los temas mas comunes en el country son las vidas desgraciadas, dejadas al destino), todo ello en conjunto conforma una de las más lindas baladas de los Rolling.
Dear Doctor es uno de mis preferidos, sobre ese ritmo de vals, la banda parece pasar un rato estupendo, la melodía es pegadiza hasta la médula, Jagger y Richards cantan en dueto, aportando cada uno lo que su voz da. Esos armoniqueos sobre los que, hacia el 2:25, Mick parece berrar no bajan de maravillosos. "So help me, please doctor, I'm heavy"
Sigue Parachute Woman un blues sucio, descuidado y oscuro, que parece un adelanto de Midnight Rambler. La guitarra eléctrica haciendo la melodía de semejante manera: borrosa y difuminada. 
Jigsaw Puzzle es otro de los puntos más altos. Linda, bella, suave al tacto y...a la escucha. Al inicio parece aburrida, pero poco a poco se van sumando y sumando instrumentos bajo esa perfecta y delicada melodía hasta que...lo que parecía un aburrido tema pop/folky se convierte en uno de los mejores. Las guitarras acústicas que llevan el ritmo parecen ir aumentando y aumentando, hasta llegar a la apoteosis, para la cual el bajo ya nos había deleitado con lineas y lineas redondas, que parecen girar sobre si mismas.
Sigue el archiconocidísimo Street Fighting Man, un tema que rockea y patea culos hasta la saciedad con unas guitarras acústicas distorsionadas, que producen el ambiente más sucio de la obra. La melodía es también muy sencilla pero preocupantemente pegajosa.
Sigue Prodigal Son un tema folk-blues con unos platillos chisporroteantes sobre los que Keith nos muestra sus habilidades sobre la guitarra acústica.
Stray Cat Blues es lo más parecido a lo que los Rolling harían posteriormente. Mick Jagger se muestra vacilón y pervertido, con la voz especialmente pasota. Los riffs y el más puro rock n roll aparecen aquí a manos de Keith, que suelta notas y notas con su guitarra taladrando las neuronas. Pero, paradójicamente, en el tema más Stone del álbum aparece de nuevo el infravalorado Nicky Hopkins con su piano,  con su veloz piano.
Facotry Girl aporta poco más que una sensible mandolina, pues no es un tema que me atraiga mucho, parece un relleno, pero pasa desapercibido ante tanto monstruo.
Cierra Salt Of The Earth, con su bella melodía que, al aparecer Mick se suma un piano para hacer las funciones. Los slides de Brian Jones no son tan perfectos como en Jigsaw Puzzle pero cumple.Tema perfecto para acabar semejante álbum. Y excelente trabajo del coro femenino de L.A.
Gran álbum, aunque de nada te vale si aún no has escuchado nada de la banda. Te atrapa, te atrapa y no te suelta.
Saludos!

Broken Boy Soldiers - The Raconteurs (2006)

Artista: The Raconteurs
Publicación: 2006
Discográfica: Third Man Records
Calificación: 10

Mejor canción: Level/ 2º Puesto: Together...o incluso Blue Veins
Canciones: 1. Steady As She Goes/ 2. Hands/ 3. Broken Boy Soldier/4. Intimate Secretary/ 5. Together/ 6. Level/ 7. Store Bought Bones/ 8. Yellow Sun/ 9. Call it a Day/ 10. Blue Veins/


NOTA: Querido lector o lectora de Camino Al Rock, los que ya hayáis leído la entrada os habreis fijado de que la nota del disco era un 9+ y ahora es un 10. ¿Razones? Simplemente el escucharlo un día más me ha hecho darme cuenta de que una sola canción no puede hacer del álbum bazofia. Perdón por las molestias (lo dicho, parece que lleve toda la vida en esto XD)  


Jack White es una de las mas importantes personalidades musicales del milenio,  estamos ante un genio a la altura de los grandes del siglo pasado, nada les tiene que envidiar, y si además recordamos a todos esos grupos  dosmileros tipo Linkin' Park, la genialidad  de Jack aumenta, demostrándonos que es uno de los 5 mejores músicos de la actualidad.
Pero ¿que pasaría si a él le sumamos a alguien como Brendan Benson? Conseguiríamos una de las más curiosas y efectivas mezclas de la música contemporánea, o dicho de otra forma: The Raconteurs.
Benson y White tienen estilos un tanto diferentes, Brendan va a tonos más clásicos, a los orígenes, mientras que Jack tiende al rock más crudo y duro, y es la diversidad musical de sus miembros la que crea un sonido único e inconfundible; esa mezcla entre blues, flok, rock duro y por momentos progresivo, pero siempre con melodías dignas de un grupo pop. Es la armonía contra la experimentación, la sencillez contra lo complejo,la luz contra la oscuridad...
Escucharlo es toda una experiencia,  al principio uno no sabe donde se ha metido ni lo que ocurre, la cabeza te da vueltas y no comprendes NADA, la falta de coherencia entre los temas; unos raruños y otros de lo más poppy...mas con el tiempo se vuelve adictivo incluso sus canciones más extrañas (Broken Boy Soldier).
Jack White vuelve a demostrar todo su potencial en esta banda, replicando que él no suele fallar. La gran capacidad de Brendan Benson consigue equilibrar el álbum, pero sin hacerlo regular; más bien sería lúdico por decirlo de alguna manera, hasta sus puntos más flojos tienen un algo que les hace no caer en la aberración y ser un tanto entretenidos.
Para los amantes de White Stripes: la cosa ha cambiado mucho y posiblemente no os guste si lo que buscáis es una banda sencilla e instantánea.


Abre con Steady As She Goes, el tema más exitoso del álbum. El bajo de Jack Lawrence lleva la batuta con un riff excelente sobre el que las guitarras rasguean acordes simplistas, pero suficientes para acompañar. La melodía, especialmente la del estribillo, es muy pegadiza, mientras la del verso parece dar vueltas sobre si misma.
Sigue Hands una canción mucho más rockera, con Jack y Brenda dándole fuerte a las cuerdas en un gran riff que se desvanece para dejar paso al verso en el que la parte vocal arruina el tema, digamos que es una voz "sin sustancia".
Continuamos con Broken Boy Soldier, el tema más raro, experimental y oscuro del álbum. La batería consigue un sonido chatarrero, mientras la guitarra practica deslizantes agudos que pasan desapercibidos detrás de una linea de sintetizador continua y suspendida en el tostado y ensangrentado ambiente culminado por la desgarradora y distorsionada voz de Jack.
Intimate Secretary es mucho más flojo que los tres anteriores, básicamente porque es un desorden, distintas secciones con melodías muy vagas que intentan protegerse de un medianamente buen riff...
Together realza la vista, con dulces ganchos melódicos de la mano de Brendan, que canta tranquilo como si problemas no hubiera en el mundo, todo ello sobre una base bien cimentada por discretas guitarras acústicas, profundos bajo y un hipnótico órgano.
Level es incluso mejor, aún siendo una extraña canción. Tras su fantasmal intro desemboca en una parte más "seria", con mucha más caña y guitarrazos dignos de los Sabbath, pausados pero contundentes, como tiene que ser! En el último verso White funciona de lorito de repetición (para bien) de Brendan actuando de eco.
Store Bought Bones es un tema cañero aunque más flojo que el anterior. El riff y dominio del tema lo lleva un eclesiástico órgano, con Patrick Keeler haciendo sonar los platillos y Lawrence remarcando su bajo.
Le sigue Yellow Sun con la batería saliéndose del papel y un duelo entre acústica y teclado a ver cual sale más airoso.
Call It a Day es otro tema acústico muy lindo, que no sería nada sin esa enganchadiza melodía culminada siempre en coros con guitarros eléctricos.
Cierra Blue Veins un umbrío blues, lleno de feeling por parte de Jack White, tanto en la voz como en las seis cuerdas, dejando a Benson un papel secundario. Transmite tantas cosas...está a la altura de Together y de Level, y lo encuentro infravalorado.

The Dark Side Of The Moon - Pink Floyd (1973)

Artista - Pink Floyd
Publicación - 1973
Discográfica - Harvest, Capitol
Calificación - 10-

Mejor canción: Time/ 2º puesto: Us And Them.
Canciones: 1.Speak To Me/Breathe/ 2. On The Run/ 4. Time/ 5. The Great Gig In The Sky/ 6. Money/ 7. Us And Them/ 8. Any Colour You Like/ 9. Brain Damage/ 10. Eclipse/


Menuda racha de discazos llevamos por aquí, la verdad es que cuando uno se pone a escribir en el blog, lo hace con la idea de mostrar a los lectores  sus gustos y demás, yo siempre intento buscar discos que me gusten y que piense que os van a gustar, rehuyo subir discos asquerosos para poner suspensos, que hay bastantes. Debería encontrarme de muy mala hueva.
 Pues hoy os traigo el disco más revolucionario de la historia, más revolucionario que Sergeant Peppers, por ejemplo. Yo lo de revolucionario lo entiendo como un disco que consiguió gran fama y respeto por parte de las personas que lo escucharon, todo eso se ve reflejado en las ventas. Lo encuentro más revolucionario que Back In Black, que lo supera en ventas, porque el Dark Side es anterior a cualquier movimiento de masas por conseguir un álbum, además del tiempo que estuvo y está en todo tipo de lista de ventas. "Es el mejor disco de Pink Floyd" o "Es el mejor disco de la historia", todo el mundo lo tiene endiosado. Es cierto que esta bastante sobrevalorado, no se puede negar, pero según mi opinión no tanto como los sabios críticos dicen. Llevo muchos años escuchando a Floyd, es más, es el grupo que escucho desde que tengo uso de razón, y os puedo asegurar que lo mismo que con el tiempo se ha ido sobrestimando, gente como Starostin, Isaac o incluso el Dr. Federico se han encargado de   infravalorarlo. Escúchenme, o en su defecto léanme, es el segundo mejor disco de Pink Floyd, y el más indicado para iniciarse a amar a esta banda, no empiecen con El Muro o con Animals, no tendría sentido, no entenderían lo que ocurre, o eso creo yo, así que si no han prestado su oreja a los de Waters y Gilmour denle una oída a esta obra.
Quizá lo que haga tan grande a este álbum sea el que todavía no hay una rivalidad clara entre los miembros, y a la hora de componer sabían combinar la majestuosidad de cada uno en su instrumento. 
Atmósferas mágicas creadas en su mayoría por los innumerables coros femeninos junto con los teclados de Wright, y todo ello crea el ambiente característico del Dark Side Of The Moon, pomposo, espacial y sobre todo INNOVADOR. La innovación y la experimentación hacen grande a todo el álbum. Pero todas esas instrumentaciones estratosféricas no se quedan a palo seco, es aún más maravilloso el ver que la parte musical de cada canción sabe expresar a la perfección de que hablan los temas, creo que el mejor ejemplo es Breathe. 
Con este disco Pink Floyd conformó su primera obra conceptual, todas las rolas giran entorno a un tema común. El contexto es muy subjetivo, cada persona tiene una perspectiva diferente de sus letras, yo creo que retrata al ser humano en cualquiera de las situaciones, nacimiento, locura y visión de la muerte.


PUM-PUM, PUM-PUM, el disco y la vida nace con los latidos de Sepak To Me, que rápidamente se convierte en la delicada Breathe  sintiendo la brisa en la piel, Gilmour crea ambiente con lindos slides mientras Mason da fuerte a su batería, ayudando están Waters con simples lineas de bajo acopladas a la mítica melodía "Breathe, breathe in the air"
Tras ese maravilloso inicio el álbum cae en la miseria con la aberración que es On The Run, una improvisación de sintetizadores locos que no llevan a ningún lado.
Los relojes, campanas y timbres dan vida a Time, el mejor tema de Pink Floyd. Graves notas sostenidas a la vez que Nick toca cada caja de su batería y Wright  hipnotiza con sus teclas, y sin previo aviso David aparece con su guitarra y su voz partida en dos pero dulce y melódica, y tras esplendidos versos llega el maravilloso solo, uno de los cinco mejores de toda la historia, sin duda alguna. 
The Great Gig In The Sky asume todo tipo de penas, sus inminentes acordes piano y lentos deslices de Gilmour preparan a la voz de Clare Torry, la cual hace lo nunca visto con su voz, impresionante, señores y señoras, ¿acaso ha definido alguien  tan bien alguna vez la muerte, la depresión, la enfermedad y todo tipo de desastres sin decir ni una sola palabra?
Dicen que el dinero es el mayor mal de la humanidad, lo sea o no, Pink Floyd muestra toda su rabia ante todos esos temas con la gran Money, y su famosísimo riff de bajo sobre pequeños licks de David y ecos e fondo que parecen retraerse y dejar toda la fama a Dick Parry, mas eso no ocurre y asusta a todo virtuoso con otro perfecto solo.
Más magia produce aún Us And Them, con su sensacional teclado tocando delicadamente un arpegio precioso y la voz llena de delay, y entonces...el espectacular estribillo del tema, no apto para sentimentales, los coros que ayudan lo endiosan y lo hacen grande. El saxo también coge un importante papel con el fantástico solo.
Any Colour You Like sigue una estructura semejante a la de On The Run, pero muuuucho mejor, eso cae de cajón. Esta basada principalmente en una experimentación entre VCS 3 y guitarra, y que seguramente represente todo el daño producido por drogas y demases.
Le sigue Brain Damage, la cual retrata la locura, a mi parecer, lo hace sin problema alguno, vamos, que le queda como anillo al dedo, principalmente la voz de Waters, que el ya canta con voz de loco de por si, pero aquí ya se se sale, además esos acordes temblorosos de David son ya la gota que colmó el vaso.
Y cierra la pesimista Eclipse, que esta muy bien, aunque es poco más que unos coros sobre un riff de teclado lento y grandioso.
Pues bueno, nadie como Pink Floyd para retratar cualquier sensación en una canción o disco.

The Bends - Radiohead (1995)

Artista: Radiohead
Publicación: 1995
Discográfica: Parlophone
Calificación: 10-

Mejor canción: Fake Plastic Trees / 2º Puesto, algo imposible de elegir.
Canciones: 1. Planet Telex/ 2. The Bends/ 3. High & Dry/ 4. Fake Plastic Trees/ 5. Bones/ 6. (Nice Dream)/ 7. Just/ 8. My Iron Lung/ 9. Bullet Proof...I Wish I Was/ 10. Black Star/ 11. Sulk/12. Street Spirit (Fade Out)/


Sinceramente, hace nada que empecé a escuchar a esta peculiar banda. Debería darme asco de mi mismo. No había escuchado NADA (bueno...Karma Police...) hasta este verano. Fue el mundillo blogger el que me ayudo a incarles el oído. Acabe cansándome de mi mismo por no haberles prestado atención. Me tragué del tirón sus tres primeros álbumes, y estuve mucho tiempo anclado en el Ok Computer,el cual me había eclipsado sus dos anteriores trabajos. No me acordé más de ellos, hasta que hace nada, el Hombre Mojón, con sus temas selectos de Radiohead me hizo pasarme por sus inicios. El Pablo Honey me pareció cutre y ruidoso, pero The Bends, realzó mi animo a meterme en sus mundos.
Los de (jamón de) Yorke siempre tuvieron fama de deprimidos, emos y todos esos rollos, y por ahí van los tiros de su música, especialmente después de este, pero The Bends no me parece precisamente pesimista, hombre, hay alguna como Just, Street Spirit  o (Nice Dream), pero no es lo más abundante, simplemente cumplen su papel en el álbum.
Para mi, es un álbum de transición hacia nuevos sonidos, pero conservando la viveza de Pablo Honey, obviamente perfeccionada, todo ello lleva a una mezcla parecida al Brit.
Es asequible, llega con facilidad; sin muchos rodeos, tardará tan poco como a mi en gustaros, quizá se demore más en apreciar la grandiosidad de temas como My Iron Lung, Just o incluso Street Spirit, pero son solo tres canciones, y el álbum tiene 12.
Suena repetitivo, ya lo sé, pero, ¿quién iba a pensar que esto sean Radiohead?
Creep es la canción más famosa de la banda, mas yo me quedo con cualquier tema de The Bends antes que Creep, la aborrezco.


Abre con la espacial Planet Telex, con sintetizadores a reventar, que son más de media canción, le dan forma, pero la hacen un tanto pomposa. Los versos son cañeros y potentes, sin embargo, el estribillo no es muy de mi gusto.
The Bends es mucho mejor, un rocker con todas las letras, con el mejor riff de todo el disco, y si te descuidas, de Radiohead (no puedo hablar con seguridad, los siguientes a Kid A, son desconocidos para mi, excepto alguna canción). Thom versea con desgana al principio, pero en los siguientes la voz se anima con la guitarra de Jonny ayudándolo. El estribillo es de lo más pegadizo " My baby it´s got the bends, oh no, we don´t have any real friends"
Sigue High n Dry, tema que sonó a reventar en todos los lados. Se trata de una balada melódica y dulce, con pegajosas melodías durante toda la canción. La guitarra de Thom tiene un papel más importante que el de Jonny, acompañando de manera perfecta.
Fake Plastic Trees es la mejor del disco con muucha diferencia, puede con cualquier otra. Yorke hace florituras con su voz, pasando de graves a agudos sin termino medio. La lentitud acústica es todo un punto, crea el ambiente necesario, y para realzarlo, el hammond, que le da pequeños tintes tristes. Pero su punto más alto llega cuando en el minuto 2:36 Jonny da a conocer su guitarra eléctrica, la canción la pedía a voces, y Greenwood lo da todo. De lo que conozco de la banda, es mi preferida.
Bones es más fuerte, que las dos anteriores, y juega con la base de Planet Telex, con los teclados y el bajo dominando hasta que en el estribillo, Thom ataca con su voz y desemboca en un riff a toda potencia, un pelín rockanrollero. Puede ser más floja, pero sirve de enlace entre dos grandes.
La siguiente es (Nice Dream), esta tira a sonidos del estilo del Ok Computer, lento y textura suave, con la acústica mandando pero con Jonny ayudando con arpegios simples, pero que le vienen que ni pintada. Es hipnotizante como ella sola.
Just es un tema grunge sin ninguna duda, desganado e indiferente, mas aún así de las mejores. Los versos suenan más tranquilos, Greenwood los remata con una sencilla melodía guitarril, y tras un momento de unísono entre guitarra y voz, la canción explota en un impresionante estribillo.
La más loca es My Iron Lung, que entra como Lucky In The Sky With Diamonds, algo parecido, ya sabéis, arpegiado y vibrante, y para sorpresa de todos se convierte en algo, como diría Jesulín: "en dos palabras: im-prezionante", capaz de reventar una casa.
Bullet Proof... I Wish I Was no me gusta demasiado, lenta y tranquila, intenta llegar a Fake Plastic Trees, pero se queda muy atrás, para mi gusto es un relleno.
Sirve como puente de rellenos Black Star, que es mejor, con un efectivo riff y una parte vocal melodramática a lo largo del tema.
Sulk es lo peor del disco, no me gusta nada, quizá un poco sus coros, pero poco. Es aburrida, ese es su problema, nada más, y este es un disco para disfrutarlo a tope, y no me parece que Sulk ayude. Por lo menos compensa el peso de las demás.
Street Spirit (Fade Out) la suelen catalogar como la mejor, seguramente de las que yo tengo como candidatas al segundo puesto vaya más adelantada. Es un tema triste, deprimente, pesimista... ya saben por donde voy ¿no?, pero me parece que todo eso la hace un tema de unas inimaginables magnitudes, el como va cambiando la sección de acordes pero manteniendo el riff, es lo que me enamora de ella.
Gran disco, os puedo decir con toda seguridad, que os gustará.

Nevermind The Bollocks, Here's The Sex Pistols - The Sex Pistols (1977)

Artista: The Sex Pistols.
Publicación: 1977.
Discográfica: Virgin Records.
Calificación: 10

Mejor Canción: Anarchy in the U.K./ 2º Puesto: Pretty Vacant.
Canciones: 1. Holidays In The Sun/ 2. Bodies/ 3. No Feelings/ 4. Liar/ 5. God Save The Queen/  6. Problems/ 7. Seventeen/ 8. Anarchy in the U.K./ 9. Sub-Mission/ 10. Pretty Vacant/ 11. New York/ 12. E.M.I.


Antes de nada, todo el mundo me llena la cabeza con que la portada de este disco es maravillosa, yo no le encuentro nada en especial, si alguien me lo explica, se agradecerá.
Bueno, ahora al tema. El punk siempre fue un estilo que cuando me iba a poner con el, me echaba para atrás. Probé infinidad de veces pero siempre acababa escuchando el Master Of Puppets (Mettalica), que no tiene nada que ver, pero me entraban más ganas de escuchar la versión de Motörhead del God Save The Queen que la original y a raíz de eso seguía con el trhash.
Un día me atreví, y me puse con los más recomendados, los hermanos Ramones, y no os podéis imaginar cuanto me aburrí, parecía que Blitzkrieg Bop fuera una suite de media hora divida en 14 partes, pero no, era un álbum con distintas canciones. Evidentemente mis ganas de seguir con el Punk eran pocas, mas yo lo volví a intentar. Había oído hablar mucho de un tal Sid Vicious, rebelde bajista de un grupo punkarro, Los Sex Pistols, así que incitado por un vida desastrosa me metí con ellos. ¿Qué pasó?, pues que se me pusieron los pelos de punta sin falta de peinarlos, como hace Johnny Rotten. Seguí y seguí, temía por la vida del cd de tanto que le hacía girar. No paraba de escuchar su debut, rodaba y rodaba y yo insistí en escucharlo. Me preguntaba como había pasada tanto tiempo sin ellos.
Hoy día es uno de mis 10 álbumes preferidos, y aún, como decían los Byrds: Turn Turn!.
Los Pistols tuvieron dos factores que les hicieron muy importantes:
     ·  Introdujeron el movimiento punk en el Reino Unido.
     · Crearon una estética que caracterizaba al genero, no solo vestimentas y demases, también la actitud, la de yo hago y digo lo que me da la gana y si no quieres, que te den.
Dentro de los que es el estilo, son bastante complejos, a la hora de componer, intentaron quitarle algo de simplicidad a las canciones. Mucha influencia de rock n roll por parte de Steve Jones.
Su manipulador manager McLaren siempre defendió la idea de que los Sex Pistols era una banda en la que más importaba eran las letras. Muchos se hicieron fans por eso, y otros por la música, pero de cualquier modo tuvieron muchos seguidores.
Solo grabaron un LP, Never Mind The Bollocks, Here's The Sex Pistols, muchos quisieron quitar del título la palabra "Bollocks", pero ellos dijeron que no les salía de los "Bollocks" y la cosa quedo como estaba. 
Es un disco fresco, potente, desgarrado, cañero, sin "ñoñeces" y con ganas de meterse con todo el mundo, solo les importaba desahogarse, no hay más que escuchar la voz de Johnny Rotten, a grito pelao y con un deje burlón en todos los temas.
Juegos de palabras para poder tocar más las narices a sus detractores, críticas a la Reina y a  E.M.I. ...todos esos detalles crearon una generación que sería una copia mala y barata, de intentos de punk (barata?? los discos de Blink 182 son muy caros!) de los Pistols, pero siempre tendremos su trabajo para darnos cuenta que como lo original nada.
Mclaren quiso más poder y siguió usándolos como marionetas hasta que cometió el error de abandonar a Rotten, el cual se cabreó y la banda se separó. Más tarde Sid Vicious moriría (¡de que va ser!) y haría alguna reunión con Glen Matlock, primer bajista (en el disco solo aparece en Anarchy in the U.K., en los demás temas el bajo fue grabado por Steve Jones, excepto Bodies, con Sid).


Le doy al play, se oye desfilar a la guardia real y de repente Steve Jones nos toca un acorde haciendo retumbar la casa entera, y si creíamos que lo habíamos visto todo, aparece un riff abrasante sobre el que Johnny anuncia el título, Holidays In The Sun. Frasea los versos como solo el sabe y nos ofrece un rápido y resultón "Now I've Got A Reason", mientras la guitarra suena mutada pero con mucho ritmo.
Sigue Bodies, un principio siniestro con una linea de bajo muy práctica y arreglos noise. Rotten canta agresivo durante todo el tema y nos ofrece unos power chorus con aires grandiosos.
El listón sigue alto con No Feelings, acompañamiento potente mientras la voz intenta sonar temblorosa.  Estribillos muy pegadizos, con toda la fuerza pistolera.
Liar, un poco menos currada, sobretodo la parte del "liar liar liar" y puede que demasiado pomposa.
God Save The Queen es otro de los más altos picos del disco. Johnny pronuncia save (salvar) como shave (afeitar) para fastidiarle más a la Reina. Muchísimo ritmo durante todo el track, con otro gran riff que se reptie durante los versos.
Problems, un tanto más sencilla también, la parte vocal es grave, concordando con la guitarra. El estribillo es muy simple y no me cautiva excesivamente.
Otro temazo Seventee (evidente la nº 7 xD) melodía con un aire pop-rock, pero como a los pistols no les van esos rollos, la cantan a lo bestia. Importantísimo papel  de Jones, no solo en las letras sino en su instrumento. También muy destacable la batería en el estribillo.
Uno no se lo piensa dos veces, la mejor es con muuuuuucho Anarchy in the U.K., Rotten canta con la mayor ironía posible, desde el comienzo con esa risa maligna, no hay más que atender a ese mítico "I am an anticristo, I am an Anarchist" que desemboca en ese maravilloso " I wanna destroy 'cause I wanna be Anarchist" con esa parte tan rockanrollera tocada por Steve, el cual también hace un solo muy simple, pero es la leche.
Sub-Mission es un tema con una notable influencia de Joe Strummer y también gótica, en tonos muy bajos pero con unos grandes arreglos altos que hacen una buena mezcla.
Pretty Vacant es mi preferido, seguramente porque fue el primer tema que tanto conocí como aprendí de los Pistols. Sencillo riff sobre el acorde de la, en el que aparece la batería dando tensión, hasta que Jones tiene que tocarlo sin arpegiar. Pequeños licks de blues-rock al final de cada verso para mostrarnos unos coros impresionantes.
New York, de nuevo vuelve el sarcasmo a las cuerdas vocales de Rotten. Tampoco es demasiado compleja, poco más que requintos.
Cierra E.M.I., podrían haberle puesto otro nombre y luego criticar a una discográfica, para que hubiera polémica de si era una u otra, pero no, le pusieron de título  E.M.I. Recuerda mucho a Search & Destroy.
Pues mi disco preferido del punk, así que más recomendable.
Saludos del patético Soyde.

Daydream Nation - Sonic Youth (1988)

Artista - Sonic Youth.
Publicación - 1988
Discógrafica - Geffen Records.
Calificación - 10

¿Mejor disco de Sonic Youth? - Sí
Mejor canción - pufff Teenage Riot o Eric's Trip.
Canciones - 1.Teenage Riot/2. Silver Rocket/ 3. The Sprawl/ 4.'Cross The Beeze/ 5. Eric's Trip/ 6. Total Crash/ 7.Hey Joni/ 8. Providence/ 9. Candle/ 10. Rain King/ 11. Kissability/ 12. Trilogy (The Wonder, Hyperstation y Eliminator Jr.)


 Sin más vamos a volver con artistas internacionales y más conocidos.
Hoy tenemos ante nosotros un discazo, de lo mejor que podremos ver en muuucho tiempo. 
Como siempre, voy a empezar haciendo una pequeña revisión al estado de la música por aquel entonces. Eran los años 80, los desastrosos años 80. Grupos del progresivo se comercializaban haciendo discos que... que bueno... El pop, techno y el disco ruleaban, llevaban las riendas de la música. Parecía que lo único que importaba era que se vendieran truños redondos.
Al igual que en España, los Extremo, Platero y algunos buenos de la movida fueron los salvadores, a nivel mundial, los grupos alternativos/noise y los heavys consiguieron llevarse algo de merecida atención.
El alternativo/ noise nos incumbe mas hoy. Eran un rock diferente, yo siempre lo llame progresivo moderno (aunque creo que eso ya existe). El progresivo setentero le quitó importancia al rock n roll, el alternativo de los 80 dijo adiós a tabacos (malo pero adiptivo) comerciales. Y todo eso sin molestar al Heavy Metal.
Hoy vamos a centrarnos en un grupo llamado Sonic Youth. De ellos solo conocía el nombre y su pinta emo. Había pasado olímpicamente de ellos. Hasta que empezaron a recomendarme este disco. Yo cedí, y a los dos días o algo así me lo pille baratico. Empecé a escucharlo y pensé: "pero tío, ¿que me recomienda la gente?" o " y luego dicen del Metal Machine Musc". Si supieran lo que hoy día me arrepiento de haber pensado todo eso...
El disco es como su portada. Rara, al principio cutre, pero con el paso del tiempo se te hace una obra maestra. Difuminada y distorsionada, parece simple pero es complicada. Y con el paso del tiempo la incandescente llama te acaba atrapando  en la Nación de Ensueño de la Juventud Sonica, (es decir, el Daydream Nation de Sonic Youth).
Vamos que es uno de los mejores discos, no solo de los ochenta, si no de la historia. Cargado de ruidos que, empiezan siendo insoportables, pero en realidad son los sonidos del Noise Rock. Este es un estilo, pero también podríamos decir Rock Alternativo, New Prog, Rock Experimental o Pre-Indie Rock. Una obra de lo más complejo en la que no paras, desde su primer track hasta el último.0 canciones malas. Sus 70 minutos se te pasan volando. Es un disco  que pocas veces se repetirá.
Además aquí Sonic Youth por fin dio con el sonido que quería, el ya nombrado Noise Rock.
Y otra cosa, no tienen un cantante fijo, y cada uno le da un toque muy especial a la suya, las de Lee Ranaldo son más espaciales, y además mis preferidas. Las de Thruston Moore tienen un toque más emo y con partes vocales más con un poco más de importancia. Y las de Kim Gordom son las más fuertes, a excepción de The Sprawl. Pondré entre paréntesis  el nombre en cada canción.


Abre con Teen Age Riot (Moore), para mi, es de las dos mejores. Empieza suave y de forma limpia mientras Kim susurra "You're it, no you're ir" y "Spirit Desire, will will far". Y  aparece una guitarra eléctrica que empieza a animarla un poco mientras Thuston hace una buena melodía acompañada de forma sublime. Esta canción significo mi inicio con Sonic Youth, porque de esta era de la que mejor me hablaban y tuve que escucharla, y quedé muy satisfecho.
Sigue otro clasicazo Silver Rocket (Moore), de las más cañeras. En este tema desafinan las guitarras para que suene diferente. Totalmente distorsionada, Moore canta practicamente rapeando.  A partir del minuto 1:30, aparecen por primera vez los "ruiditos" que caracterizan a Sonic Youth.
The Sprawl (Kim) es un tema más suave, totalmente experimental, Kim canta casi  recitando sus letras. Contiene largas partes instrumentales muy tranquilas, en las cuales improvisan con sus guitarras.
Temazo el de 'Cross the Beeze (Kim), parecían muy relajantes sus primeros segundos. Pero otra guitarra nos dice que si la señorita Gordom canta, debe ser cañera. Esta vocifera con toda su fuerza el "I wana know, if I stay or go!".  Empezó siendo una de mis preferidas, pero el premio se lo llevó...
Eric's Trip (Ranaldo), mi favorita de todo el álbum. Sonidos surrealistas, que acompañan a una perfecta parte vocal, que es de las pocas que traduje un poco, quiere decir algo así como que, aunque nosotros estemos perfectamente, también hay gente que no lo pasa muy bien, así que Eric se va de viaje y descubre como anda el mundo fuera de "él", pero no os fiéis de mi mal ingles. Ni yo me creía que una canción tan rara me gustara tanto.
Total Crash (Moore) es una canción con una melodía muy pegadiza y comercial. Las guitaras que suenan durante la parte vocal tienen bastante ritmo. Lo único que le encuentro es que los ruidos duran 4 minutos, y a mi me parece que 2 es más que suficiente.
La siguiente es Hey Joni (Ranaldo), también de Lee, que para mi son todas unas joyas. Esta suena un poco más sintetizada que Eric's Trip, y la parte cantada es más alegre (sin pasarse, Soyde...). Sigue sonando como si fuera de otro planeta.
Me encanta Providence, tan simple y tan complicada, todo a la vez. Una pequeña bruma suena, sobre ella un piano te va partiendo el corazón. No se lo que dice el que habla al final, pero me recuerda a eso que tanto se ve en las pelis, que acaba la guerra y tu estás totalmente magullado, ves los cuerpos ensangrentados tendidos sobre la arena mientras las olas los mueven, también te das cuenta de que bajo la fría lluvia, Tom Hanks está muriendo, ay no! eso era Salvar al Soldado Ryan xD.
Candle (Moore), es más lento. El intro arpegiado es bastante dulce.  Se me pegó el "I'm the Croker". No se como, pero su solo es la leche, los agudos noises son de lo mejor. Es algo más sencilla, pero funciona.
Rain King (Ranaldo), esta lluvia de reyes es de lo mejor, caótica con el característico sonido que Lee daba a Sonic Youth. Sus efectos te transportan a un campo de batalla, en la que parece que tú estas en el medio y va a estallar.
Kissability (Kim) me dejo en ascuas tras su acorde inicial, que parece que te avisa de un temazo, pero se me hace algo monótono, pero sin ser malo, ya que Daydream Nation no tiene de eso.
Cierra Trilogy (Moore y Kim), divida en tres partes. La primera es The Wonder, con el pegajoso "I just walking around".  Es la que menos me gusto de las tres partes. Buenisima la segunda parte, Hyperstation, con la melodía tan pesimista pero tan resultona, te lleva al mundo de la magia oscura. Es mi preferida de las tres.  La parte z es Eliminator Jr, según mi corto entendimiento musical, esto es heavy metal, por supuesto perfomanced by Kim Gordom (que frase ...), en el que ella saca su vena más agresiva con uno de  los mejores riffs que hemos visto ha lo largo del álbum.
Una obra maestra. Perdonad que no me haya explayado mucho en el canción por canción, es que tengo prisa. Ahora Rolling Stones . Ah, y aplazo el grunge.
Saludos de su patetico Soyde.

Leño - Leño (1979)

Artista - Leño.
Publicación - 1979.
Discográfica - Chapa/Zafiro
Calificación - 10

¿Mejor álbum de Leño? - SI
Mejor canción - Este Madrid/ 2º puesto - El Tren.
Canciones - 1. Castigo/ 2. El Oportunista/ 3. El Tren/ 4. Este Madrid/ 5. La Nana/ 6. Sodoma y Chabola/ 7. Se Acabo.
Antes de empezar, ya que hoy hablo de Leño, deciros que en cuanto pueda reseñaré el último disco de Rosendo.
A lo que vamos, voy a hacer dos o tres posts de rock en ñ, y hoy empezamos con Leño. 
El rock de nuestro país ha pasado bastante desapercibido, y no tendría por qué teniendo grupos de este nivel. Los más importantes en españa fueron los de la movida, grupos poppys, muchos patéticos (ska.p) y otros algo mejores. También hubo  bandas que eran de la época, pero el éstilo era diferente, como Asfalto, Los Suaves, Obús, Ñu o quien hoy nos incumbe. Y yo me quedo con esos grupos.
En mi humilde opinión, los pioneros del rock nacional fueron los antes nombrados Asfalto, Bloque, Triana, Baron Rojo y los que hoy vamos a reseñar: LEÑO.
Yo empecé a escucharlos por el En Directo que me regalaron, que por cierto es de los mejores lives  que he escuchado. Son un grupo con alto nivel, que desgraciadamente se separaron como dijo Rosendo " por ser unos profetas de no se que". Este al cual acabo de nombrar, Rosendo Mercado,  era su inconfundible líder. Poca gente no conoce a Rosendo, a su peculiar voz se la distingue en todos lados y su imagen tampoco es fácil de olvidar, 56 años con las greñas sin peinar/lavar y  el pendiente para rematar. Es un tío más que respetable, con sentido del humor e incansable. Así se ganó el titulo de mayor representante de su grupo. 
Bueno, el estilo no es más que un puro rock, rock urbano y garaje rock, pero eso este disco, en los siguientes alcanzaron un sonido más pop. El segundo me decepcionó un poco y el Corre Corre está un poco mejor.  Les ocurrió algo parecido a lo de todos los grupos de rock progresivo, entraron en los 80 y a comercializarse. Además estos con la movida de fondo...
Pues Leño aparece tras una riña de Rosen con sus antiguos compañeros de otro gran grupo, Ñu, los cuales antes de un concierto empezaron a discutir y Mercado dijo "chico, hasta aquí hemos llegado". Este se fue y formo un nuevo conjunto (y no de fútbol o de ropa), al que le puso de nombre Leño, porque cuando el Molina (líder de Ñu) componía, Rosendo decía "esas canciones son un leño".  Chiqui Mariscal se fue con él, y acudió Ramiro Penas, batería de Coz, hoy conocidos como Barón Rojo. Tocaron con Asfalto de teloneros y grabaron su primer disco.
 Disco del cual hoy voy a hablar. No os engañe esa portada tan cutre y mala, estamos ante la obra maestra de Leño. Un disco con un sonido muy parecido al de Black Sabbath y Deep Purple. No hay quien pare, solo tiene canciones buenas, ninguna mala, te tocan desde un tema clásico hasta uno heavy, pasando por una nana. La guitarra suena en su mejor momento, ni siquiera en solitario la tocó tan bien, riffs alucinantes y perfectos acompañamientos. No puedo decir nada en su contra, me cautivó desde el primer momento. Podía haber subido su reseña el mismo día que la última, pero quise disfrutar este tremendo álbum. 


Abre con Castigo, uno de los mejores, el intro es muy extraño, con raras distorsiones y efectos. Pero al momento empieza la guitarra a mostrarnos de lo que es capaz. Dura 10 minutos, pero no se te hace cansino, esta bien calculado, ninguna parte sobra, es una pequeña gran suite, con varias partes. Es casi instrumental, la parte en la que canta lo hace con mucha fuerza y con un sublime acompañamiento. Temazo!
Sigue El Oportunista, es la que menos me convenció. ¿Alguien sabe a que me suena el principio ? Muy agresiva, ritmo rápido sin cortarse, mientras Rosendo canta a la vez que puntea sin quedar mal. Aunque no me guste tanto, muestra al gran Mercado.
De mis preferidas es El Tren, posiblemente el mejor riff de todo el disco. Al principio era mi preferida. Todo un himno al LSD, escuchen frases como: " su dulce chimenea te puede dar algo que hace tiempo buscas tú" o "si controlas tu viaje serás feliz". La parte que más me impresiono fue la el solo, en la que hacía las dos guitarras, quiero decir, tanto cambiaba de agudos a riff. Sin duda una gran canción.
Me quedo con Este Madrid, la crítica a la capital. Muy oscura, mas jebi que otras, gran intro, en el cual ya hace 4 o 5 riffs, cada uno mejor que el otro. El abrasante ritmo que predomina durante todo el tema, te hace meterte del todo en la canción. Raramente es pegadizo su estribillo "es una mierda, este Madriiiid, que ni las ratas pueden! vivir!!" Se convirtió en mi favorito, y es un temazo para tocarlo con la guitarra.
La Nana, como su nombre indica es una nana, que siiii. Con un ambiente de rock progresivo, con los melotrones, mientras Chiqui canta ese"na na na na na na na", no tiene más letra que eso. Totalmente dulce y conmovedor. Pero Rosendo también quiere tocar la guitarra, así que mete una acústica que rápidamente  cambia por una eléctrica, haciendo partes instrumentales muy buenas, y riffs inolvidables. No intenten decir que es mala, porque no lo es.
Sodoma y Chabola, recupera la potencia de Leño. A mi el minuto 00:54 me parece un poco funky, va en gustos. Se me pasa muy rápido el tema, eso es porque es muy bueno. La melodía a su más puro estilo, se me quedó.
Y cierra Se Acabo, un tema más bien clásico, con guitarra española, tocado de forma excelente, transportándote al Medioevo. Esta al contrario que la anterior, se me hace larga.
Pues eso, conseguirlo como sea, no tiene desperdicio. Y ahora toca Extremoduro. Os dejo una frase de su líder relacionada con Leño:
"El rock español consta de dos partes: antes y después de Rosendo" (Robe Iniesta)